**El sacrificio – F1**
Solía cubrir carreras de autos y aún sigo la Fórmula 1 con ojo escéptico. Sabía exactamente qué esperar de **F1: La Película**—un filme que pregunta: ¿y si el deporte de élite más exclusivo del mundo se reimaginara como un western? Pero una vez que Brad Pitt llena la pantalla con sus guiños de ojos azules, sonrisas irónicas y porte de Butch Cassidy, no puedes evitar subirte al viaje. Debería haberme molestado más que este deporte rígido convierta a su mayor rebelde en héroe. Aun así, dejé mi incredulidad atrás cuando Sonny Hayes (Pitt) se raspó y luchó hasta llegar a la final de temporada en Abu Dabi. Tras mucho drama, su compañero de equipo (Damson Idris) asume las tácticas complicadas en Yas Marina, sacrificándose—junto con el productor Lewis Hamilton (¡otra vez no!)—para ayudar a Sonny a ganar su primera carrera y salvar a su equipo en apuros de una adquisición hostil. Cuando se encendieron las luces en mi proyección de mediodía casi vacía, aún estaba al borde del asiento, mi incredulidad desaparecida por completo.
—Andrew Lawrence
**La impregnación – Marty Supreme**
¿Por dónde empezar? La épica del ping-pong de Josh Safdie ofrece una escena brillantemente imaginada tras otra, cualquiera de las cuales podría ser la mejor del año. ¿El lamido de miel en el campo de concentración? ¿El discurso de venta de la bola naranja? ¿La paliza a Chalamet? ¿El club de ping-pong como salón mafioso? Nos está mimando, Sr. Safdie. Pero el momento más alucinante podría ser los créditos animados iniciales, que siguen una carrera de espermatozoides hacia el óvulo—una versión pseudo-real de lo que Woody Allen hizo en **Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo**. Se vincula con la escena inicial de la película y, sin revelar demasiado, conecta con el final. Hacía mucho que mi mandíbula no se caía literalmente en un cine; como mínimo, señala que algo… inusual… se avecina.
—Andrew Pulver
**El pajar – The Mastermind**
Muchos vimos a un cómico silente en Josh O’Connor cuando deambulaba por **La Chimera**, y este año en **Wake Up Dead Man** saltó triunfalmente a la comedia física. Pero como el desafortunado ladrón JB en la hermosa **The Mastermind** de Kelly Reichardt, es un payaso maravillosamente discreto. JB es un hombre común que busca una victoria fácil, un tipo común obstaculizado por su propia ineptitud y acosado por fuerzas fuera de su control. Me encantó especialmente la escena en la que trepa penosamente por una escalera tambaleante en un oscuro chiquero para esconder sus pinturas robadas en un pajar. La cámara se detiene en la escalera que se balancea y el cerdo resoplante abajo mientras JB jadea. Sabes que esa escalera se va a caer, lo que dice todo sobre el probable éxito de su plan. Tarde o temprano, este Sísifo de slapstick terminará de espaldas en el fango del cerdo.
—Pamela Hutchinson
**El baile – Sinners**
Suelo ser indiferente a las actuaciones musicales en películas; rara vez capturan la magia de la música en vivo. Pero a mitad de **Sinners**, el thriller de vampiros de los años 30 de Ryan Coogler, Sammie (Miles Caton) canta una canción original, **I Lied to You**, en la noche inaugural del juke joint de sus primos. Lo que empieza como un interludio festivo estándar se convierte en una pieza central seductora y sublime. Con el formato Imax de la cinematógrafa Autumn Durald Arkapaw y la voz profunda y aterciopelada de Caton, la habitación parece curvarse alrededor de Sammie, su talento suspendiendo las leyes de la física. En lo que parece una toma suntuosa y giratoria, aparece una figura futurista al estilo Bootsy Collins, seguida por un bailarín Zaouli, un DJ, bailarines de jookin de Memphis y una bailarina—antepasados y descendientes negros de los asistentes reunidos bajo un mismo techo, convocados por la canción de Sammie. "Esta música es nuestra", le dice el legendario armonicista Delta Slim a Sammie en un flashback. "Nosotros trajimos esto…" Verlo desde casa con nosotros es un riesgo que Coogler toma, y paga bellamente, ofreciendo un vistazo embriagador de trascendencia. Cuando lo vi por primera vez en un cine lleno, sentí que todos se absorbían por completo de una manera que ahora parece casi meta—saboreando el arte, sintiendo su éxtasis y desafío. Como dijo Slim: "Es sagrado y grande". —Tammy Tarng
**La pelea – Splitsville**
A finales del verano pasado, dejé de lamentar brevemente la muerte de la comedia de pantalla grande. Esa pausa duró unos 104 minutos, mientras me encontraba riendo a carcajadas en un cine con la autoproclamada "comedia no romántica" **Splitsville**. La película es absurdamente tonta y perfectamente identificable—una mirada caótica, reflexiva pero desquiciada a parejas heterosexuales navegando el nuevo y valiente mundo de la no monogamia. Aunque hubo muchas pequeñas grandes bromas, lo que realmente se me quedó grabado es la ridículamente extensa pelea entre los amigos convertidos en rivales centrales, interpretados por los guionistas de la película Michael Angelo Covino y Kyle Marvin.
