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"在战区演出并非人人皆宜":英国乐队不顾无人机袭击与肺炎坚持巡演乌克兰。

十月底,在乌克兰东部顿涅茨克前线仅十公里处,一辆改装救护车里的乘客彻底迷了路。虽然掏出手机查看地图似乎是显而易见的解决办法,但在这里却是非常糟糕的主意:俄罗斯无人机正在头顶盘旋,搜寻任何信号。 车内是一个混合团体:一位81岁的爱尔兰音乐界资深人士;一位72岁的得克萨斯州摇滚乐手;一位澳大利亚键盘手;一位乌克兰萨克斯手;以及三位来自坎布里亚郡卡莱尔的二十多岁音乐家。他们正前往一个军事基地为乌克兰军队演出。 爱尔兰人戴夫·罗宾逊将这次巡演的混乱性质比作1968年他管理吉米·亨德里克斯时的情景。活泼的得克萨斯人乔·“国王”·卡拉斯科则将其比作“在尼加拉瓜为与反政府武装作战的桑地诺民族解放阵线演出”。然而,对于团队中年轻且经验不足的成员来说,从卡莱尔和墨尔本到这片荒凉寒冷的无人区,路途实在遥远。 “我们更多的是兴奋,”哈德威克马戏团的主唱兼吉他手乔尼·福斯特回忆道——他现在已安全回到卡莱尔的家中。在与罗宾逊和卡拉斯科视频通话时,他描述了穿越这些现实版“地狱公路”的感受。“我们只是想为支持乌克兰的战争努力尽一份力,并认为当地人可能会喜欢听现场摇滚乐队的演奏。” 哈德威克马戏团于今年六月在饱受战争蹂躏的乌克兰进行了巡演,是唯一这样做的英国音乐家。这次经历让他们决心重返乌克兰,促成了十月底至十一月初的行程。乐队进行这些巡演并非为了赚钱——所有收益都捐给了乌克兰当地慈善机构——也不是为了宣传噱头。“我们曾经在英国监狱巡演,”福斯特说,“出于同样的原因:我们相信音乐既是娱乐也是艺术,每个人都应该有机会接触它。” 青少年兄弟乔尼和汤姆·福斯特于2015年组建了哈德威克马戏团,此后自行发行了三张专辑,外加一张在乌克兰现场录制的LP《领先追兵一小时》。他们的经典摇滚风格可能并不时髦——他们萨克斯伴奏的叙事歌曲让人想起瘦李奇乐队或1970年代中期的布鲁斯·斯普林斯汀——但稳定的巡演为他们赢得了忠实的追随者。保罗·麦卡特尼曾要求将他们加入2022年格拉斯顿伯里音乐节的阵容(他们在当年的音乐节上在“兔子洞”舞台压轴演出,观众反响热烈),鲍勃·迪伦也将他们列入2019年海德公园音乐会的演出名单。 福斯特兄弟在今年早些时候在捷克共和国演出后,萌生了去乌克兰巡演的想法。“我们太天真了,”乔尼承认,“以为乌克兰就在捷克边境附近,开车很快就能到——实际上要穿越波兰1000公里!回到卡莱尔后,我们联系了坎布里亚郡画家德里克·埃兰,他为支持乌克兰做了很多事。他为我们联系了乌克兰的女子摇滚三重奏Okazia,我们询问了能否一起演出。她们很喜欢这个想法,这成了我们有史以来安排最快的巡演!” 值得注意的是,英国外交部并未警告乐队不要进行这次旅行。“我们一直在等有人大喊‘别去!’”罗宾逊说,“但没人这么做。人们觉得我们疯得像一箱蛇,”他笑道,“也许我们确实如此。” 尽管如此,他们还是遇到了一个障碍:哈德威克马戏团中非福斯特家族的成员拒绝去乌克兰巡演。“我们乐队有四个人害怕了,”福斯特说,“而且他们的妈妈禁止他们去。” “这可以理解,”罗宾逊补充道。 “是的,”福斯特同意。“问‘你想不想去战区免费演出?’对大多数人来说并没有吸引力。我知道我们无法结束战争,但看到人们跟着唱歌,紧张从他们脸上消散,这一切就值得了。” 于是,兄弟俩联系了前成员比尔·怀尔德和澳大利亚键盘手康纳·莫里西——两人都常驻伦敦——他们加入了乐队。一同加入的还有吉他手卡拉斯科,这位得克萨斯-墨西哥音乐家一生致力于在世界各地摇滚。“我十几岁就开始在乐队演奏,”他回忆道,“从那时起,我到处演出——遍及拉丁美洲、博茨瓦纳、津巴布韦、印度、柬埔寨、摩洛哥。” 与卡拉斯科的联系是通过乐队的经理戴夫·罗宾逊建立的,他是音乐界的资深人士,最著名的是共同创立并管理了Stiff唱片公司。这家伦敦独立厂牌推出了埃尔维斯·科斯特洛、伊恩·杜里、柯斯蒂·麦科尔、波格斯乐队和疯狂乐队等艺术家(罗宾逊在他们在他婚礼上演出后签下了疯狂乐队,并后来为他们执导了开创性的音乐视频)。 Stiff发行了乔·“国王”·卡拉斯科1980年的同名专辑,但并未取得与该厂牌其他艺术家相同的成功。“乔一直是个出色的表演者和纯粹的摇滚乐手,”罗宾逊说。“1980年的英国还没准备好接受他,但这并没有让他气馁。” 卡拉斯科在美国确实取得了一些成功:与MCA签约后,他的音乐视频在当时刚刚起步的MTV上播放,迈克尔·杰克逊在他1982年的专辑《突触间隙(全宇宙)》中演唱了和声。“我们当时在好莱坞同一个录音棚录制。迈克尔是个好人,麦克风技巧令人难以置信,”卡拉斯科说。“他有一辆白色劳斯莱斯,总有一群少女围着他的车转。迈克尔似乎对此感到困惑。” 卡拉斯科与名声的擦肩而过是短暂的,这促使他继续在酒吧演出,并在大多数乐队从未涉足的地方巡演。罗宾逊邀请他于2022年加入他年轻的乐队进行英国巡演。“很棒的乐队,出于所有正确的原因在做音乐,”卡拉斯科这样评价哈德威克马戏团。 “当乔听说我们计划去乌克兰巡演时,他说‘算我一个’,”福斯特说。