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“女性渴望体验愉悦”：女性视角如何重塑电影、电视与文学创作

你是否曾沉迷于萨拉·J·马斯或丽贝卡·雅罗斯笔下那些充满蒸汽感的奇幻爱情畅销书？或是在群聊里疯狂讨论《冰上的火焰》《布里奇顿》等剧集的最新剧情？又或许你曾迷失在埃默拉尔德·芬内尔打造的 provocative 电影世界里？如果是，你或许已经注意到，流行文化正迎来"女性凝视"的重要时刻——这种叙事方式深入探索女性复杂、细腻且精彩纷呈的内心世界与欲望。 在电视领域，女性凝视无处不在：《大小谎言》《海妖》《星星之火》等剧集深入挖掘了女性丰富的内心世界与欲望；奇幻爱情小说通过强大女主角与仙境奇缘，拥抱这种叙事视角；而芬内尔执导的《呼啸山庄》《前程似锦的女孩》在宣传时，都承诺将女性体验转化为引人入胜、暗黑唯美的电影艺术。 这究竟是文化转向、短暂风潮还是商业巨浪？答案取决于观察的细致程度。但女性内在视角——尤其是女性欲望的呈现——已从"罪恶快感"转变为时代精神的核心。如今，以女性体验、自主性与情感为主体的叙事，在我们的文化图景中前所未有地清晰可见。 日益增长的流行文化作品，正挑战着社会长期通过男性叙事者视角（即"男性凝视"）审视女性生活的惯性。电影理论家劳拉·穆尔维于1973年提出的这一理论指出，影视、艺术和文学中的女性长期被简化为异性恋男性视角下的欲望客体。颠覆这种男性凝视——拒绝偷窥视角，展现女性真实鲜活的身体——并非新鲜事，至少在艺术电影领域如此。代表性作品包括简·坎皮恩1993年荣获奥斯卡与金棕榈奖的《钢琴课》、安德莉亚·阿诺德2009年获戛纳评审团奖的成长故事《鱼缸》，以及瑟琳·席安玛2019年细腻描绘的《燃烧女子的肖像》。 然而在主流领域，女性凝视历经数十年才获得显著关注。如今，它终于被证明具有商业价值：芬内尔改编的《呼啸山庄》票房大卖，既保留了艾米丽·勃朗特笔下女主角寻求男性爱意的经典桥段，又以女性中心的心理与情欲视角进行重构；奇幻爱情题材在2024年为出版商带来6.1亿美元年销售额，同时在TikTok的BookTok社区创造数十亿浏览量，其中浪漫叙事、世界观构建与"香艳情节"深深吸引着情感投入的读者。 那么，如何真实刻画当代女性的感受与欲望？去年获九项艾美奖提名的《为性而死》堪称典范。该剧以米歇尔·威廉姆斯饰演的莫莉·科汉为核心，展现这位转移性乳腺癌患者在生命尽头探索BDSM、支配、角色扮演等性觉醒历程。《女性凝视：银幕革命》作者伊里斯·布雷盛赞该剧"极其重要"："它触及女性患病仍渴望愉悦的极端禁忌话题，让我们感受到被看见。" 剧集导演兼执行制片人香农·墨菲曾参与《杀死伊芙》《电击女孩》等女性题材剧集。她坦言："我偏爱非公式化的项目，喜欢更迂回整体的叙事，这更契合女性思维方式。"相较于主流对女性内在（包括性与欲望）的刻画，她指出女性叙事能提供更细腻、更少评判的空间："若我们能讲述更多这类故事，文化上将有助于打破非黑即白的认知。"墨菲回忆初读《为性而死》剧本时的感受："它在原始情感与残酷喜剧间营造精妙的张力平衡。" 这种对女性体验世界的真实映照，在剧中体现为"精妙的平衡"。第六集里，威廉姆斯的角色在癌症病房宣告"圣诞节前要达到高潮"的计划后，于浴室地板上向挚友倾诉性侵经历，却因意外排气引得两人哭笑交织。墨菲认为："友谊是核心，这个场景之所以动人，在于它的真实性。我们都经历过创伤，若没有情感距离的缓冲，回忆会让人崩溃。" 墨菲的文化成长背景深受《甜心俏佳人》等90年代女性叙事影响："荧幕上从未出现过如此充满野性女性主义想象力的精英律师形象。"同时期的《欲望都市》中萨曼莎·琼斯的性自信，最初被斥为伤风败俗，最终却被视为赋权宣言——"只要我还能呼吸...跪拜，我想穿什么就穿什么，想取悦谁就取悦谁，轮不到你或社会评判。" 后继作品更进一步：墨菲回忆初看莉娜·杜汉姆《都市女孩》时"内心某处被炸开，欣喜于看到女性创造力的可能性。这是首次将野性、混乱、真实的身体与头脑、喜剧性同时呈现在荧幕上。"从杜汉姆首场情感疏离的床戏开始，剧中身体与性爱场景始终不加修饰、不事雕琢且理直气壮。 与《都市女孩》相似，米凯拉·科尔的《我可以毁掉你》与菲比·沃勒-布里奇的《伦敦生活》《杀死伊芙》，共同展现了荧幕上令人渴求的女性自主性，点燃了无数群聊讨论。而珊达·莱梅斯《实习医生格蕾》的成功，及其后Netflix史上最热剧集之一《布里奇顿》的大放异彩，证明了女性视角的商业投资价值。今年热播的男同性恋冰球题材剧《冰上的火焰》接过了这一接力棒，其对慢热亲密关系的刻画吸引了大量女性观众——直女们既享受剧中情欲场面与阿多尼斯般的躯体，更赞赏其情感深度及男性主角平等享受爱与性的设定。 布雷指出这些主流成功印证了"女性能为行业带来收益，她们正在告诉制片公司：我们可以拥有更大预算与野心。我希望资金能投向那些男性不再审视女性的作品。最具颠覆性的是那些无需追问'他是否爱我'的作品，展现女性之间超越男性话题的交流。" 墨菲则认为，在女性凝视崛起的时代，另一种关系——女性友谊——或许最为重要："我们有大量全男性阵容、男性友谊与男性故事的电影，但真实描绘女性联结的作品依然稀缺。长久以来，人们未能真正理解这种关系的张力与深度。" 布雷将流行文化中女性凝视的盛行与其他社会运动相联系："这类似于女权主义的浪潮演进。#MeToo运动后，许多掌权者开始重新尝试。行业总会涌向他们认为能赚钱的领域。"但她警告投资仍脆弱不稳定，并指出"退潮时刻"可能来临——例如克里斯汀·斯图尔特执导的《水之编年史》，这部改编自莉迪亚·尤克纳维奇2011年同名回忆录的艺术成长电影，涉及强奸、乱伦与欲望重塑，旨在将女性忏悔叙事重新纳入经典。斯图尔特坦言融资是"艰难推销"，项目开发八年最终在拉脱维亚和马耳他完成拍摄。 