**Le sacrifice – F1**
Je couvrais autrefois les courses automobiles et je suis toujours la Formule 1 d’un œil sceptique. Je savais exactement à quoi m’attendre avec **F1 : Le Film** – un film qui se demande : et si le sport le plus élitiste au monde était réinventé en western ? Mais une fois que Brad Pitt envahit l’écran de ses clins d’œil bleus, ses sourires en coin et son allure de Butch Cassidy, on ne peut que se laisser embarquer. J’aurais dû être plus agacé que ce sport rigide transforme son plus grand rebelle en héros. Pourtant, j’ai laissé mon incrédulité au vestiaire tandis que Sonny Hayes (Pitt) se battait bec et ongles pour atteindre la finale de la saison à Abou Dabi. Après bien des rebondissements, son équipier (Damson Idris) prend en charge les tactiques délicates sur le circuit de Yas Marina, se sacrifiant – ainsi que le producteur Lewis Hamilton (pas encore lui !) – pour aider Sonny à remporter sa première course et sauver leur équipe en difficulté d’une OPA hostile. Quand les lumières se sont rallumées lors de ma séance de midi presque vide, j’étais toujours au bord de mon siège, mon incrédulité envolée.
—Andrew Lawrence
**L’impregnation – Marty Supreme**
Par où commencer ? L’épopée ping-pong de Josh Safdie enchaîne les scènes brillamment imaginées, chacune pouvant prétendre au titre de meilleure scène de l’année. La lèche de miel dans le camp de la mort ? L’argumentaire de vente de la balle orange ? La fessée administrée à Chalamet ? Le club de ping-pong en tant que repaire de mafieux ? Vous nous gâtez, M. Safdie. Mais le moment le plus stupéfiant est peut-être le générique d’ouverture animé, qui suit une course de spermatozoïdes vers l’ovule – une version pseudo-réaliste de ce qu’avait fait Woody Allen dans **Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le sexe**. Cela fait écho à la scène d’ouverture du film et, sans trop en dévoiler, établit un lien avec la fin. Cela faisait longtemps que je n’avais pas eu la mâchoire décrochée dans une salle de cinéma ; à tout le moins, cela annonce que quelque chose… d’inhabituel… se prépare.
—Andrew Pulver
**Le grenier – The Mastermind**
Beaucoup d’entre nous ont vu un comique muet en Josh O’Connor lorsqu’il errait dans **La Chimère**, et cette année, dans **Wake Up Dead Man**, il a fait un bond triomphal dans la comédie physique. Mais dans le rôle de JB, le cambrioleur malchanceux du magnifique **The Mastermind** de Kelly Reichardt, il est un clown merveilleusement discret. JB est un homme ordinaire en quête d’un gain facile, un petit bonhomme entravé par sa propre incompétence et assailli par des forces qui le dépassent. J’ai particulièrement adoré la scène où il gravit péniblement une échelle branlante dans une porcherie sombre pour cacher ses tableaux volés dans un grenier à foin. La caméra s’attarde sur l’échelle vacillante et le groin du cochon en bas tandis que JB souffle et peine. On sait que cette échelle va tomber, ce qui en dit long sur les chances de succès de son plan. Tôt ou tard, ce Sisyphe burlesque finira à plat sur le dos dans la boue porcine.
—Pamela Hutchinson
**La danse – Sinners**
Je suis souvent indifférente aux performances musicales dans les films ; elles capturent rarement la magie de la musique live. Mais à mi-parcours du thriller vampirique des années 1930 **Sinners** de Ryan Coogler, Sammie (Miles Caton) interprète une chanson originale, **I Lied to You**, lors de la soirée d’ouverture du juke joint de ses cousins. Ce qui commence comme un intermède festif standard devient une pièce maîtresse séduisante et sublime. Avec le format Imax de la directrice de la photographie Autumn Durald Arkapaw et la voix grave et veloutée de Caton, la pièce semble se courber autour de Sammie, son talent suspendant les lois de la physique. Dans ce qui ressemble à un plan somptueux et tournoyant, une figure futuriste à la Bootsy Collins apparaît, suivie d’un danseur Zaouli, d’un DJ, de danseurs de Memphis jookin et d’une ballerine – les ancêtres et descendants noirs des fêtards réunis sous un même toit, convoqués par la chanson de Sammie. « Cette musique est la nôtre », lui dit le légendaire harmoniciste Delta Slim dans un flashback. « Nous l’avons apportée… » Coogler prend le risque de nous faire regarder depuis chez nous, et cela paie magnifiquement, offrant un aperçu enivrant de transcendance. Lorsque je l’ai vu pour la première fois dans une salle comble, j’ai senti que tout le monde était complètement absorbé, d’une manière qui semble maintenant presque méta – savourant l’art, ressentant son extase et sa défiance. Comme l’a dit Slim : « C’est sacré et immense. » —Tammy Tarng
**Le combat – Splitsville**
Cet été finissant, j’ai brièvement cessé de déplorer la mort de la comédie grand public. Cette pause a duré environ 104 minutes, le temps de me surprendre à rire aux éclats dans une salle devant la prétendue « comédie non romantique » **Splitsville**. Le film est à la fois d’une absurdité ridicule et parfaitement relatable – un regard chaotique, réfléchi mais dérangé sur les couples hétéros naviguant dans le meilleur des mondes de la non-monogamie. S’il y avait beaucoup de bonnes petites blagues, ce qui m’est vraiment resté, c’est le combat ridiculement prolongé entre les deux amis devenus rivaux, interprétés par les scénaristes du film, Michael Angelo Covino et Kyle Marvin.