“他真的很致力于为人民歌唱。” “而且我致力于帮助狗狗,”卡拉斯科补充道。在六月了解到乌克兰有多少被遗弃的狗后,他筹集资金为动物收容所购买了大量的宠物食品。“我们把宠物食品送到了距离前线仅三公里的一个狗狗收容所,”他说。“在那里,我们能感受到斗争的激烈——这场冲突是善与恶之间的战争——俄罗斯人和朝鲜人就在很近的地方。” 乐队六月的乌克兰巡演,包括从西部的利沃夫到东北部的哈尔科夫的八场演出,三人都认为,这是一次肯定生命的经历。“我们知道我们无法结束战争,”罗宾逊说,“但看到人们微笑、跟着唱歌,紧张从他们脸上消散,这一切就值得了。我们最受欢迎的歌曲原本是关于泰森·富里的,但为了这次巡演,我们把它改成了关于奥列克桑德尔·乌西克。” 在医院和学校举行的下午原声音乐会为巡演增添了另一层意义。“我们想给经历这么多苦难的人们带来一些轻松的慰藉,”福斯特说。“一天下午,我们在一个截肢者医院演出,那里有一个士兵躺在担架上,他最近左腿被截肢了——鲜血正从绷带中渗出。他跟着我们一起唱歌并鼓掌。那场面令人无比感动。” 在另一个场地,一个学校工作坊,他们遇到了一个自闭症少女,她因长期生活在俄罗斯占领下而受到创伤。“我们演奏音乐时,她反应很强烈。以至于我们邀请她与我们同唱。她的老师后来说,我们的表演帮助她开始走出自己的壳。” 六月巡演对哈德威克马戏团的影响是深远的。他们决心再做一次。“我们考虑过等到冬天结束,”罗宾逊说,“但转念一想:不,我们现在就表达我们的支持。于是我们就出发了。” 这一次,巡演需要大量准备工作。在卡莱尔几家企业和一般筹款活动的支持下,他们购买了两辆紧急疏散车辆捐赠给乌克兰军方。离开卡莱尔后,乐队花了五天时间驾驶这些SUV和一辆乐队面包车——“乔尼花很少的钱买了一辆破旧不堪的车,”罗宾逊指出——前往利沃夫,那里迎接他们的是东部冬季临近的迹象。“天气变得非常寒冷,下着大雨,俄罗斯人在冬季真正来临前正进行最猛烈的攻击,”他说。 一次早期事件几乎结束了巡演——以及他们的生命。“我在一个非常潮湿的夜晚开车下山路,”罗宾逊回忆道,“面包车的转向失灵了。我不得不迅速做出决定,于是我把车开上了一条森林道路。当我们下车时,看到我们正处在200米悬崖的边缘。如果我们掉下去,我们就会在摇滚天堂与巴迪·霍利会合了。” 由于乐队的车现在不安全,无法驾驶,英国公民阿德里安·辛普森伸出了援手,他的组织“乌克兰援助使命”提供了建议和支持。“阿德里安借给我们一辆翻新的救护车,”罗宾逊说。“当我们前往顿涅茨克时,他建议我们去掉红十字标志,因为俄罗斯无人机会以救护车为目标——普京的所作所为真他妈不道德。所以我拿出小刀把它们刮掉了。” 哈德威克马戏团本可以将SUV留在利沃夫让人来取,但他们决心将车辆送到前线附近的军事基地,并为士兵们歌唱。“我们想表达我们对那些正在战斗的人们的声援,”福斯特说。“当我们把一辆车交给第81旅时,那是一个‘无言以对’的时刻。我们花了几个月筹款,现在我们把车交给了需要它的人。他们在我们的英国国旗上签名,我们在他们的旅旗上签名——一切都非常感人。” 当罗宾逊不久后患上肺炎时,乘坐救护车被证明很方便。“我在医院醒来时不知道自己在哪儿,”他说,“他们在那里留了我一个星期。我吃过的最糟糕的食物——但他们治好了我。”经过八天的休养,他前往波兰的克拉科夫,然后回家。 与此同时,乐队的贝斯手怀尔德患上了严重的流感,以至于四肢失去知觉,被送上长途汽车前往波兰。不久后,乐队的乌克兰萨克斯手普塔什卡·赫罗姆琴科因支气管炎需要住院治疗。福斯特兄弟和键盘手莫里西也患上了流感,这意味着只有巡演经验丰富的卡拉斯科安然无恙。 “天气严寒,而且我们在医院演出,所以我们感染了病毒,”福斯特说。“我们坚持了下来——当你身处一个遭受攻击的国家时,你不会抱怨身体不适。” 在捷尔诺波尔、切尔卡瑟、第聂伯罗、波尔塔瓦和基辅举行的音乐会通常在地下场地进行,并且必须在午夜宵禁前结束。观众大多是女性,因为大多数男性都在前线。...
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我们2026年的聆听目标:评论家们将探索他们从未欣赏过的音乐,从电台司令到肯德里克·拉马尔。

我曾以为琼尼·米歇尔是需要后天培养才能欣赏的歌手。1997年,我在珍妮·杰克逊的《Got 'Til It's Gone》副歌中初次听到她的声音采样,歌曲信息栏让我知道了采样来源——此前我一直误以为《Big Yellow Taxi》原唱是艾米·格兰特。第二次接触她的作品是特拉维斯乐队翻唱的那首绝美B面曲《River》。 米歇尔对我而言似乎总是过于"成人化",或是太民谣、太爵士。就像另一位我始终无法共鸣的传奇人物鲍勃·迪伦,我曾认定她的嗓音是需要学习品味的类型。童年家中常回荡着迈克尔·杰克逊、TLC乐队和肉块乐队的歌声,青春期时我则倾向艾拉妮丝·莫莉塞特这类抒写青春焦虑的唱作人。 我将这段略显尴尬的往事分享给《漫游:琼尼·米歇尔之路》的作者安·鲍尔斯,她的书中记载着相似的故事。"随时间推移,我逐渐意识到琼尼的伟大天赋在于捕捉人们沉思时的纷乱心绪,以及试图建立联结时的交流状态,"她提及米歇尔的经典专辑《蓝色》与《逃亡》时说道。