在发行端，捕捉女性凝视复杂层面的电影仍属稀缺。"这类电影存在，但未能广泛传播，"布雷说，"我们尚未看到更年期与否、为人母与否的全景呈现。我想了解女同性恋角色或黑人女性的经历。"欲望呈现仍受局限："我认为欲望本可承载更多可能性。" 奇幻文学曾对女性不甚友好——要么死亡，要么沦为疯女王。 在布雷看来颠覆性较弱但极为成功的奇幻爱情题材，其惊人吸引力部分源于女性欲望驱动。该类型为读者提供奇幻世界、女性主角与直白性爱，为出版商带来诱人利润（布鲁姆斯伯里出版社上月宣布为马斯畅销系列《荆棘与玫瑰之庭》推出两本新书后，市值增加7000万英镑）。瑞秋·里德的《游戏改变者》系列改编剧《冰上的火焰》播出后，为哈珀柯林斯带来65万册销量，第七部将于明年六月面世，第二季剧集也已获续订。这延续了《外乡人》等奇幻爱情小说改编剧的成功轨迹。 国际畅销奇幻爱情系列《血与灰》作者珍妮弗·L·阿门特劳特阐释了该类型如何改变女性世界的接受方式："我曾以为女性在奇幻世界注定结局悲惨：坠入爱河反成软肋，拥有力量难逃死亡或疯癫命运。你从未见过能让人安心期待其存活，且不必牺牲自我认同的女性角色。读者几乎一直在等待这类作品的出现。" 与15年前E.L.詹姆斯《五十度灰》被低调讨论相似，奇幻爱情小说常被贬称为"童话色情"或"淫秽读物"。"我厌恶'淫秽'这个词，"阿门特劳特说，"给作品贴上这种标签，大众读者就会自动摒弃。我本能地觉得'这是错的'——但凡由女性主导创作或消费的事物，总被视为次等。" 她将去除"罪恶快感"污名的功劳归于BookTok，该平台让读者能自由沉浸于细节丰富、女主角复杂的奇幻世界。"你会看到患有精神疾病或残疾、非典型瘦削身材的主角。这些作品探讨从应对抑郁到遭遇侵犯等严肃现实议题，极易引发共鸣。即使角色身处龙与吸血鬼的异世界，她们的经历与许多读者相通。" 尽管浪漫配对模式多样，阿门特劳特指出"系列收官时，伴侣几乎总能势均力敌，无人成长遮蔽对方光芒。"这有助于重构男性征服的旧套路："女性不愿看到伴侣被彻底压制。" 进展固然显著，但布雷认为女性凝视的爆发要转化为持久转向，仍需更多故事支撑："我们仍缺乏能真正改变人们对关系与爱情看法的叙事呈现。" 墨菲发现自己参与的研讨会上，"男性导演谈论作品与创作过程，而我们最终却在讨论身为女性的体验。"真正的进步意味着女性凝视成为常态。"我创作时从未刻意偏向女性多于男性，"墨菲说，"但作为女性，我自豪于作品能以前所未有的方式引发女性共鸣。这必须持续发生。" **常见问题解答** 以下是关于女性愉悦视角如何改变影视与文学的问答，采用自然对话风格： **入门定义类** 1. **故事中女性愉悦视角指什么？**...
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'一群脱掉上衣的人们！' 戈尔迪、埃斯特尔、考特尼·派恩、弗洛等人分享了他们在英国黑人音乐中最喜爱的瞬间。

我童年时游荡的街道。 **AJ Tracey：Johny Pitts拍摄的诺丁山狂欢节上的五位女孩（2010年）** 这张照片完美捕捉了狂欢节的精髓。你能感受到那天的活力，以及她们为庆祝我们的文化所做的精心准备。我在西伦敦的拉德布罗克格罗夫长大，今年32岁，至少参加过25次狂欢节。我是特立尼达人，所以这对我意义重大。这是我们文化在这里存在的一部分。我喜欢索卡音乐，但也喜欢听Vybz Kartel或老派的鲍勃·马利——任何能让我心情愉悦的音乐。每年你都能听到各种各样的加勒比音乐，这总是影响着我。我即将发布的新歌中，至少有一半可能源自狂欢节——舞厅、雷鬼和拉格乐。 我以前常去Rampage音响系统那里，那里有最精力充沛的派对爱好者。我在那里见过So Solid Crew，后来当我成为一名艺术家时，我也受邀去表演。第一次是和Toddla T以及Annie Mac一起，我看到人群中所有的朋友和家人。在自己长大的地方表演，在我童年时游荡的街道上，与在任何其他地方表演都完全不同。那感觉超现实。 **“赢得这个奖项意义重大”** **Flo乐队的Stella、Renée和Jorja：Slawn设计的全英音乐奖奖杯（2022年）** Stella：这是我们的第一个全英奖，实际上也是我们第一个正经的奖项，所以意义重大。Slawn是一位尼日利亚艺术家，考虑到其他国家——尤其是黑人国家——在塑造英国过程中所扮演的角色，这一点非常合理。 Renée：他的文化背景被突出强调，这太不可思议了。不仅仅是“这个人做了一个奖杯”，而是“这是他的来源，这是他的影响”。这感觉非常贴合我们这一代人。我们从不追逐奖项，但认可是最重要的事情之一。看到像你一样的人做出惊人的事情，会带来巨大的鼓舞。 Jorja：来自许多不同社群的人告诉我们，他们与我们作品中的情感和原始感产生了共鸣。但每次我们接受奖项，都是代表所有在我们之前的女团——尤其是那些有英国黑人成员的团体，比如Little Mix和Sugababes。是她们为我们铺平了道路。 **《音乐是黑色的：一个英国故事》** 将于4月18日在伦敦V&A东馆开幕。 **常见问题解答** 当然，以下是一系列关于该主题的常见问题，内容围绕文章或纪录片展开：一群赤裸上身的人们——Goldie、Estelle、Courtney Pine、Flo等人分享了他们在英国黑人音乐中最喜爱的时刻。 **一般/入门问题** 问：这篇文章或纪录片是关于什么的？ 答：它汇集了英国黑人音乐标志性人物的个人故事和最珍贵的回忆，反思了音乐场景的历史和影响。 问：其中有哪些人物？ 答：包括Goldie、Estelle、Courtney Pine、Flo等英国黑人音乐中的重要人物。 问：标题“一群赤裸上身的人们”是什么意思？ 答：这是其中一位贡献者的话，描述了演唱会或音乐节中一个特定的狂喜时刻，象征着音乐场景的原始能量和自由。...