Depuis **Bridget Jones**, il est devenu facile de se moquer des hommes de la classe moyenne polis qui se battent sans savoir ce qu’ils font. Quand celui-ci commence par une gifle, on s’attend à la même routine éculée. Au lieu de cela, on voit deux hommes qui savent ce qu’ils font – bien que de manière désordonnée – procéder à la destruction de leur amitié et de la belle maison qui les entoure dans une séquence spectaculairement violente et brillamment mise en scène. C’est un rappel précoce et déjanté que derrière la façade lisse et progressiste de certains couples « modernes » se cachent la mesquinerie, la rage et l’envie de noyer son meilleur ami dans une baignoire pleine de poissons. —Benjamin Lee
**La pièce – Hamnet**
Pendant des semaines, j’ai exhorté toutes mes connaissances à voir **Hamnet**, l’adaptation par Chloé Zhao du roman de Maggie O’Farrell. Cela prouve que parfois, une grande fin peut sauver un film par ailleurs correct. Le film de Zhao sur la vie domestique de Shakespeare avant **Hamlet** peine à équilibrer un conte de fées sylvestre et un réalisme brutal et magnifique. J’ai été rebuté par la romance distante entre William (Paul Mescal) et Agnes (Jessie Buckley), puis captivé par l’horreur sans concession des dernières heures de leur enfant, et ensuite tiède sur le traitement biopic du deuil.
Mais la fin ! La fin étincelante, renversante, bravache – léger spoiler – où Agnes assiste à la représentation inaugurale d’**Hamlet** au Globe, sauve tout le film et accomplit l’exploit stupéfiant de faire brièvement s’effondrer le temps. Voyant le personnage éponyme faire face à la mort, Agnes tend la main vers son fils défunt ; le public, ému par la performance, tend la main vers le prince qui s’en va ; et nous, regardant une nouvelle interprétation d’une pièce vieille de 425 ans, tendons la main vers la même question qui hante tous les humains : comment endurer lorsque vivre signifie perdre ceux que l’on aime ? Je suis parti en larmes, rappelé une fois de plus que cette tendance – vers les autres, vers les disparus, vers la connexion, vers un moment de transcendance par le grand art – est vraiment tout ce que nous avons. —Adrian Horton
**La poursuite – One Battle After Another**
En plein milieu du dernier opus de Paul Thomas Anderson, après des années de vie incognito, loin de tout, saturée de marijuana, l’étau se resserre sur l’ancien révolutionnaire Pat Calhoun sous la forme d’une équipe militarisée rappelant les stormtroopers de glace. Il est temps pour lui de courir comme un dératé.
Ramper à travers un trou d’araignée fait maison, émerger à quelques mètres de sa maison, finalement saisir un téléphone jetable, obtenir l’aide du professeur d’arts martiaux prêt à tout de sa fille adolescente (interprété avec charme par Benicio del Toro), tenter à plusieurs reprises d’appeler ses anciens camarades révolutionnaires (mais se faire rejeter parce qu’il ne se souvient pas du mot de passe), errer lors d’une rafle d’immigration (orchestrée pour couvrir l’opération d’enlèvement de Pat), sauter de toit en toit, et trébucher sur ses propres pieds au moins une demi-douzaine de fois. À un niveau, cette poursuite est un filmmaking extraordinaire. Cette réalisation est chorégraphiée comme un ballet, mêlant pathos, frissons à haut risque et comédie absurde en un tout. À un autre niveau, elle est profondément prémonitoire d’une manière que seuls les films peuvent l’être, capturant la sensation de vivre dans une Amérique aspirant à l’autoritarisme en 2025. Elle sert aussi de vitrine au travail ultérieur de Leonardo DiCaprio et à la puissante alchimie qu’il partage avec Del Toro. Avec son énergie apparemment sans fin, sa capacité paranoïaque à combiner l’incombinable, son humour burlesque et son réalisme à fleur de peau, ce segment d’**One Battle After Another** semble destiné à rester dans les mémoires. C’était le meilleur moment de l’un des meilleurs films de l’année, et quelque chose à quoi je penserai longtemps.