她补充说,我提到的珍妮·杰克逊让她想起王子——这位音乐巨匠最爱的米歇尔专辑正是1975年那张初时被误解的实验瑰宝《夏日草坪的嘶嘶声》。"这是她最具氛围感的专辑,也是她充分运用社会批判天赋的作品,"安如此评价。 她说得对——这张专辑充满氤氲气息,在家循环数遍后,它完美契合了清冽冬日的漫步时光。我最初钟爱的是前卫流行曲《丛林线》,它运用早期采样技术营造出令人沉醉的扭曲鼓点与合成器打击乐漩涡。歌词层面,这首歌以半吟唱方式(我在劳拉·马林的作品中听过类似风格)呈现现代都市生活与音乐产业政治的抽象拼贴。在描绘家庭紧张的《哈里的房子》中,我听见金·戈登式的疏离音调;而合成器主导的《影与光》则让我想起《紫雨》时期的王子。 必须承认,专辑中段的爵士风曲目《伊迪丝与赌场大佬》及管弦乐柔板《征服斯嘉丽的阴影》并未完全吸引我。回家后我尝试更情感直白的《蓝色》,它瞬间与暮色融为一体。当《河》的原始情感冲击而来时,我几乎将泪水滴入百利甜酒。正如Q-Tip在《Got 'Til It's Gone》中所说:"琼尼·米歇尔从不撒谎。" --- 肯德里克·拉马尔的高亢嗓音曾让我不适。今年早些时候,当我给德雷克的三场Wireless音乐节演出写下不温不火的乐评后,他的粉丝反复指责我是肯德里克支持者,试图煽动两位说唱歌手的争端。这实在荒谬:我从DatPiff下载混音带时就是德雷克乐迷,而始终无法忍受拉马尔的音乐。原因很简单:他的嗓音。我觉得那声音异常鼻音化且刺耳,常触发我的恐音症——对特定声音耐受度较低。 但近来我开始反思,是否需要重新审视与拉马尔的关系,超越对他高音调的本能排斥。我欣赏广泛的黑人音乐,又怎能断然拒绝聆听这位被誉为嘻哈传奇、凭借清醒歌词与内城生活描绘获得普利策奖的艺术家?他的超级碗中场表演令我震撼,尤其是无懈可击的气息控制、巧妙的舞台设计与社会批判。 我求助挚友德里安——这位在嘻哈博客鼎盛时期通过K.Dot身份发现拉马尔的超级乐迷,他理解拉马尔并非适合所有人。"我被他吸引是因为其歌词的层次感,"他说,"它们像待解的谜题,所以我总开着Genius歌词网边听边解读。"对德里安而言还有个人共鸣:"我深深共情他的故事,特别是《好孩子,疯人城》,仅专辑名就道出了在帮派文化包围中建立道德准则的挣扎。" 那么我该从何处开始践行决心?德里安推荐了冷门曲目,发来涵盖广泛的歌单。我从《黑男孩飞翔》入手,它立刻唤起我在内城成长、渴望逃离环境的情感记忆——尤其是"唯有通过体育或说唱才能成功"的观念:"投篮命中或像排行榜前40那样活在音响里"。接着是首专《第80区》中的《多动症》,精准捕捉了过度刺激与混乱环境中成长的麻木感。 但真正情感上触动我的是12分钟的《歌唱我吧,我渴欲而死》。出乎意料,我发现拉马尔变换的演唱方式充满电影感与探索性而非刺耳,为这首部分以遇害朋友视角叙述的歌曲增添了真实的复杂性。德里安告诉我,就连 notorious 的拉马尔批评者兼视频博主听时也落泪了。我理解了,仿佛正走在通往皈依的精神之路上。 --- 2012年在伦敦皇家节日音乐厅,我初次邂逅迪亚曼达·加拉丝无法归类的音乐——那场令我落泪的演出并未让我更理解她在20世纪前卫艺术家中的地位。至少我以正确方式入门:音乐网站"寂静"联合创始人、加拉丝信徒卢克·特纳认为,亲身体验她多层次的女中音是最佳途径。"现场听她演唱时我泪流满面,时间感变得诡异,"他说。 为何那场演出后我没再接触加拉丝?理论上她具备我喜爱的特质:怪异、威严、魅惑、政治激进——加上惊人的嗓音,将歌剧与中东调式音阶、黑金属强度相融合。但我承认并不真正理解歌剧或美声唱法。我的大脑习惯重复性旋律,而加拉丝的音乐要求我静坐凝听。 "她是需要专注的艺术家——绝非背景音乐,"卢克建议。21世纪初他曾采访加拉丝,为此沉浸在她的唱片中度过周末。"可惜当时我正在与妻子分居,空荡的公寓里经历着精神洗礼。但这很有效。" 我尝试聚焦吸引我的元素:蓝调、哥特、朋克、自由爵士与实验创作的音符。在她五十年的职业生涯中,她曾与齐柏林飞艇的约翰·保罗·琼斯合作《运动人生》(作为铁杆齐柏林黑,我温和拒绝),也与突破性作曲家伊阿尼斯·泽纳基斯合作《气息》——这首为女中音、圆号、长号与大提琴创作的抽象作品(戴上《Wire》读者身份的我热烈欢迎)。 卢克指引我走向工业风格的加拉丝——特别是1986年艾滋病危机三部曲中的《神圣惩罚》,当时这种疾病仍被严重污名化且认知不足。"我认为她发现哥特场景极度恐同,"他指出。正是如此:稀疏、萦绕、有力。诡异、怪诞、对抗性且创作超前——如同现实恐怖电影的原声。最后他推荐她2008年翻唱的阿巴拉契亚民谣《死亡啊》,她震彻地板的花腔仿佛召唤着古老而恐怖的存在,像罗莎莉亚呼唤克苏鲁。还能要求更多吗?——查尔·雷文斯 --- "谁有精力听完尼尔·杨的60张专辑?" 在我心中,尼尔·杨始终与鲍勃·迪伦、尼克·德雷克、莱昂纳德·科恩同属模糊范畴,仅凭"过时、苦闷、无聊"的臆想印象相连。但每当我直言此观点,总有人急切为其中一位辩护,且几乎总是尼尔·杨。我与他的音乐接触愉快但有限——通过前男友听过《在海滩》,通过《美食祈祷恋爱》知晓《收获月》——从未真正信服那些盛赞。为何不曾深入探索?我固然固执,但也因杨的唱片体系过于庞大:包括乐队与支线项目超60张专辑。谁有这等时间?...