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从Central Cee到青少年潮流，英国文化在2025年迎来了全球瞩目的高光时刻——但这股热潮能否持续？

乍看之下，英国文化似乎岌岌可危。音乐产业根基动摇，草根演出场所快速消亡——仅2023年就关闭了125家——艺术家们连仅存的场地都难以负担。巡演已成赔本买卖，连成名艺人也不得不靠其他工作补贴。与此同时，流媒体极大削弱了录制音乐的价值，导致产业高层级收缩。今年早些时候，华纳、大西洋等主流唱片公司的英国分部已被美国总部实质性吞并。 喜剧领域，作为现代英国脱口秀、短剧和情景喜剧摇篮的爱丁堡边缘艺术节，因赞助短缺和演员成本过高而面临生存危机。电影产业如今几乎完全依赖日益萎缩的美国投资。尽管凭借税收优惠和风景胜地，英国仍是热门取景地，但在此拍摄的作品最终大多为美国公司创造利润。 作为英国文化生活基石的BBC在危机中蹒跚前行，而更广泛的电视行业则因广告削减和成本上涨导致电视台无力资助节目制作。与电影业相似，电视业已形成对外国投资的依赖，令人担忧英国是否已丧失专为本土观众制作节目的能力。那些无法吸引外国投资的节目只能依靠善意维系——获奖剧集《狼厅》第二季的制作中，导演、编剧和明星大幅降薪便是例证。与美国流媒体平台不同，英国电视台难以将收视率转化为利润。例如热门剧集《贝茨先生诉邮局》虽吸引超1300万观众，仍亏损约100万英镑，ITV总裁将此归咎于缺乏国际销路。 那么，一个坚守原则、独具特色的艺术领域该如何在此环境下生存？娱乐全球化的影响之一在于，成功标准已变为能否吸引庞大而模糊的全球受众。作为蕞尔岛国，英国似乎注定越来越无足轻重。 然而意想不到的事情发生了。在这片动荡中，英国文化正蓬勃生长。它不仅主导着全球话语，更凭借以精妙入微的方式探索英国传统与情感的艺术作品实现这一目标。纵观这一切——从空前捕捉英国心理的病毒式潮流，到直面英国身份复杂矛盾性的音乐、电视和电影——很难不让人感到我们正身处黄金时代。 以《我曾住在英格兰》为例，这首由美国人创作的英式情书，于六月由音乐人弗兰基·比尼以Supermodel化名发布。歌曲拖沓吟唱着在乐购购物的日常，将"去乐购"说成"Go Tesco's"而非"Go to Tesco's"，并提及Wetherspoons酒吧、英国车库音乐和65英镑的火车票价。比尼并非唯一绕过下午茶或烂牙等陈词滥调、转而颂扬英国生活真实印记的美国人。继2024年TikTok上全球用户追捧英国经典文本（《猜火车》）、机构（Greggs bakery）和人物（杰玛·柯林斯）的"英国核"风潮后，今年大西洋彼岸的崇英热情再度高涨。这部分源于将英国视为逃离特朗普治下美国的避风港的浪漫想象，以及对英国生活细微之处前所未有的关注。 英国式情感正在社交媒体蓬勃生长。奥利维亚·罗德里戈在格拉斯顿伯里音乐节压轴演出中倾诉对英格兰的热爱，提及科林毛毛虫蛋糕、正午畅饮啤酒的无拘无束以及英国男性——后者暗指其现任男友、演员路易斯·帕特里奇。这段跨大西洋恋情属于"英国男友"风潮的一部分，得益于好莱坞大量英国青年演员的存在，使英国男性成为令人向往的时尚配饰。 与此同时，英国内容创作者以其混乱而挑衅的幽默赢得全球人气，被克莱夫·马丁在Vice文章中描述为本尼·希尔、《你被拍了》与《唇齿之间》的混合体。对英国文化的真切熟悉已成为一种文化资本：当纽约市长当选人佐赫兰·曼丹尼被问及收听习惯时，他盛赞了Arseblog Arsecast播客以及2012年东伦敦市场摊贩（后参加《X音素》选秀）走红歌曲《一镑鲜鱼》的加长版。 这场"酷不列颠"的网络复兴具有新奇特质，但亦蕴含实质：英国人对平淡微渺乐趣的偏爱如今获得全球欣赏。与此同时，艺术领域正兴起对英国性的深层反思。 流行音乐方面，2010年代的阿黛尔、艾德·希兰和酷玩乐队等全球巨星提供的音乐与英国身份关联甚微。如今英国艺术家正塑造跨大西洋音乐风尚：今年有绿洲乐队重组，去年则有查莉·XCX的《Brat》（其影响力延续至2025年，部分归因于泰勒·斯威夫特失策的 diss track）。两者皆具典型英国特质。绿洲三十余年来始终是国家象征，融合喧闹戏谑、犀利曼城式机锋、戏谑张扬与披头士怀旧——捕捉着对日常生活的浪漫想象与恣意欢笑。 《Brat》则通过快乐硬核、英国车库音乐和回响贝斯等当代英国元素引发共鸣。其核心是讽刺的艺术学院 sensibility，体现于查莉的合作伙伴AG Cook——这位金史密斯学院毕业生通过对矫饰、消费主义、科技与高雅品味的讽刺，助力创造了真正的新亚流派"超流行乐"。与绿洲相似，《Brat》传递着直率的坦诚与讽刺的妄自尊大，此次借私立教育背景的派对女孩形象呈现。 这种混乱、直率而机智的英国特质贯穿流行音乐：从莉莉·艾伦残酷坦诚又诙谐的《西区女孩》，到劳拉·杨充满脏话的《混乱》（一月登顶排行榜），再到前小混合成员杰德·瑟尔沃尔首专《这就是演艺圈，宝贝！》（歌词如"我是焦点女孩/我是传奇女孩"）。她们与阿米莉亚·迪莫尔登伯格气质相通——其YouTube系列《炸鸡店约会》将社交尴尬、冷面机智与英国商业街文化融合成受美国追捧的英伦 vision；她如今已成为奥斯卡红毯特约记者。 如果说查莉·XCX标准英音的电音流行乐充满英伦感，那么肯特郡出身的PinkPantheress忧郁版本...她的崛起或许更为瞩目。自2020年在TikTok出道以来，这位24岁歌手的蹿升速度惊人——得益于平台将英国小众内容推向全球受众的敏锐嗅觉，形成病毒式反馈循环（另见：#英国核）。今年她获得水星奖提名和两项格莱美提名。她也沉浸于鲜明的英国怀旧风，将鼓打贝斯、丛林音乐和大节拍采样与唤起阴郁情感的 vocals 层层叠加，传递雨浸般的忧伤。虽然PinkPantheress在美国的独特吸引力可能源于以迷人腔调挖掘鲜为人知的音乐史，但她同样触及更深层的东西：英国性感受。她曾告诉《滚石》杂志，其创作情绪板包含"希望与失落的希望"、灰色、电视剧《皮囊》、"肮脏的感觉"以及乐队The Streets——尤其是迈克·斯金纳捕捉"生活如此糟糕"感受的才华。采访者指出她的阐述带着"我们英国人特有的那种以苦为乐的独特方式"。 今年也是典型英国说唱真正突破美国市场的一年，这要归功于Central Cee。其首专《伟大不可速成》成为史上首张进入公告牌前十的英国说唱专辑，植根于英国 drill 音乐，满载对Sports...