La première moitié de **Highest 2 Lowest** de Spike Lee se déroule principalement dans le monde raréfié de David King, un magnat de la musique riche, respecté et sociable mais têtu, interprété par Denzel Washington. Il vit dans un penthouse de Dumbo avec sa famille, voyage en voiture privée et travaille dans un bureau d’un gratte-ciel de Manhattan. Lee capture ce monde avec une photographie numérique claire et nette, presque aseptisée, renforcée par des angles de caméra statiques et parfois étrangement placés. Cependant, lorsqu’un ami de la famille est accidentellement kidnappé à la place du fils de David et qu’il accepte à contrecœur de payer la rançon, la stratégie visuelle du film change. Alors que David prend le métro à Brooklyn pour déposer l’argent dans le Bronx, Lee passe à la pellicule 16 mm, capturant l’énergie moins contrôlée et vibrante d’un train 6 bondé traversant plusieurs arrondissements – un jour qui coïncide avec un match des Yankees et la parade portoricaine. La version isolée de New York de David s’efface. Il faut un bon moment avant que l’action traditionnelle de thriller ne commence, mais dans cette transition, le film vibre d’une excitation propre au métro, comme s’il allait se mettre à chanter. Quarante ans de carrière plus tard, Lee continue de trouver de nouvelles façons d’exprimer son amour pour la ville et pour le cinéma.
Le cinéaste iranien Jafar Panahi a réalisé **It Was Just an Accident** en secret, sa méthode habituelle pour résister à la censure d’un régime iranien qui l’a récemment condamné (par contumace) à un an de prison supplémentaire. Cette approche clandestine a conduit à l’un des moments les plus subversifs et surprenants du film, capturé dans un plan en plongée où l’équipe de tournage enregistre et dirige depuis un toit. Dans l’allégorie tragicomique et introspective de Panahi sur la manière dont le peuple iranien avancera après l’oppression et le traumatisme, les occupants d’une fourgonnette blanche en panne – dont une mariée en robe blanche intégrale – sautent dans la circulation de Téhéran pour pousser le véhicule. Ils sont paniqués car ces anciens prisonniers politiques ont un homme kidnappé, qu’ils croient être leur tortionnaire, assommé et ligoté à l’arrière. Le moment arrive comme un joyeux soulagement comique face à l’urgence du récit. Mais il devient encore plus transcendant lorsque des passants, dont au moins un n’est pas un acteur selon le directeur de la photographie du film, viennent aider les passagers en détresse. C’est l’une des nombreuses fissures entre fiction et réalité dans **It Was Just an Accident**, une image puissante et modeste d’espoir et de communauté, où le peuple iranien participe à la résistance politique du film, qu’il le sache ou non.
Peut-être la scène d’ouverture la plus mystérieusement saisissante de l’année était celle de **On Becoming a Guinea Fowl** de Rungano Nyoni, un drame sur la mémoire et la réconciliation se déroulant dans la Zambie actuelle. Le film s’ouvre sur Shula (Susan Chardy), citadine, conduisant seule la nuit sur une route rurale sombre. Elle est vêtue d’un masque scintillant, comme si elle venait d’une fête. Un bal masqué, avec le classique entraînant "Come on Home" des Lijadu Sisters qui joue gaiement à la radio. Son agréable, bien qu’étrange, voyage prend un tour sombre lorsqu’elle découvre un corps allongé sur la route. Ce qui suit dans le film captivant de Nyoni est sombre, obsédant et parfois drôle. Cette ambiance est parfaitement établie dès le début, alors que le surréalisme onirique entre en collision avec la réalité froide et dure. —Richard Lawson
**Le Skeeting – Predators**
Au début, le documentaire de David Osit examine l’héritage troublant de **To Catch a Predator**, l’émission populaire de **Dateline NBC** du milieu des années 2000 qui attirait de potentiels pédophiles dans une maison pleine de caméras cachées et les exposait pour avoir tenté de rencontrer des mineurs. Mais l’émission n’est qu’un point de départ pour un regard plus large sur une culture des abus et de l’exploitation. Cela mène à un segment particulièrement captivant sur les imitateurs YouTube qui ont adapté la même formule télévisuelle à l’ère numérique. Dans une scène, la caméra d’Osit capture une opération d’infiltration chaotique dans un motel sordide, où Skeet Hansen, un animateur populaire, surgit d’un placard pour confronter un homme qui croyait rencontrer une fille de 14 ans. L’homme est si profondément secoué par ses actes que cela sape le moment de triomphe « je t’ai eu » de Hansen. Pourtant, Hansen a une marque à défendre, ce qui donne lieu à la délivrance la plus comiquement sérieuse imaginable de son slogan : « Vous venez de vous faire Skeeter. » —Scott Tobias
**Foire Aux Questions**
Bien sûr. Voici une liste de FAQ sur la tendance cinématographique qui combine danse, combat et romance, inspirée par les moments de films inoubliables de 2025.
**Général - Questions pour débutants**
**Q : À quoi fait référence "Danse, combat, romance" dans les films ?**
**R :** Cela fait référence à un style de réalisation populaire où les scènes mélangent harmonieusement des éléments de chorégraphie de danse avec du combat, souvent motivé par ou entrelacé avec une intrigue romantique. Les émotions et la physicalité se chevauchent pour créer des moments puissants et mémorables.
**Q : Pourquoi cette tendance est-elle devenue si importante en 2025 ?**
**R :** Le public de 2025 recherchait des spectacles frais et chargés