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2025年度十大专辑

10. 萨拉西·科瓦尔——《美本存在》 四十分钟不间断的重复鼓点或许并非最易入耳的音乐形式,但打击乐手兼制作人萨拉西·科瓦尔的最新专辑《美本存在》将这种持续不断的节奏转化为一种奇特的魅力。科瓦尔带领三位鼓手,在专辑的十个乐章中构建出丰富的打击乐语言,借鉴了史蒂夫·赖克的相位技巧和印度古典乐句,并以持续不断的低沉副歌为基调。随着专辑展开,这种重复呈现出一种催眠般的仪式感,让听众在聆听中逐渐深入科瓦尔的节奏世界。 9. 雅斯敏·哈姆丹——《我记得我遗忘》 时隔八年,黎巴嫩唱作人雅斯敏·哈姆丹携一系列感人至深的歌曲回归,拓展了她自上世纪90年代以来在该地区独立音乐界备受推崇的阿拉伯语、雷鬼风格音乐。哈姆丹的嗓音沉静而富有反思性,在《Hon》的弦乐拨奏和《Vows》的低沉神游舞曲节奏中编织出温柔的旋律。在《Shadia》和《Abyss》等更轻快的曲目中,她在北非风格的合成器旋律和跳跃的电子打击乐上运用了摇曳而渴望的颤音。制作简约而含蓄,但这种极简风格为哈姆丹情感充沛的创作提供了完美的背景。漫长的等待完全值得。 8. 黛比特——《减速》 墨西哥制作人黛比特擅长以诡异的方式重新演绎历史声音。在2022年的《长计》中,她使用玛雅长笛的采样为这些古老乐器创造了一种全新的电子过滤语言。在她的最新作品《减速》中,她转向90年代的“减速昆比亚”风格——一种受雷鬼影响的慢速拉丁美洲舞曲变体。黛比特进一步放慢了这种声音,通过层层泥泞和静电处理其标志性的合成器和切分节奏,创造出一种新的、令人不安的律动。时而氛围化,时而令人不安,黛比特将昆比亚的欢快舞曲声转化为一种萦绕不去的回声。 7. DJ K——《解放电台!》 极致主义是圣保罗制作人凯克·维埃拉(艺名DJ K)的标志性特点。维埃拉将自己的风格称为“巫术”,在巴西悠久的放克舞曲风格上叠加了警报声、爆炸性的低音音调和嘶吼的人声,捕捉了贫民窟街头派对的能量。在他的第二张专辑《解放电台!》中,维埃拉进一步提升了强度,将科技舞曲的底鼓甚至伊斯兰祈祷召唤声都融入他的“巫术”混音中。结果是一场狂躁、震耳欲聋的四十分钟体验。若你屈服于这种噪音,维埃拉的大胆制作会奇异地带来解放感。 6. 莫欣德·考尔·布拉——《旁遮普迪斯科》 锡克教 devotional 歌手莫欣德·考尔·布拉1982年发行的迪斯科音乐与旁遮普民谣旋律专辑是一张重新发现的宝藏。由她的儿子、音乐制作人库尔吉特录制,《旁遮普迪斯科》的十首曲目独特地融合了金属质感的合成器、鼓机与她印度古典式的装饰音唱法。电子打击乐模仿了塔布拉鼓的起伏音调,合成器旋律在《Pyar Mainu Kar》等曲目中复现了风琴的传统音色。巴萨诺瓦节奏在《Soniya Mukh Tera》中凸显,而《Nainan Da Pyar De Gaya》则采用了快节奏的迪斯科贝斯线。这种舞曲融合比亚洲地下音乐爆发早了十多年。 **恩吉——《声景》** 蒙古歌手恩吉的第四张专辑《声景》在她受爵士影响的风格基础上轻柔拓展,创作出迄今为止最宏大的作品。超越了她传统的蒙古“长调”训练,专辑的11首曲目范围广泛,从慢节奏《Ulbar》中诺拉·琼斯式的柔和旋律,到《Unadag Dugui》中的德语口语和蜿蜒吉他线条,甚至包括对80年代蒙古流行热曲《Eejiinhee...
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"我再也受不了再听一遍玛丽亚·凯莉的歌了!" 职业圣诞老人们分享他们最爱和最不爱的圣诞歌曲。

一只豚鼠跳进了我的胡子。我父亲曾扮演过圣诞老人,我妻子也鼓励我尝试。这是我做过最棒的事。我去学校、大学、超市和圣诞亮灯仪式。圣诞老人一出现,所有人都会融化。一个小女孩带了她的豚鼠,它从她手里一跃跳进了我的圣诞老人胡子里。父母们笑得前仰后合,我们则忙着把它弄出来。我最喜欢的圣诞歌曲是Eartha Kitt慵懒版本的《圣诞宝贝》,因为它能让所有大人都有心情和圣诞老人共舞;还有《红鼻子驯鹿鲁道夫》,因为歌词纯粹美好。没有圣诞歌会让我抓狂。这可是圣诞节——每首歌都很棒。 ——保罗·费西 "斯派克·琼斯的歌太俗气了!"我知道自己外形挺像。我穿着绿色圣诞老人装——早在可口可乐将圣诞老人改成红白配色以匹配品牌形象之前,绿色才是传统。但即使我只戴一顶圣诞帽,人们也会冲我喊:"嘿,圣诞老人!"有人说我更像一个胖精灵,这倒也没错。我遇到过很多趣事。有一次,我感觉胡子被扯了一下,低头一看,一个两岁孩子正吊在上面晃荡。我志愿为家暴慈善机构IDAS扮演圣诞老人,向遭受家庭暴力的儿童分发捐赠礼物。我最喜欢的歌很明显:《他们知道现在是圣诞节吗?》因为"乐队援助"用这首歌唤起人们对全球不平等的关注。让我受不了的歌是斯派克·琼斯1948年的热门曲《我想要的圣诞礼物是我的两颗门牙》。实在太俗气了,真烦人! ——阿诺德·瓦内肯,又名绿色圣诞老人 "我宁愿听一首车库摇滚圣诞歌。"我曾在一所特殊教育需求学校教书,他们请我扮演圣诞老人。我不确定孩子们会如何看待一位黑人圣诞老人,所以我虚构了一个搞笑角色——拉斯塔圣诞老人。家长们很喜欢——他们的孩子常被视为"与众不同",所以拥有一位"与众不同"的圣诞老人正合适。有个孩子曾说:"你不是真正的圣诞老人。"我告诉他我是圣诞老人的表亲,为他工作。他相信我们有亲戚关系,因为我们都有白胡子——他根本没注意肤色。我喜爱孩子们的思维方式。我最喜欢的节日歌曲是《外面很冷,宝贝》《冬季仙境》和《当孩子诞生时》。它们都没提圣诞节,却充满了圣诞气息。我宁愿听点不一样的,而不是第一千次听玛丽亚·凯莉——也许是一首车库摇滚圣诞歌,或朋克版的《平安夜》。 ——克利夫·弗雷克尔顿,又名拉斯塔圣诞老人 "我不喜欢《圣诞老人卡在烟囱里》——原因显而易见!"对我来说,圣诞老人就是圣诞精神的化身。家庭——尤其是有孩子的家庭——会心生敬畏,你能感受到魔力。穿着戏服、戴假发和胡子非常热。头一个小时你会很难受,之后身体就适应了。穿戏服上厕所总是一大挑战。孩子们总想告诉你他们想要的圣诞礼物,有些请求很有趣。一个四岁女孩告诉我她想要一头驯鹿。我最喜欢的歌是凯莉·克莱森的《在树下》,因为我们在圣诞老人表演中为它编了舞蹈,所有家庭都加入了。我受不了的是《圣诞老人卡在烟囱里》——原因显而易见,但我常开玩笑说:"那只发生过一次!" ——约瑟夫·里奇利 "《圣诞包装》让我抓狂——虽然它旋律超级洗脑。"我曾是科学老师,有一天女儿说:"爸爸,你的胡子变白了,可以扮演圣诞老人了。"