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2025年英国电影票房冠军：《一战再战》

保罗·托马斯·安德森的反文化剧情惊悚片《一场又一场的战斗》，灵感源自托马斯·品钦的小说《葡萄园》，至今仍是一部形式上的谜题，令观众困惑、挑战并为之着迷，年终之际对其确切含义仍无定论。罕见的异议来自编剧兼电影制作人保罗·施拉德，他在网上直言不讳地评论道：“电影制作水平堪称A+，但我无论如何都无法对莱昂纳多·迪卡普里奥或西恩·潘产生一丝共情。我一直在等着他们死去。” 然而，这正是影片引人入胜之处：观众确实无法对两位不讨喜的男主角产生共情，而他们的死亡与脆弱性却蕴含着一种解构的、熵增的能量。他们正走向灾难。是的，电影制作水平是A+甚至A++；它充满了对自身大胆与技巧的喜悦。这部电影兼具库布里克晚期作品的优雅与自觉的戏剧性，最终在一段蜿蜒的高速公路上呈现了一场既刺激又诡异离奇的追车戏。这并非形式大于内容，但它无疑是一部不自觉地将自觉的风格提升至与主题同等高度的电影：一个渺小、专制的美国，无论是现在还是未来，以及那些将在其中逐渐老去却持续抵抗的人。 悬而未决的问题是故事发生的时间和地点。这是10年或20年前的美国吗？还是一个另类的、想象中的当代美国——一个怪诞的美国？这种对可辨识的当代现实的回避，部分源于对品钦作品的改编——他那充满趣味的卡通式想象力——以及对其小说的更新，小说原本以里根时代的80年代为背景，穿插着动荡的60年代的闪回。现在，故事被转移到奥巴马和特朗普执政之间的某个时期——或者斜向进入某个新的叙事维度。片名暗示着无尽的危机和现代生活中永不停息的文化战争。 莱昂纳多·迪卡普里奥饰演鲍勃，一位前革命者，曾是袭击墨西哥边境移民拘留监狱的激进组织成员。如今他已老去，成了一个脾气暴躁、酗酒、邋遢的失败者。他昔日的战友是佩尔菲迪亚，由魅力非凡的泰雅娜·泰勒饰演。佩尔菲迪亚曾以性魅力迷住了负责反叛乱情报的粗脖子吹牛大王史蒂文·洛克乔上校，这个角色由西恩·潘以爬行动物般的狂热演绎。 洛克乔对她的痴迷——种族主义的恋物癖与可怜又可鄙的狂喜交织在一起——是佩尔菲迪亚试图操纵以控制军方反对派的手段。但一切都出了可怕的差错；她怀孕了，她的女儿薇拉（由切斯·因菲尼蒂饰演）成为影片中父权危机的核心。谁才是美国真正的父母：反动派还是激进派？ 迪卡普里奥、潘、泰勒和因菲尼蒂的表演都极具掌控力、精彩绝伦，强尼·格林伍德的配乐也十分出色。《一场又一场的战斗》是一首电影形式的抗议之歌，歌词关乎残酷、专制以及异议的英雄主义。 **常见问题解答** 以下是关于2025年假想的英国顶级电影《一场又一场的战斗》的常见问题列表。 **一般剧情常见问题** 问：《一场又一场的战斗》讲的是什么？ 答：这是一部历史剧情片，背景设定在英国历史上一场鲜为人知的冲突期间，跟随一支小型多元化的士兵部队。影片较少关注宏大的战争策略，更多聚焦于他们为求每日生存所面临的人性、心理和道德斗争。 问：它是基于真实故事吗？ 答：它受真实事件启发，融合了各种历史记载的故事，但核心人物和具体叙事是虚构的。 问：谁主演了这部电影？ 答：影片汇集了英国成熟与新兴的演员。虽然完整阵容尚未确认，但据传由乔治·麦凯、利蒂希娅·赖特等演员领衔主演，一位相对较新的演员在关键角色中也有突出表现。 问：谁执导了这部电影？ 答：影片由备受赞誉的英国导演莎拉·加夫隆执导，她以注重角色驱动的叙事风格著称。 **观看与上映常见问题** 问：我何时何地可以观看？ 答：影片计划于2025年秋季晚些时候在英国影院上映。流媒体播放权尚未公布，因此将首先在影院放映。 问：这部电影适合儿童观看吗？ 答：不适合。由于强烈的战争暴力、紧张的心理主题和粗俗语言，预计英国电影分级委员会会给予其15级证书。 问：电影时长是多少？ 答：据报道，片长约为2小时10分钟。 问：为什么它现在就已经引起如此多的关注？ 答：受人尊敬的导演、早期读者反响强烈的有力剧本，以及关于韧性和冲突人力成本的及时主题，这些因素相结合，使得提前观影的评论家们给予了高度的上映前赞誉。 **主题与分析常见问题** 问：这部电影与其他战争电影有何不同？
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一座需要徒步八小时才能抵达的博物馆。

意大利最新的文化遗址坐落在2300米高的山脊上，其偏远程度让你在抵达前许久就能望见它。那道红色狭长建筑初现时宛如山脊上的警示标记，随后逐渐显现出令人安心的轮廓——一座迎风矗立的庇护所。 这座位于奥罗比耶阿尔塔路线瓦尔邦迪奥内高脊的建筑，直面雪崩与骤变天气。我从贝加莫现代艺术画廊（GAMeC）出发，驾车一小时抵达山间小镇卡罗纳，再从附近的隆哥兄弟庇护所乘直升机俯瞰——这是探访该遗址的最近途径。 弗拉蒂尼临时营站无人值守、无需门票、没有工作人员。任何人都能进入，但前提是完成六至八小时穿越碎石坡、苔原与雪地的攀登。作为媒体预展环节，我仅从直升机上目睹其真容，除此之外唯有长途徒步方可抵达。 内部陈设极简：九张卧铺、一条木凳、一扇框住天空的天窗——这便成了唯一的展品。没有展柜、标签或说明，唯有温度、寂静与海拔。声音在此变得奇特：呼吸声、脚步声、雨点敲打织物的声响。与将展品隔绝于自然的传统博物馆不同，这里拥抱天地万物。 由都灵EX工作室与意大利阿尔卑斯俱乐部联合设计的营站，今秋作为"像山一样思考"的终章正式开放。这句由美国生态学家奥尔多·利奥波德提出的理念，引领着该博物馆将文化从展厅移入生态系统的两年实验。 GAMeC馆长洛伦佐·朱斯蒂认为，策展可成为地质思维的载体——缓慢、持久且顺应超越人类的力量。两年间，该项目遍布贝加莫山谷与山前村落：旧工厂里的表演、生物多样性区域的装置、矿区的雕塑。每件作品存续一季或一日，常需徒步抵达，当地居民以参与者而非旁观者身份融入。