Desde **Bridget Jones**, se ha convertido en un chiste fácil burlarse de los hombres educados de clase media que se pelean sin saber lo que hacen. Cuando esta empieza con una bofetada, podrías esperar la misma rutina cansada. En cambio, vemos a dos hombres que sí saben lo que hacen—aunque desordenadamente—proceder a destruir su amistad y la hermosa casa a su alrededor en una secuencia espectacularmente violenta y brillantemente dirigida. Es un recordatorio temprano y desquiciado de que detrás de la fachada pulida y presumidamente progresista de ciertas parejas "modernas" se esconde mezquindad, rabia y el deseo de ahogar a tu mejor amigo en una bañera llena de peces. —Benjamin Lee
**La obra – Hamnet**
Durante semanas, he estado instando a todos mis conocidos a ver **Hamnet**, la adaptación de Chloé Zhao de la novela de Maggie O’Farrell. Demuestra que a veces, un gran final puede salvar una película por lo demás regular. La película de Zhao sobre la vida doméstica de Shakespeare antes de **Hamlet** lucha por equilibrar un cuento de hadas silvestre con un realismo brutal y hermoso. Me desconcertó el romance distante entre William (Paul Mescal) y Agnes (Jessie Buckley), luego me cautivó el horror despiadado de las horas finales de su hijo, y más tarde me dejó tibio el tratamiento al estilo biopic del duelo.
¡Pero el final! El final estelar, arrollador, de bravura—ligeros spoilers por delante—en el que Agnes asiste a la función inaugural de **Hamlet** en el Globe, salva toda la película y logra la asombrosa hazaña de colapsar brevemente el tiempo. Viendo al personaje titular enfrentar la muerte, Agnes se acerca a su hijo fallecido; el público, conmovido por la actuación, se acerca al príncipe que parte; y nosotros, viendo una nueva imaginación de una obra de 425 años, nos acercamos a la misma pregunta que ha perseguido a todos los humanos: ¿cómo se resiste cuando vivir significa perder a los que amamos? Salí llorando, recordado una vez más que ese acercamiento—hacia otros, hacia los perdidos, hacia la conexión, hacia un momento de trascendencia a través del gran arte—es realmente todo lo que tenemos. —Adrian Horton
**La persecución – One Battle After Another**
Justo en medio del último opus de Paul Thomas Anderson, tras años viviendo una vida incógnita y saturada de marihuana lejos de todo, el calor desciende sobre el ex revolucionario Pat Calhoun en forma de un equipo militarizado que recuerda a los stormtroopers de hielo. Es hora de que corra como un condenado.
Gateando por un agujero de araña casero, Pat emerge a metros de su casa, eventualmente agarra un teléfono desechable, recibe ayuda del instructor de artes marciales preparado-para-todo de su hija adolescente (interpretado con encanto por Benicio del Toro), intenta llamar repetidamente a sus ex camaradas revolucionarios (pero es rechazado porque no recuerda la contraseña), deambula por una redada de inmigración (orquestada para cubrir la operación de secuestrar a Pat), salta entre tejados y tropieza con sus propios pies al menos media docena de veces. En un nivel, esta persecución es un cineastas extraordinario. Esta filmación está coreografiada como un ballet, mezclando patetismo, emociones al límite y comedia absurda en uno. En otro nivel, es profundamente premonitoria de una manera que solo el cine puede ser, capturando la sensación de vivir en una América que aspira a ser autoritaria en 2025. También sirve como escaparate para el trabajo posterior de Leonardo DiCaprio y la poderosa química que comparte con Del Toro. Con su energía aparentemente infinita, su capacidad paranoica para combinar lo incombinable, su humor slapstick y su realismo con el dedo en el pulso, este segmento de **One Battle After Another** parece destinado a ser recordado. Fue la mejor parte de una de las mejores películas del año, y algo en lo que pensaré por mucho tiempo.
La primera mitad de **Highest 2 Lowest** de Spike Lee se desarrolla principalmente en el mundo rarificado de David King, un magnate musical rico, respetado y gregario pero terco interpretado por Denzel Washington. Vive en un ático en Dumbo con su familia, viaja en auto privado y trabaja en una oficina en un rascacielos de Manhattan. Lee captura este mundo con una cinematografía digital clara y nítida que raya en lo antiséptico, realzada por ángulos de cámara estáticos y a veces extrañamente colocados. Sin embargo, cuando un amigo de la familia es secuestrado accidentalmente en lugar del hijo de David y él accede a regañadientes a pagar el rescate, la estrategia visual de la película cambia. Cuando David sube a un metro en Brooklyn para dejar el dinero en el Bronx, Lee cambia a celuloide de 16mm, capturando la energía menos controlada y vibrante de un tren 6 abarrotado que atraviesa múltiples distritos—en un día que coincide con un partido de los Yankees y el desfile del Día de Puerto Rico. La versión aislada de Nueva York de David se desvanece. Tarda un buen rato antes de que comience cualquier acción tradicional de thriller, pero en esta transición, la película vibra con una emoción similar a la del metro, como si estuviera a punto de estallar en una canción. Cuarenta años en su carrera, Lee continúa encontrando nuevas formas de expresar su amor por la ciudad y por el cine.