一穿上戏服,我就感到内心温暖柔软。如果孩子问:"胡子是真的吗?"我会扯一下说:"我觉得是真的。"节礼日我必须修剪胡子,否则摆脱不了圣诞老人形象。信不信由你,我最喜欢的歌是《铃儿响叮当》,因为它像圣诞老人一样欢乐又充满圣诞气息。让我抓狂的是那些听腻的歌,比如Slade乐队诺迪·霍尔德吼的"圣~~~~诞~~~~节~~~~来~~~~啦!"Waitresses乐队的《圣诞包装》也让我崩溃——唱功实在不敢恭维,不过我得承认那段旋律确实洗脑。 我最喜欢的圣诞歌是乔纳·卢伊的《停止骑兵》,因为它节奏轻快,中间有美妙的铜管乐段,而且真诚呼吁停止所有战争。我不喜欢纳特·金·科尔的《圣诞老人遗忘的小男孩》,因为它太悲伤了——男孩没有父母,所以圣诞节什么也得不到。扮演圣诞老人有时令人心碎。曾有孩子对我说:"我只收到一份礼物,但我朋友有30份。这是不是说明我很淘气?"但这几乎像一种使命。我曾去医院探望一个遭遇严重事故的小男孩。当我们开始交谈时,整个房间安静下来,人们开始哭泣。后来,他的父母几乎像橄榄球擒抱般抓住我说:"这是他六个月来第一次开口说话。"这就是圣诞老人的力量。 我留着胡子,戴着吊带裤。有一天我在商店里,有人喊:"嘿,圣诞老人!"几天后,两个骑自行车的人也这么喊。我想,这一定有什么缘由。于是我成了圣诞老人。我肯定演得很像,因为一位祖父曾走过来说:"谢谢你在我12岁时送我的吉他。"我热爱《神秘博士》,并且坚信圣诞老人是一位时间领主:拥有多张面孔,能同时在不同地方穿梭。我是古典乐迷,所以特别偏爱普罗科菲耶夫的《雪橇之旅》。它是BBC二台开播时的测试音乐之一,我过去常爱听它。任何圣诞歌听太多都会让人抓狂。小时候,我觉得唐尼·奥斯蒙的圣诞歌特别折磨人,但为了对圣诞的爱,你只能微笑忍受。 **常见问题解答** 关于职业圣诞老人的圣诞歌偏好 **新手入门 | 一般问题** 1 **"我再也受不了再听一遍玛丽亚·凯莉了"是什么意思?** 这是许多零售业员工、商场圣诞老人和服务业人员在假日季的共同心声,指玛丽亚·凯莉的热门单曲《我想要的圣诞礼物就是你》被过度播放——当连续数周每天听几十遍时,会变得重复且令人疲惫。 2 **为什么要询问职业圣诞老人对圣诞歌曲的看法?** 职业圣诞老人每年在商场、活动和派对中度过数百小时,被节日音乐包围。他们对哪些歌曲经久不衰、哪些令人烦躁、什么能真正为家庭和孩子带来欢乐,有着独特的一线视角。 3 **圣诞老人真的对歌曲有偏好吗?** 当然。就像任何长期接触特定工作背景音乐的人一样,他们会形成强烈喜好。有些歌能营造神奇氛围,有些则在漫长工作后考验他们的耐心与节日精神。 4 **圣诞老人普遍喜欢的圣诞歌有哪些?** 他们通常偏爱经典、舒缓或怀旧的曲调,能营造平静温暖的氛围。常见偏好包括: -...
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爱尔兰如何通过打破传统,打造出世界顶级的另类音乐场景。

在一个炎热的格拉斯顿伯里周六午后,当许多人还在缓解宿醉时,都柏林车库朋克乐队Sprints用他们充满力量的歌曲《笛卡尔》掀起了欢腾的摩斯舞池,爱尔兰三色旗在人群上方飘扬。随着夏日延续,在日本的富士摇滚音乐节上,戈尔韦独立乐队NewDad的新歌令观众沉醉。出生于尼日利亚、在塔拉特长大的说唱歌手Travy用都柏林口音制作混音带,此前首张登顶爱尔兰榜单的爱尔兰说唱专辑已开辟道路。Efé从都柏林卧室流行乐走向与美国厂牌Fader签约,而在《Jools Holland秀》中,George Houston用独特的多尼戈尔口音演绎了萦绕人心的《莉莉丝》——向全球政治抗议歌手致敬。 从墨尔本到墨西哥城,人群仍随着Fontaines DC乐队《Starburster》开场弦乐循环齐声呐喊,CMAT的热单《给我拍张性感照片》中病毒式传播的"觉醒版玛卡雷娜舞"席卷各大音乐节舞池和TikTok。或许你也听说过北爱尔兰说唱组合Kneecap。 爱尔兰从不缺少朋克乐队、锐舞爱好者和重要独立乐队,如小红莓、Ash或Bicep,但如今的另类音乐场景却前所未有地蓬勃多元。除了蓬勃发展的地下说唱圈,Lankum、Gilla Band、Pillow Queens、For Those I Love、John Francis Flynn和Chalk等众多音乐人备受赞誉。这场成功正在重新定义"爱尔兰音乐"的内涵,为曾游离于主流文化对话外的音乐人开启新大门。 "这是一场爱尔兰文艺复兴,"Sprints主唱兼吉他手Karla Chubb说道。这支首支签约美国独立厂牌Sub Pop的爱尔兰乐队正在英国巡演,并计划明年赴美演出。她将Fontaines DC和CMAT视为实现国际成功的"蓝图":"作为都柏林乐队,过去或许只期待在Vicar Street这样的中型场馆演出,如今我们有了更远大的目标。"她指出,音乐不再是"无薪实习"。 将当代艺术家凝聚在一起的是一种反叛精神、犀利才智与脆弱坦诚的歌词,团结与边缘化成为反复出现的主题。这些创作源自仍笼罩在北爱尔兰问题阴影下、经历凯尔特之虎经济奇迹与2008年崩盘后衰退的年轻一代。Sprints在格拉斯顿伯里演出时悬挂跨性别权利横幅,邓多克乐队the Mary Wallopers因声援巴勒斯坦在朴茨茅斯Victorious音乐节被中途切断演出。爱尔兰声援巴勒斯坦艺术家组织近期为全女性巴勒斯坦合唱团"耶路撒冷之女"筹办了爱尔兰巡演。"我们对压迫与殖民的理解是代际传承的,"都柏林五人乐队Gurriers成员Dan Hoff如是说。 Chubb解释道,Sprints九月发行的第二张专辑"灵感源自实现全职音乐梦想与爱尔兰无家可归危机、加沙战争及生活成本压力之间的强烈反差。这些是全欧洲共同面临的议题,在国际舞台上,我们正在凸显这场共同的抗争。"Hoff表示:"歌曲虽以爱尔兰为题材,但我希望它们能引发普遍共鸣。"他的乐队Gurriers在2024年发行首专《来吧看看吧》,曾为Fontaines DC暖场,并有作品入选《EA Sports FC 26》。乐队对爱尔兰及全球极右翼势力崛起深感忧虑——抗议歌曲《可亲近者》以网络右翼煽动者视角创作,《悄然离开》虽聚焦爱尔兰移民问题,但Hoff称其"如亚当·柯蒂斯纪录片般延伸至对时代精神的批判"。 "人们曾感到孤立,但观众为我们而来。我从未想过一群戈尔韦青少年组建的乐队有天能在日本主流舞台演出。"每位受访者都能列举令他们兴奋的音乐人:梦幻流行乐队兼The Cure暖场团Just Mustard、民谣团体Madra...