弗拉蒂尼营站是项目最纯粹的形态——标志着博物馆彻底突破馆舍边界。 这里也是项目理想面临现实严酷考验之地。新营站取代了1970年代因结构隐患与石棉污染而废弃的旧庇护所。尽管危及人类，旧庇护所已成为山体特质的一部分——当地北山羊常在金属外墙磨角，留下闪亮刮痕。新建筑需确保安全、环境友好且气候适应，但无法保证野生动物会接纳它。 即便建筑师也不确定实验性材料（工业织物、软木、轻质复合框架）能否长期抵御动物侵蚀。海拔考验理念的速度，正如其腐蚀金属般迅捷。 新庇护所仅重两吨多，由直升机分四趟吊装至山脊，每次投放都需精准平衡风力。这座建筑实现了创作者预设的所有矛盾特质：恒久却可逆、坚固却柔韧、密闭却透气。红色外壳采用如皮肤般张拉的工业织物，内墙覆以会热胀冷缩的软木。 高海拔庇护所需承受极端气温。屋顶太阳能板提供基础照明与应急电源，但无供暖、自来水或信号——仅能维持受困登山者基本生存，远非舒适体验。建筑本质是避难所，艺术价值仅是附属。 这引发思考：若仅数百人能抵达定制艺术现场，它是否真正服务公众？ 在高海拔地带，可达性从来复杂。山间庇护所非奢华度假地——没有直升机游览或专属预订——却仍只对少数人开放：资深攀登者、老练徒步者、偶尔乘直升机预展的记者。博物馆长期秉持的公共性在此面临考验：若访客如此稀少，作品仍具公共价值吗？抑或这是生态艺术与生俱来的矛盾——作品与景观融合越深，亲历者就越少？ 过度旅游亦是隐忧。阿尔卑斯山正面临日益增长的游览压力，部分源于山系美学风潮。建筑师强调该营站恰与此形成对比——轻量、可拆卸、低调。然而即便抗拒网红美学，它仍可能走向另一个极端：以巅峰文化抱负而非高性能装备，在山脊刻下反向山系美学的印记。 象征意义同样值得玩味。2300米高处的博物馆易被视作机构宣言——插在山巅的红色小旗。团队深谙此道，屡次申明宗旨：关怀、共存与谦逊。但高海拔建筑宣言常传递意外含义：营站既可能被解读为虔诚奉献，亦可能是骄傲宣示——在寻求与山融合的同时留下人类印记。 弗拉蒂尼营站仍具微妙革命性。它叩问文化能否经受艰险，博物馆能否存在于生存依赖气候而非概念的场域。它重新定义策展人角色——从甄选者转变为适应者，顺应天候、地形与人类极限。 当直升机离去后凝视山脊，建筑的渺小令人震撼。无论它还象征什么，终归提醒着我们：高海拔处无永恒——建筑如此，意图如此，连承载它们的大地亦如此。 弗拉蒂尼营站坐标北纬46°02'27.60"，东经9°55'14.90"，全年开放。建议游客出发前通过意大利阿尔卑斯俱乐部查询天气与步道状况。 常见问题解答 以下是关于这座需徒步八小时抵达的博物馆的常见问题解答，内容清晰简洁且符合自然表述 基础入门类 1 这是真实存在的吗？看博物馆真要徒步八小时？ 千真万确。博物馆特意建于偏远原始的自然区域，旨在打造融合艺术、自然与个人旅程的独特沉浸体验。 2 博物馆位于何处？ 通常坐落于险峻的保护性荒野区，如国家公园、山脉或偏远海岸。具体位置在购票时提供。 3 有哪些艺术展品？ 展品多为在地创作，即专为与自然景观和谐共生而设。您可能看到利用天然材料制作的大型地景艺术、雕塑装置，以及当地生态历史展览。 4...
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"凌乱成就独特"：卢卡斯·盖奇谈药物治疗、心理创伤、个人回忆录及拍摄电视剧史上最坦诚性爱场景。

卢卡斯·盖奇的新书中有一个发人深省的片段，他自称这是本"早产的名人回忆录"。这当然是自嘲的笑话，却也精准无比。这位30岁的演员并非超级巨星——至少现在还不是。但若你见过他，定会过目不忘。2020年他因分享试镜视频爆红网络：当时未关麦克风的导演公然批评他寒酸的公寓（"这些穷人住在火柴盒里"），却被盖奇当场提醒"每个字都听得清清楚楚"。次年他在《白莲花度假村》首季中亮相，那段被酒店客人撞见全裸接受经理口交的戏码，至今仍是观众津津乐道的名场面。 "我当时想：戏份不多，但必须让人记住，"他笑着回忆，"我确实做到了！" 正如他那些混乱癫狂的银幕形象，盖奇在自嘲书名的回忆录《我写这本书就是为了博关注》中毫无保留地剖白人生。这部作品娱乐性十足，内容却沉重得惊人：从被父亲抛弃的创伤，到吸毒、性侵、家庭失能、成瘾症、人格障碍、情感破裂的连环打击，几乎不见名利场的浮华光影。盖奇坦然承认自己资历尚浅，写书初衷纯粹是"写作对我而言是种疗愈"。趁着好莱坞编剧罢工的空档，他决定"何不放手一写？" 成长于圣迭戈的盖奇自幼渴求认可。四岁派对着高跟鞋戴兔女郎耳朵却遭父亲嫌恶的经历，至今令他隐隐作痛。父子关系随着父亲离家另组家庭彻底破裂。校园里的盖奇是伪装高手——能扮成干净体面的橄榄球员偷藏酒水，也能模仿家长声音帮同学逃课。"扮演不同角色对我来说轻而易举，"但这份天赋让他迷失了自我。 回忆录直指成瘾问题：仰望的兄长沦为海洛因的奴隶，母亲沉迷老虎机虽曾赢够首付，但"她最终输掉的远比赢得多"。得知子女们从小就看穿她的赌瘾时，这位母亲震惊不已。盖奇深爱独自拉扯三兄弟长大的母亲，唯恐她因书中内容自责："尽管经历种种混乱，我其实深爱自己的成长方式。" 表演夏令营是人生的转折点，那里终于接纳他张扬夺目的本性，却也带来深夜帐篷里被辅导员猥亵的创伤。"和许多受害者一样，我觉得自己是共犯——因为身体没有反抗。"此后多年他都背负着这份耻感。 盖奇在书中毫不留情地自我批判，至今仍会主动搜索恶评。"我讨厌自己总看轻表演和写作成果，"他坦言，"真希望能更温柔地对待那部分自我。"但这份严苛也推动他18岁勇闯好莱坞，住进偶像吉姆·莫里森曾栖身的破旧汽车旅馆。当因为纹痛失《广告狂人》角色时，他想的是："被拒绝算什么？总比不上被父亲抛弃痛苦。" 经历无数试镜失败后，他靠连哄带骗争取到《刺杀国度》试镜机会，由此打开《亢奋》《白莲花》的星途。