El cineasta iraní Jafar Panahi hizo **It Was Just an Accident** en secreto, su método habitual para resistir la censura de un régimen iraní que recientemente lo sentenció (en ausencia) a otro año de prisión. Este enfoque clandestino condujo a uno de los momentos más sorprendentemente subversivos de la película, capturado en una toma cenital donde el equipo de filmación está grabando y dirigiendo desde un tejado. En la alegoría tragicómica de introspección de Panahi sobre cómo avanzará el pueblo iraní desde la opresión y el trauma, los ocupantes de una furgoneta blanca averiada—incluyendo una novia con un vestido blanco completo—saltan al tráfico de Teherán para empujar el vehículo. Están en pánico porque estos ex presos políticos tienen a un hombre secuestrado, a quien creen su torturador, inconsciente y atado en la parte trasera. El momento llega como un alegre alivio cómico de la urgencia narrativa. Pero se vuelve aún más trascendente cuando transeúntes, al menos uno de los cuales no es actor según el cinematógrafo de la película, vienen a ayudar a los pasajeros varados. Es una de las muchas fisuras entre ficción y realidad en **It Was Just an Accident**, una imagen potente y discreta de esperanza y comunidad, donde el pueblo de Irán participa en la resistencia política de la película, lo sepa o no.
Quizás la escena inicial más misteriosamente cautivadora del año fue en **On Becoming a Guinea Fowl** de Rungano Nyoni, un drama de memoria y reconciliación ambientado en la Zambia actual. La película abre con Shula (Susan Chardy), residente urbana, conduciendo sola de noche por un camino rural oscuro. Viste una máscara brillante, como si viniera de una fiesta. Un baile de máscaras, con la animada melodía clásica "Come on Home" de las Lijadu Sisters sonando alegremente en la radio. Su viaje placentero, aunque extraño, toma un giro oscuro repentino cuando descubre un cuerpo tendido en el camino. Lo que sigue en la cautivadora película de Nyoni es sombrío, inquietante y ocasionalmente gracioso. Ese estado de ánimo está perfectamente establecido desde el principio, cuando el surrealismo onírico choca con la realidad fría y dura. —Richard Lawson
**El Skeeteo – Predators**
Al principio, el documental de David Osit examina el legado problemático de **To Catch a Predator**, el popular programa de **Dateline NBC** de mediados de los 2000 que atraía a presuntos pedófilos a una casa llena de cámaras ocultas y los exponía por intentar reunirse con menores. Pero el programa es solo un punto de partida para una mirada más amplia a una cultura de abuso y explotación. Esto lleva a un segmento particularmente fascinante sobre imitadores de YouTube que han adaptado la misma fórmula televisiva para la era digital. En una escena, la cámara de Osit captura una caótica operación encubierta en un motel sórdido, donde Skeet Hansen, un presentador popular, sale de un armario para confrontar a un hombre que creía que se reuniría con una niña de 14 años. El hombre está tan profundamente conmocionado por sus acciones que socava el momento triunfal de "te atrapé" de Hansen. Sin embargo, Hansen tiene una marca que mantener, resultando en la entrega más cómicamente seria de su frase de cabecera imaginable: "Acabas de ser Skeeteado". —Scott Tobias
Preguntas Frecuentes
Por supuesto. Aquí hay una lista de preguntas frecuentes sobre la tendencia cinematográfica de combinar baile, pelea y romance, inspirada en los momentos inolvidables del cine de 2025.
General / Preguntas para Principiantes
P: ¿A qué se refiere "Baile, pelea, romance" en las películas?
R: Se refiere a un estilo popular de cine donde las escenas mezclan a la perfección elementos de coreografía de baile con combate, a menudo impulsadas por o entrelazadas con una historia romántica. Las emociones y la fisicalidad se superponen para crear momentos poderosos y memorables.
P: ¿Por qué se convirtió en una tendencia tan grande en 2025?
R: El público en 2025 ansiaba espectáculos frescos y cargados de emoción. Combinar estos tres elementos creó una narrativa física única que era visualmente deslumbrante, emocionalmente resonante e increíblemente compartible en las redes sociales.
P: ¿Puedes dar un ejemplo simple de cómo se combinan estos elementos?
R: Imagina la primera discusión de una pareja. En lugar de solo gritar, su frustración estalla en una pelea estilizada como un baile en un callejón mojado por la lluvia. Cada bloqueo y agarre se siente como un movimiento de baile rechazado, mostrando visualmente su conflicto y atracción.
P: ¿Esto es solo para películas de acción o musicales?
R: Ninguna. Se convirtió en una técnica de fusión de géneros.