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科技应当增强我们的创造力,而非剥夺它。

曾几何时,创作音乐是件颇具挑战的事。记得那时需要耗费无数时间打磨技艺,寻找值得表达的内涵或独创思想,再设法捕捉能真正打动他人的旋律。但那个时代已一去不返。如今,孩童向机器输入几段文字就能换回一首朗朗上口的歌曲。到2025年,下一个流行偶像或许是机器人(尽管《星际迷航》的Data角色早在90年代就发行过专辑——人类似乎早已遗忘)。 近期,三首AI生成歌曲同时登顶Spotify"病毒榜50强"。其中创作移民主题曲的作者"破碎老兵"向《卫报》表示,AI不过是新的表达工具,尤其适合有创意却未受专业音乐训练的人。在过去,若你不掌握某项技能,根本不会尝试涉足。 我永远成不了大谷翔平——颜值差距实在太大——但若购买机器人代打全垒打,我能算棒球手吗?显然不能,即便队服印着我的名字,实际仍一事无成。 AI艺术拥护者常把"民主化"挂在嘴边,声称技术降低了创作门槛。但那些门槛本有其价值:它们让世界免于被拙劣作品淹没。当然,这已是陈旧观念。当下优劣界限已然模糊,如潮的平庸之作中偶尔才会浮现珍品。 每天有成千上万首AI歌曲被非音乐人士上传,我实在看不出其意义。人类为何需要更多音乐?现有作品已听不过来——Spotify曲库超1亿首,何必再为这自助盛宴添菜?难道世界真需要一首名为《我的蛋蛋被餐具抽屉夹住了》的AI歌曲?答案无关紧要,它已然存在。这就像苹果公司强行推送U2专辑的行径,不过恶劣程度放大百万倍(说实话,多数时候我宁愿听AI歌曲也不愿听波诺演唱)。 这场AI洪流的本质是对规模的痴迷。文娱企业将数量置于质量之上,更多歌曲、节目、电影、图书意味着更多盈利机会。点击量、观看时长、用户参与度成为核心指标,无论以何种方式达成。流媒体平台看重内容被观看的时长,而非是否被完整欣赏。如Netflix所言:"观看时长是衡量用户满意度的最佳指标。"唯有在虚拟世界,耗时长短才与快乐程度划等号。若我花一个半小时组装宜家衣柜,难道说明乐在其中?听那首《那个屁惊醒了我的AI歌曲两分四十秒,体验堪称折磨,但算法不在乎这些。快乐无法量化,即便烂番茄评分体系试图证明相反。 这才是AI内容与规模崇拜的真正悲剧:人类体验让位于代码逻辑与电子表格数据。以曾登顶的疑似AI歌曲《走我的路》为例,这首关于自我表达与战胜质疑的平庸乡村歌曲,若由人类创作尚可理解,但由机器生成则显得空洞。最讽刺之处在于,这首倡导"相信自己"的作品竟出自计算机。当你将艺术表达权交给机器,便是在自我表达中安插了中间人——实则是他者在代你发言。根据指令发声的是机器,而非你本人。当人们用AI撰写感谢信或个人陈述时,便已放弃了真诚表达的义务。 科技曾被视为创意工具:铅笔让我们轻松记录思想,打字机与个人电脑增强我们传递情感与渴望的能力。而今,科技正主动成为梦想的绊脚石。人工智能不是创意工具,更像定时喂食婴儿糊状豌豆的保姆。若不必投入时间学习写作或作曲,我的创意生活还剩下什么?或许只能花更多时间消费内容,用余生听完Spotify上的一亿首歌曲。这想法难道不令人毛骨悚然? 戴夫·希林是驻洛杉矶作家兼幽默作家。 常见问题解答 以下关于"科技应增强而非剥夺创造力"理念的清晰解答 理解核心概念 问:科技增强而非剥夺创造力意味着什么? 答:意指将科技作为实现创意的工具,而非让其全权代劳。关键在于用技术放大想象力,而非取代它。 问:AI这类技术是否只是在自动化创意劳动? 答:它可以但不该止步于此。应将AI视为超级助手——生成灵感、起草概念、处理繁琐工作,让你专注需要人性触觉的高阶创意决策。 优势与价值 问:科技如何切实提升创造力? 答:它能破除障碍:提供即时灵感来源、强大工具支持、允许随意试错与修改,从而鼓励创意冒险。 问:能否举例说明科技增强创造力的实例? 答:音乐人使用数字音频工作站创作时,可叠加数十种音色、精准编辑音符、与全球乐手远程协作——这些在纯钢琴创作时代难以实现。 常见误区 问:运用科技进行创作的最大风险是什么? 答:陷入被动状态。若只使用预设模板或让AI生成最终成品,实则是放弃锻炼创意肌肉,从创作者降格为工具消费者。 问:创意软件功能繁杂令人无所适从,该如何应对? 答:从掌握核心功能着手。不必追求一步到位,牢记技术应服务于你的创意构想,而非相反。 实践建议 问:新手如何借助科技开启创意之旅? 答:设定简单目标:用手机修图应用编辑照片,或通过基础绘图软件勾勒灵感。核心始终是聚焦于自我表达。
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Oneohtrix Point Never专辑《镇静剂》乐评:亚历克西斯·佩特里迪斯本周推荐专辑

丹尼尔·洛帕廷的新专辑《镇静剂》延续其概念创作传统,这位音乐人不仅在电影配乐与跨界合作中展现才华,更以系列主题专辑构筑独特艺术宇宙。从2010年探讨"超现实世界音乐"的《Returnal》,到2015年以外星少年埃兹拉为主角的《Garden of Delete》,再到2018年描绘人类灭绝后AI重建文明的《Age Of》,其作品始终贯穿着对怀旧情绪与流行文化遗骸的迷恋。 《镇静剂》堪称十四年前《Replica》的精神续作。当年洛帕廷采用八九十年代电视广告盗版DVD声效,此番则从互联网档案馆挖掘上世纪90年代至千禧年初的预制采样光盘——这些按流派分类的声音库本为环境音乐或新世纪音乐制作而生。专辑开篇《For Residue》即呈现海浪声、迷幻吉他琶音、无词吟唱与温暖电子音色,随后贯穿风铃叮咚、萨蒂式钢琴、模糊的"部落"鼓点、黑胶噪点,以及布莱恩·伊诺合作者乔恩·哈塞尔式的弱音小号,末曲《Modern Lust》的合成器音色更与KLF经典专辑《Chill Out》如出一辙。 然而名为"镇静剂",听感却难言安宁。《Bumpy》中节奏如跳针唱片般错乱,《Vestigel》里声响突兀转向,《Lifeworld》通过音高扭曲营造眩晕感。时而又有《Rodl Glide》从缓流音景突转为锐舞能量,《Dis》中部迸发的碎语合成器则让特定世代听众瞬间闪回往昔。长达五分半的《Waterfalls》从 Visible Cloaks 在2010年混音系列《Fairlights, Mallets and Bamboo》中采用的日式新世纪音乐意境,倏忽跃入80年代儿童电视主题曲的欢快片段,全程穿插的2G手机干扰声更强化了听觉的动荡感。 这张以预制宁静为原料的专辑,最终成为难以消停的听觉历险。当真正的放松成为奢求,当无限内容流与末日刷屏成瘾笼罩时代,《镇静剂》以其蓬勃声响与不安律动,拒绝沦为背景音乐。它要求并值得你全神贯注——这不是助你松弛的良药,而是唤醒感官的钟鸣。 本周推荐 亚历克西斯欣赏的加恩斯乐队与制作人罗斯·奥顿合作,将首专《Good for the Soul》中的曲目重塑成另类舞池佳作《This Product Dub》。 常见问题解答以下是关于亚历克西斯·佩特里迪斯乐评的常见问题解答 基础篇 问:《镇静剂》是什么? 答:这是实验电子音乐人Oneohtrix Point Never发布的新专辑...