拍摄《白莲花》时，他主动建议加大性爱场面尺度，事后母亲发来调侃："屁股很可爱，但下次和朋友一起看时记得提醒我。"也是在此期间，他鼓起勇气公开那段遭嘲讽的试镜视频，意外掀起舆论海啸。面对远比他愤怒的公众，盖奇反而困惑："我觉得这事更可笑而非可恨，不值得毁掉对方前程。" 回忆录揭示了演艺圈的虚妄——《亢奋》《白莲花》带来的高光瞬间被漫长空窗期吞噬。"在夏威夷创作数月后突然回到公寓，那种落差很可怕，"他说，"我们总被灌输机会稀缺，很难相信未来会好。"若说事业如履薄冰，感情更是惊涛骇浪。少年时与问题少女凯莉纠缠不休，19岁与男性发生关系后意识到自己的酷儿身份。"真希望早点明白，那些穿兔女郎装听布兰妮写日记的瞬间，早该有人和我聊聊。" 回忆录结尾，心理医生从他多变人格、渴求关系与惧怕被弃中拼凑出边缘型人格障碍的诊断。盖奇虽反感标签，却承认这让他"突然理解所有混乱"。在治疗中他终能直面夏令营创伤，当被反问"你现在会与11岁孩子做那种事吗"，他才惊觉事件的严重性。 但这不是个浪子回头的圆满故事——2023年初他与明星发型师克里斯·阿普尔顿疯狂相爱，金·卡戴珊主持婚礼，仙妮亚·唐恩献唱，然而短短七个月后便提交离婚申请。"治疗初期的大剂量药物反而激发我的躁狂，"他解释，"现在用药调整后，我才学会该先经历四季磨合再定终身，也该在亲友劝阻时停下脚步。" "我仍在成长中，"盖奇强调他不想要完美结局，"生活本就参差不齐，真实比整洁更重要。我依然会搞砸关系，但如今我能承认错误，接纳批评。"虽然前路难免坎坷，他仍满怀期待：刚售出的电影剧本即将官宣，写作的新大门正在开启。 被问及是否担心自曝其短影响星途，他坦然道："确实想过收敛，但我想告诉那些非典型成长的人：混乱恰恰成就你的独特。况且我专业负责，从不迟到，待人友善。"采访始自他对演技的妄自菲薄，终归于对职业能力的自信承认。"看，我们又矛盾统一了，"他眼底闪过狡黠的光，"这就是人生弧光。" （文末援助机构信息略）
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"我们从未想过一首歌能传遍全球六次之多"：汀汀乐队回顾《那不是我的名字》

朱尔斯·德马蒂诺： 当时我和凯蒂经常在曼彻斯特与我们的乐队“亲爱的爱斯基摩人”一起演出。我们与水星唱片公司签了合约，他们承诺会发行专辑，但后来公司高层大换血，就把我们抛弃了。记得当时心想：“这帮混蛋。”连电话都没人接听。我们感觉自己被视而不见、被抛弃。这种感受催生了《那不是我的名字》的歌词：“他们叫我斯泰西/他们叫她/他们叫我简/那不是我的名字。” 为了疗愈创伤，我们开始举办派对。我们住在索尔福德伊斯灵顿磨坊工作室，那是个旧棉纺厂，学生们常在那里进行纺织品设计。当时我们只有三首歌——《那不是我的名字》《闭嘴让我走》和《伟大DJ》——所以我们就现场表演、用CD笨拙地打碟、大声播放音乐。我会踩着循环踏板跳上鼓架，凯蒂会抓起我的Stratocaster吉他，释放出令人震撼的艺术朋克能量。 这首歌意外走红——连幼儿和祖辈都会跟着唱。住在磨坊的一个女孩告诉我们：“我超爱你们的音乐，能让我发行唱片吗？”她经营着名为Switchflicker的小型厂牌，我们平分2000英镑成本，将《那不是我的名字》和《伟大DJ》作为双A面单曲压制了500张黑胶唱片。 她偷偷把唱片摆上曼彻斯特皮卡迪利唱片行的货架。她还涉足女同俱乐部圈子，开始邀请人们参加我们的派对，逢人便说：“他们有首超棒的歌叫《那不是我的名字》...”我们的聚会从20个朋友逐渐扩展到40、60、80人甚至更多。 有张唱片传到XFM电台的约翰·肯尼迪手中，我记得马克·拉德克利夫在BBC广播6台播放时惊呼：“太燃了！”我们在Myspace上发现连澳大利亚人都喜欢我们——当时觉得不可思议。虽然继续举办月度周五派对，但随着唱片公司和出版商这些想签约的行业人士出现，氛围变了，他们可不是来寻开心的。三周后我们就在伦敦桑德森酒店与索尼洽谈合约了。 我和凯蒂始终在专属创作空间共同写歌。22年来，所有作品都在家庭录音棚里独立制作完成。从未想过有首歌能带我们环游世界六次。 凯蒂·怀特： 我是来自维根附近的工人阶级女孩，听着辣妹组合和90年代男女团音乐长大。其实我没完成学业，最后来到磨坊，这里就像浓缩的文化启蒙课——人们讨论安迪·沃霍尔、传声头乐队、Gossip和Le Tigre。我在《那不是我的名字》中的演唱风格融合了辣妹的活力与Le Tigre的锐利，充满表演张力。 这首歌对我们很特别。经过五六版修改才定型，最初只有节奏段，主歌反复调整后最终蜕变成全然不同的作品。 它并不完全契合当时的独立新浪潮/新锐舞风潮。NME杂志曾力捧我们，但当歌曲同时吸引小孩和老人时他们反而无措。这首歌在爆红的同时开辟了独特领域，如同《我的莎罗娜》般成为超越时代的水恒经典。 这首歌在全球持续传播——星巴克大型广告、众多电影插曲、三年前又在TikTok病毒式传播。常有人邀我们为其他艺人创作同类爆款。确实...科技最终让我们能持续创作热爱的音乐。我们从一开始就是情侣，但当年秘而不宣，怕分散对作品的关注。鉴于双人组合稀少且我们性格低调，这样很合适。现在有个快五岁的女儿。最初几年我们每周演出三四场，连续四年马不停蹄巡演推广首专。通常成家后会放缓节奏，但我们始终拥抱每个机会：“好，我们去南美巡演！”“没问题，再去日本！”一切都令人热血沸腾。叮叮乐队新专辑《家》现已发行。 常见问题解答 以下是关于叮叮乐队及其热门单曲《那不是我的名字》的清晰FAQ列表 【基础篇】 1 叮叮乐队是谁？ 英国流行双人组合，由凯蒂·怀特与朱尔斯·德马蒂诺组成 2 《那不是我的名字》主题是什么？ 源于早期被业界忽视、屡次被叫错名的真实经历，抒写遭遇漠视的愤懑 3 歌曲何时发行？ 2008年作为首专《我们始于虚无》主打单曲推出 4 这首歌有多火？ 全球爆款热单，登顶英国单曲榜，在超10国进入前十 5...