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Vybz Kartel敞开心扉,谈及他的法律困境、露骨歌词创作以及铁窗生涯留下的深刻情感创伤:"那串钥匙的叮当声至今仍萦绕在我心头。"

在伦敦塔桥四季酒店庭院采访维兹·卡特尔时,我手机突然响起英国政府紧急警报测试声。他惊跳起来喊道:"我可是随时准备开溜的!"逗得我们同时大笑。 这个插曲幽默却突兀,打断了他关于监狱持久心理创伤的讨论。现年49岁的卡特尔(本名阿迪贾·帕尔默)因2011年谋杀同伙克莱夫·"蜥蜴"·威廉姆斯被判有罪,辗转关押于牙买加多所监狱。经漫长上诉,英国枢密院——基于殖民历史成为牙买加终审法院——推翻原判,他于去年七月获释。 被捕时卡特尔已是牙买加舞厅音乐巨星。2003年凭借专辑《Up 2 Di Time》崭露头角,其作品以挑衅主题、尖锐内容和颗粒感十足又灵活多变的"说唱"嗓音著称。受Ninjaman等粗粝派DJ影响,他的音乐明显区别于鲍勃·马利与彼得·托什的柔和雷鬼。2009年与斯派斯合作的情色二重唱《Romping Shop》、2010年赞歌《Clarks》及2011年活力四射的《Summer Time》助他闯入英美榜单。 到2010年代初,他从未尼曼手中彻底夺下"舞厅之王"桂冠。但如今他提醒世人:纵使王者亦难逃深渊。谈及出狱生活,他坦言:"睡眠习惯变了……听到钥匙声响就会精神创伤"——这是对狱警清点人数前晃钥匙形成的条件反射。出狱后他极度依赖烟酒,至今未改。尽管如
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难忘之夜:现场音乐真的比性爱更吸引每个人吗?

假设你有个空闲的夜晚。你精力充沛,愿意尝试新鲜事物,不想像往常下班后那样瘫在沙发上刷手机。世界充满无限可能!那么,你更愿意选择:a) 去听演唱会,还是 b) 享受鱼水之欢?和大多数"二选一"问题一样,明智的答案应该是"看情况"。任何有想法的成年人都会追问:是什么类型的演唱会?性伴侣是谁?这两个选项真的能带来快乐吗? 应该不会有人选择连着听三场软饼干、活结和科恩乐队的演出,而放弃与乔纳森·贝利共度浪漫夜晚。但若调整选项,决定就会变得艰难。然而当演出推广商Live Nation向四万人提出这个问题时,他们并未提供任何细节——而调查结果却呈现一边倒的趋势:演唱会大获全胜。 Live Nation发布的全球《为生活而活》报告调查了15个国家4万名18至54岁的受访者。数据显示演唱会已成为当今世界最受欢迎的娱乐形式,超越了体育赛事、电影观赏甚至性生活(最近听说后者被戏称为"体内娱乐",这个说法让我颇为不适)。当被要求选择余生唯一的娱乐方式时,39%的受访者选择现场音乐,而选择影院观影和体育赛事的分别仅占17%和14%。他们选择观看最喜爱艺人现场表演的意愿(70%)甚至是选择性生活(30%)的两倍以上。 当然,由演唱会主办方委托开展的公关调查结果偏向演出并不意外。本着"二选一"的趣味精神,若你心仪的艺人是保罗·麦卡特尼这类传奇人物,观看他表演的吸引力胜过寻常云雨之欢也不难理解。尽管在音乐现场与性爱之间做选择显然过于简单化,但结合当下现状来看却耐人寻味。 近年来,观看演唱会已从集体体验演变为某种竞技运动。Live Nation指出体育馆入场人数"同比增长两倍",音乐节门票售罄速度创下纪录。如今抢票需要军事级策略、闪电般手速和雄厚财力(或慷慨的信用额度)。即便成功购票,单纯现身欣赏演出也远远不够。在乐迷群体中,人们需要通过连看多场(甚至跨国追演)、提前研习曲目单、熟记往场观众创造的互动口号来最大化体验价值。 我至今仍对泰勒·斯威夫特"时代巡回"演唱会的经历心有余悸:那就像七万二千九百八十九人参与的大型编舞表演,而我是唯一不懂舞步的观众。这场持续18个月、吸金20亿美元的盛事证明,为融入文化浪潮、亲眼见到偶像,人们愿意付出何等代价——即便音乐本身已退居次位。 另一方面,性爱——这种相对经济易得的愉悦——正遭遇困境。2020年YouGov调查显示,英国仅约四分之一民众每周有性生活,近三分之一处于禁欲状态。2021年美国26%的成年人表示全年无性行为,较2010年上升6个百分点。两国数据下滑主要源于年轻群体性活跃度降低。这与体育场巡演市场的火爆和抢票的白热化形成鲜明对比。当然,事情并非简单的二选一——"你更愿意参加五次时代巡演还是保持童贞?"这个问题暗示了哪种体验被视为更可靠的身心享受。 性与现场音乐的共通之处超乎想象。二者都需要在脑海构建期待后,于现实世界中检验联结——无论对象是人还是表演者。你带着预设前往,期待收获惊喜。成败与否往往取决于彼此的能量与期望能否同频。两种体验都可能让你尝到他人发丝,事后都渴望点支烟享受独处。酒精药物或能增色亦或搞砸体验,但至少能让糟糕时刻变得容易忍受。 演唱会与亲密关系的魔力,都在于寻觅熟悉与新奇、相同与相异、付出与收获间的精妙平衡。这种巅峰体验虽不常有,但那些刻骨铭心的记忆与重历美好的期待,驱使我们不断尝试——无论是赴约新恋情还是抢购下一张门票。 当然二者存在明显差异。这项比较性爱与音乐体验的推广调查显示,追求后者远比前者简单。当约会文化充斥着劣行、失望甚至公然敌意,许多人选择奔赴演唱会实在情理之中。 于我而言,重温最爱演唱会——卡莉·雷·杰普森在伦敦XOYO地下室那场爆满演出——远比寻常一夜情更值得选择。但我也经历过无数如坐针毡的现场,包括心仪艺人的表演。或许因状态不佳、环境不适,或是他们演奏了我不喜欢的实验性新作。变量多如牛毛且难以预料。一场演出可能让你热血沸腾,成为重燃对现场音乐信念的永恒记忆;也可能让你在安可前就迫不及待想要离场。但无论如何,答案都不会出现在又一个独坐沙发的夜晚。 常见问题解答 以下是关于现场音乐是否比性爱更具吸引力的常见问题清单,力求清晰简洁、贴近自然表达 基础入门问题 1 "现场音乐比性爱更吸引人"这个问题究竟想表达什么? 这是个引发思考的对比方式,将两种极致愉悦的人类体验相提并论。它探讨的是:对于部分人群而言,精彩演唱会带来的情感高潮与心灵共鸣,是否足以媲美甚至超越性爱快感。 2 这是基于真实研究还是个人观点? 主要取决于个人感受与主观判断。不过有研究表明,聆听心仪音乐能触发多巴胺释放——这种快乐激素同样会在性爱和进食时分泌,因此二者常被拿来类比。 3 究竟哪些人会认为现场音乐胜过性爱? 这具有高度主观性,但狂热乐迷、现场常客和音乐人最常有此感触。当他们经历那些超越平凡的现场时刻,感受到独特而强烈的集体共鸣与纯粹喜悦时,往往会产生这种感受。 4...
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哥特与金属音乐人分享他们心目中最为骇人的音乐创作,其中一位提及曾有一群修女坚信自己被恶魔附身。

科西·范尼·塔蒂 伯纳德·赫尔曼——《谋杀》(1960) 我确实喜欢恐怖音乐,但最让我脊背发凉的是希区柯克《惊魂记》中浴室场景的配乐。这段画面我反复观看多次,即便熟知剧情走向,利刃刺击与赫尔曼音乐的叠加始终令我心神不宁。 近期我曾沉迷日韩恐怖片,后来因心脏不适不得不中止观看。但这些影片带来的冲击力,远不及《惊魂记》的浴室场景。当音乐与视觉画面结合,不仅强化了听觉体验,更调动多重感官。放任自己跟随导演对声音的诠释,会让人持续处于高度戒备状态,这种对未知的等待才真正令人恐惧。 斯蒂芬·奥马利,Sunn O)))乐队 Abruptum——《邪恶》(1991) 1992年我从朋友奥丁手中购得这张声名狼藉的七英寸唱片——他是美国最早在自家客厅经营黑金属DIY唱片发行的人。当时我们完全不了解这张唱片,甚至不确定该用33转还是45转播放。这是充满痛苦与折磨的混沌癫狂之作,即兴演奏的毁灭/黑金属。关于已故团长托尼·萨尔卡(绰号IT)的传闻甚嚣尘上,部分后来被工程师丹·斯瓦诺证实。当年我们听说这是名为IT之人在录音室受电刑折磨的实况录音。 黑金属走向大众时常遭非议,但我认为光明下的黑暗更为深邃——当今主流世界的扭曲程度,早已超越九十年代初那些地下音乐的阴暗境界。 艾米·沃尔浦,Witch Fever乐队 Sloppy Jane——《耶稣与你的客厅地板》(2021) 我被Sloppy Jane在洞穴录制的专辑《麦迪逊》吸引。虽然《耶稣与你的客厅地板》允许多重解读,但我认为它关乎孤独与死后被铭记的渴望。歌词中既有怪诞的死亡描述,也有塑料马这类日常意象。 16岁前我一直在灵恩派基督教会(实质是邪教)长大,因此对宗教主题深有共鸣。这首歌于我具有宣泄作用,本质是叙事民谣却笼罩着黑暗、哥特与悲伤,我痴迷这种奇特的地下气质,至今反复聆听。 斯蒂芬·马林德,卡巴莱伏尔泰乐队 亨利·布莱尔——《火花的神奇钢琴》(1947) 这是系列音乐短剧中的一部,讲述小男孩火花学习钢琴的故事。我在五岁时听到这张已发行十余年的唱片。BBC曾在周六早晨播放《儿童金曲》,那些四五十年代的新奇旋律在成人看来童趣盎然,于我却是深度不安的根源,至今仍会引发类似创伤后应激的反应。 《火花的神奇钢琴》让我既着迷又恐惧。当火花母亲离开房间,钢琴就会通过早期声码器Sonovox与他对话。这激发了我对声音操控的持久兴趣,但五岁的我坚信有个男孩被永远困在了钢琴里。 TheOGM,Ho99o9乐队 赫比·汉考克——《涂抹她的唇》(《死亡愿望》原声带,1974) 父亲是动作片迷,我幼时便看过《死亡愿望》。我们生活的都市环境与影片中的纽约相似,帮派横行、抢劫入室屡见不鲜,因此极易代入剧情。于我而言,这种现实恐惧远胜《月光光心慌慌》或《猛鬼街》。 后来我接触到原声带,单独聆听时更觉寒意彻骨。汉考克虽是天纵奇才,但我更钦佩他四两拨千斤的功力——轻巧的军鼓、极简合成器、回声或弦乐片段,都能营造出黑暗氛围,仿佛被人尾随,让人下意识握紧手袋或提前掏出钥匙。 塔季扬娜·什梅卢克,Jinjer乐队 阿加莎·克里斯蒂乐队——《无人之鸦片》(1994) 儿时恐怖动画或电影从未吓倒我。但在兄长引荐接触摇滚乐后,某个冬日午后趁父母上班,我听到这首俄语暗潮作品。它更偏向哥特忧郁而非直白恐怖,但歌词极其阴暗:“我用鞋油涂抹黑唇...星辰向我闪耀,地狱显得诱人”,接着是“杀了我,杀了你,一切无法改变”。 九岁的我无法理解其中深意,却在脑中构建出诡异画面。我生于俄罗斯长于乌克兰,九十年代这些地区的音乐充满阴郁色彩。如今我定居加州,所有朋友都已离开乌克兰,与母亲通话时背景常传来轰炸声。 泰勒·莫姆森,the Pretty...