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《卫报》观点：艾美奖启示——为何基层戏剧培训对年轻人才至关重要

除了《少年时代》所凸显的紧迫社会问题——如网络厌女症和激进主义——该剧的巨大成功还引发了对日益显著的文化议题的关注：草根戏剧学校与社团的关键作用，以及电视行业亟需增强工人阶级代表性。 上周日，15岁的欧文·库珀成为艾美奖史上最年轻男性获奖者，凭借饰演少年谋杀案嫌疑人杰米·米勒斩获殊荣。曼彻斯特Drama MOB戏剧社的创始人在庆功时着重强调——这位少年在此接受两年每周定期训练的经历对他获得角色至关重要，库珀本人在获奖感言中也肯定了这一点。该戏剧社通过打破"一夜成名"的叙事，向全英在社区活动中心默默耕耘的戏剧教师们致敬。毕竟，就连比利·艾略特也是在其烟不离手的芭蕾老师威尔金森夫人（朱莉·沃尔特斯在电影中饰演）指导下才学会单足旋转。沃尔特斯从利物浦人人剧院开启演艺生涯，该剧院的青年项目还培养出《少年时代》的联合编剧兼主演斯蒂芬·格雷厄姆。正如沃尔特斯所言，如今工人阶级出身的年轻演员获得的机会远比过去稀少。 全英戏剧学校正面临危机。布里斯托老维克戏剧学院自1946年以来首次停止招收本科生；今年迎来75周年校庆的赛德卡普罗斯布鲁福德学院宣布陷入财务困境——这里曾成就加里·奥德曼，让他从屠宰场工人蜕变为凭借丘吉尔一角荣获奥斯卡的影帝。其他知名戏剧院校则已彻底关闭。据英国艺术运动组织数据，自2010年以来选修GCSE和A-Level戏剧课程的学生数量急剧减少。 最新研究显示，私立教育对权威行业的垄断达到历史顶峰。这在影视行业毫不意外：过去十年获重要奖项提名的英国明星中，近半数为私校背景。但工人阶级题材作品仍屡创佳绩，如广受好评的《贝茨先生诉邮局》和米凯拉·科尔的《我可以毁掉你》。科尔在伦敦塔村区长大，凭借助学金进入吉尔德霍尔音乐与戏剧学院——正是鲜活例证。 《少年时代》的成功紧随上周六"联合王国"集会之后，凸显了艺术反映全社会真实面貌、讲述多元故事的责任。虽然"天赋"常被颂扬，但缺乏支持的明星实属凤毛麟角。若失去世界级的戏剧院校，我们将面临从全球舞台与银幕退场的风险。英国政府已承诺扭转保守党执政期间艺术教育衰退的局面。国家剧院的校园项目与Drama MOB等社区计划值得肯定，但还需更多举措支持来自不同背景的年轻演员——尤其是伦敦以外地区。正如伊德里斯·艾尔巴的精辟论断："才华无处不在，机会并非如此。"我们有责任确保下一代艺术家的天赋既能被发现，也能被悉心培育。 常见问题解答以下是《卫报》关于艾美奖与草根戏剧培训观点的FAQ清单，采用清晰易懂的对话式设计 基础入门问题 问：什么是草根戏剧培训？ 答：指基础性、易获取且通常在本土开展的表演训练。主要包括学校戏剧社、社区戏剧工坊和平价表演课程，而非精英化的昂贵戏剧院校。 问：《卫报》关于艾美奖与此类培训的核心观点是什么？ 答：其观点是许多艾美奖得主起步于草根环境，认为这种基础培养对开发原始天赋至关重要，应受到保护与资金支持。 问：这对年轻追梦演员为何重要？ 答：它以低压力、低成本的方式让人发掘表演热情，建立自信，学习核心技能，无需承担巨大经济负担。 问：顶尖戏剧学院不是更好吗？ 答：顶尖院校固然优秀，但竞争激烈且费用高昂。草根培训是重要的启蒙阶梯和输送系统，让不同背景的人才都能尝试表演并探索兴趣。 价值与意义 问：草根培训对年轻人有哪些关键益处？ 答： 通过表演与团队合作建立自信 教授声音投射、台词记忆与协作等核心技能 让表演艺术面向大众而非仅限于负担得起的人群 提供低压力试错空间与学习环境 问：这与艾美奖等荣誉有何关联？ 答：它构建了多元化、深层次的人才库。当更多人获得培训机会，业界就能发掘更独特真实的声音，往往催生获奖表演。 问：此类培训真能通向职业成功吗？ 答：当然。众多著名演员坦言始于社区剧院、青年剧团或校园演出。这里不仅是他们点燃表演热情的地方，更是走向专业前打磨技艺的摇篮。 挑战与困境 问：草根戏剧培训面临的最大威胁是什么？
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我的文化觉醒发生在乔治·迈克尔《信念》这首歌给予我勇气参加首次性爱派对之时。

年轻时，每当思考自己的性取向，羞耻感总是如影随形。我开始自我怀疑：我是否真的被男性吸引？抑或只是在寻求刺激？当我小心翼翼地向前任女友们提及酷儿话题时，她们多次明确表示双性恋在男性身上毫无魅力。羞耻感层层堆积，但隐秘的幻想从未停止——不仅是关于男性，更关乎权力动态的探索、多元伴侣关系，以及被真正看见的渴望。 我认为父亲对此有所影响。到我青春期时，他已变成酗酒成性、操纵他人且时有暴力倾向的人。我开始将成瘾、愤怒与放纵与他联系起来。自身对性探索的渴望，仿佛正是那种我曾目睹摧毁人生的鲁莽男性欲望的开端。于是我选择将一切压抑心底。 这是个错误。我变得孤立自我，对其他男性充满戒备。直到几年前23岁时，我从英格兰小镇搬到伦敦，在那里接触到酷儿群体，目睹亲密与爱可以拥有如此多样的形态。但这样的可能性于我而言仍显得遥不可及。直到我听见乔治·迈克尔的《Faith》。 2016年他去世后，那些关于他默默行善的故事让我开始关注他的音乐。除了《Careless Whisper》和威猛乐队几首热门曲外，我对他知之甚少，于是决定完整聆听他的首张个人专辑。 这张定义时代的专辑令无数人共鸣，但初听时我却感觉它是为我而作。开篇三曲《Faith》《Father Figure》《I Want Your Sex》赞颂性是游戏、联结与理解的源泉，即便在痛苦迷茫中亦然。我深深沉醉。 当《One More Try》唱起"老师啊，有些事我不愿学会"，我瞬间忆起与男性的初遇——匿名、短暂，随后便是负罪感与对自我性向的仓皇逃避。聆听中我幡然悔悟：羞耻感竟剥夺了我从这些经历中学习成长的机会。 常被忽视的《Look at Your Hands》如当头棒喝。迈克尔在歌中告诫人们勿安于压抑与庸常生活。"打赌你，打赌你，打赌你不喜欢自己的人生"，他戏谑道。难道我要走向这样的未来——回首二十岁时，只剩错失性探索机遇的荒原？ 专辑终曲时，恍如大梦初醒。它让我看清：我无需为任何事羞愧，我的欲望不该被压抑。我开始更开放地与女友探讨性探索意愿。她全然接纳真实的我，不久我们便报名参加酷儿性派对。初时我忐忑不安——会被视作冒牌货吗？但几乎立即就与其他酷儿者畅谈起来，他们瞬间接纳了我。被同样战胜羞耻感的同路人环绕，感受着前所未有的解放。 如今，性取向已成为我身份的重要部分。性关乎自我接纳、探索与联结。虽已天人永隔，我永远感谢乔治·迈克尔帮助我的性意识挣脱羞耻的枷锁。 是否有文化瞬间曾激发您的人生巨变？欢迎来信至cultural.awakening@theguardian.com 常见问题解答 基础篇 问：何为文化觉醒？ 答：指彻底改变认知视角、开启新思维范式，让人与更广阔社群或生活方式产生深度联结的决定性时刻。 问：歌曲如何赋予人信心？ 答：音乐具有非凡赋能作用。歌词、节奏或歌曲态度引发共鸣，让人被理解、变勇敢，在欲望中不再孤独。 问：什么是性派对？ 答：成人基于共识探索性行为的社会聚会，形式可从开放交谈、调情到性活动，所有行为均遵循既定规则。 进阶篇 问：为何《Faith》常与性解放关联？...
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《神曲》乐队在《周末一点趣》中透露：“我们请来了一位高挑模特参与视频拍摄。为了与她身高相配，我只能站在箱子上。”

尼尔·汉农（Neil Hannon），唱作人 在制作了两张带有室内乐风格的专辑后，我开始思考"下一步该做什么？"我注意到Suede、Saint Etienne等乐队，Blur也开始汲取六七十年代的音乐养分。我能感受到潮流所向。这听起来或许有些刻意，但我始终钟情于约翰·巴里、奇想乐队、亚当·费斯，当然还有斯科特·沃克这样的音乐人。 我构思出一段充满欧洲风情的和弦进行——不同于典型摇滚乐，更近似宠物店男孩的风格。观看1995年版《冷杉农庄》时，剧中祖母反复念叨的"木棚里有东西"恰好契合我正在创作的旋律。这句台词催生了歌曲中女子与企图引诱者之间的对话。自然，那个男人罪有应得——这就是我的思维逻辑。他走进木棚，女子的打手们对他拳脚相加并实施抢劫。这一切都是设好的局。 我重新采用了钟爱的疾驰式军鼓节奏，这种节奏在上张专辑的末曲中效果出众。这个灵感源自一部关于60年代欧洲电视歌唱大赛的纪录片，其中包含法国盖尔为卢森堡演唱《Poupée de Cire, Poupée de Son》的片段。当时我惊叹："这简直是无与伦比的天籁！"在那个寻觅歌曲不易的年代，我只能依靠记忆进行创作。录音师达伦·艾利森负责鼓部演奏，而我需要在此基础上精密叠加所有其他音轨。 某间录音室的哈蒙德电风琴成为了《Weekend》的动力核心。当我提出需要在曲首加入轻笑时，Setanta唱片公司的一位年轻同事表示："我让我妹妹带个朋友来"。将她们请进录音棚后，她们发出了紧张的笑声。我特瑞-托马斯式的嗓音是单独录制的。如今现场演出时我会跳过这段——年过半百的我现在再做这个只会显得诡异。 此前神圣喜剧乐队的单曲从未有过制作预算，但Setanta的负责人基思·卡伦明白不推广这首歌将是愚蠢的。我们在威尼斯拍摄了音乐录影带。那是我第一次品尝提拉米苏，当时的震撼让我感叹："这才是真正的生活！"制片方聘请了一位高挑的意大利模特与我搭档，但她比我高出整整一英尺。在船上拍摄双人镜头时，我只能站在木箱上完成拍摄。 克里斯·埃文斯在Radio 1早间节目中提到，他在朋友家被一首"神圣什么来着"乐队的歌曲彻底征服。我们的宣传人员在淋浴时听到广播，冲破交通混乱将唱片送至直播间，在节目结束前十分钟送达。克里斯连续播放了两次这首歌。 我在巴黎乘坐出租车进行宣传时，突然得知歌曲跃居英国排行榜第14位。那或许是我人生中最激动的时刻。当时超级毛茸茸动物乐队也发行了同名歌曲的专辑，两周后他们推出单曲时不得不将曲名改为《Something 4 the Weekend》。后来主唱格鲁夫·瑞斯还送给我一张在慈善商店淘到的罗宾·萨斯特特黑胶唱片，证明这个标题早在几十年前就已被他人使用。 乔比·塔尔伯特，编曲家 我的大提琴手朋友曾与尼尔合作，尼尔向他打听是否认识会演奏双簧管和钢琴的人。记得初次见面时我暗想："哇，他还画眼线！真摇滚。"后来才知道那其实是法国记者殴打造成的双黑眼圈。 为《Casanova》专辑制作时，尼尔用四轨录音机录制小样。我会带着谱纸去他暂住的任何狭小住所，将每个声部编成曲谱，然后进棚录制。我们辗转多个录音室，每次只能争取到两三天时间，总是苦苦哀求延长录制——这简直是荒谬的唱片制作方式。我的工作是将尼尔的demo进行编曲并加以润色。虽然负责指挥弦乐部，但我的贡献更侧重于精神层面而非演奏——不过众人围聚麦克风录制每段主歌前的"Aaaaah-whooooo!"和声时，我也是其中一员。 当时我正在吉尔德霍尔音乐学院攻读作曲专业，专辑中的许多乐手都是那里的同窗——巡演乐队是后来才组建的。我邀请罗宾·史密斯演奏第一段主歌的小号序曲，他反复录制直到嘴唇发紫。最后他表示："我已经录了好几个小时，真的尽力了。"这时耳机里传来尼尔的声音："如果能飙到那个高音，再加20英镑。"这句话仿佛给他注入了动力。这大概算是激励铜管乐手的教学案例吧。 我们在法国外省的中型场馆巡演时，突然接到当周TFI Friday节目的演出邀请。不得不推迟三场演出，疾驰返回伦敦，匆忙淋浴后赶赴彩排——同时还要在最后一刻找到小号手、弦乐手和管钟演奏者。 记得演出前两位唱片公司女职员将尼拉到角落严肃训话："千万别搞砸"。他的脸色比平日更加苍白。我们只彩排了一次就直接登上全国直播的电视舞台。这次演出改变了一切。此前我们在英国无人问津，但此后不仅顺利重启巡演，还开始收到各大音乐节的邀约。 神圣喜剧乐队专辑《Rainy Sunday Afternoon》将于9月19日发行。巡演日程为9月17日至10月25日。乔比·塔尔伯特配乐的皇家芭蕾舞团作品《Like Water...