**Das Opfer – F1**
Ich habe früher über Motorsport berichtet und verfolge die Formel 1 auch heute noch mit skeptischem Blick. Ich wusste genau, was mich in **F1: Der Film** erwarten würde – ein Film, der fragt: Was, wenn der elitärste Sport der Welt als Western neu gedacht würde? Doch sobald Brad Pitt die Leinwand mit seinen blauäugigen Zwinkern, schiefen Lächeln und seinem Butch-Cassidy-Gangstercharme füllt, kann man sich dem Ritt einfach nicht entziehen. Ich hätte genervter sein sollen, dass dieser starre Sport seinen größten Rebellen zum Helden macht. Doch ich ließ meinen Unglauben hinter mir, als Pitts Sonny Hayes sich gekämpft und geschunden bis zum Saisonfinale in Abu Dhabi durchboxte. Nach reichlich Drama übernimmt sein Wingman (Damson Idris) die knifflige Taktik auf dem Yas Marina Circuit, opfert sich selbst – und Produzent Lewis Hamilton (nicht schon wieder!) –, um Sonny zum ersten Sieg zu verhelfen und ihr angeschlagenes Team vor einer feindlichen Übernahme zu bewahren. Als in meiner fast leeren Mittagsvorstellung das Licht anging, saß ich immer noch wie gebannt auf der Stuhlkante, mein Unglaube war wie weggeblasen.
—Andrew Lawrence
**Die Befruchtung – Marty Supreme**
Wo soll man anfangen? Josh Safdies Ping-Pong-Epos liefert eine brillant erdachte Szene nach der anderen, von der jede die beste des Jahres sein könnte. Das Honigschlecken im Todeslager? Der Verkaufs-Pitch mit dem orangenen Ball? Die Tracht Prügel für Chalamet? Der Ping-Pong-Club als Mafia-Lounge? Sie verwöhnen uns, Mr. Safdie. Doch der Augen aufreißendste Moment sind vielleicht die animierten Opening Credits, die ein Spermienrennen zur Eizelle verfolgen – eine pseudo-realistische Version dessen, was Woody Allen in **Alles, was Sie schon immer über Sex wissen wollten** machte. Es knüpft an die Eröffnungsszene des Films an und steht, ohne zu viel zu verraten, in Verbindung mit dem Ende. Es ist lange her, dass mir im Kino tatsächlich die Kinnlade heruntergeklappt ist; wenn nichts anderes, signalisiert es, dass etwas… Ungewöhnliches… im Anmarsch ist.
—Andrew Pulver
**Der Heuboden – The Mastermind**
Viele von uns sahen in Josh O'Connor einen stummen Komiker, als er durch **La Chimera** wanderte, und in diesem Jahr sprang er in **Wake Up Dead Man** triumphierend in die Slapstick-Komödie. Doch als der glücklose Einbrecher JB in Kelly Reichardts wunderbarem **The Mastermind** ist er ein herrlich unaufdringlicher Clown. JB ist ein Jedermann auf der Jagd nach dem schnellen Geld, ein kleiner Mann, gehindert durch seine eigene Ungeschicktheit und bedrängt von Mächten außerhalb seiner Kontrolle. Ich liebte besonders die Szene, in der er sich auf einer wackligen Leiter in einem dunklen Schweinestall hochquält, um seine gestohlenen Gemälde auf einem Heuboden zu verstecken. Die Kamela verweilt auf der schwankenden Leiter und dem schnüffelnden Schwein darunter, während JB keucht und schnauft. Man weiß einfach, dass diese Leiter fallen wird, was alles über den wahrscheinlichen Erfolg seines Plans aussagt. Früher oder später wird dieser slapstickhafte Sisyphos flach auf dem Rücken im Schweinemist landen.
—Pamela Hutchinson
**Der Tanz – Sinners**
Ich stehe musikalischen Darbietungen in Filmen oft gleichgültig gegenüber; sie fangen selten die Magie von Live-Musik ein. Doch auf halbem Weg durch Ryan Cooglers Vampir-Thriller der 1930er Jahre, **Sinners**, singt Sammie (Miles Caton) in der Eröffnungsnacht des Juke Joints seiner Cousins ein eigenes Lied, **I Lied to You**. Was als standardmäßige Party-Einlage beginnt, wird zu einem verführerischen und erhabenen Herzstück. Mit dem Imax-Format der Kamerafrau Autumn Durald Arkapaw und Catons tiefer, buttriger Stimme scheint sich der Raum um Sammie zu biegen, sein Talent setzt die Gesetze der Physik außer Kraft. In einer einzigen opulenten, wirbelnden Einstellung erscheint eine futuristische, Bootsy Collins-ähnliche Figur, gefolgt von einem Zaouli-Tänzer, einem DJ, Memphis-Jookin-Tänzern und einer Ballerina – schwarze Vorfahren und Nachfahren der Partygäste, vereint unter einem Dach, herbeigerufen durch Sammies Lied. "Diese Musik gehört uns", sagt der legendäre Mundharmonikaspieler Delta Slim zu Sammie in einer Rückblende. "Wir haben sie mitgebracht..." Das Risiko, dass Coogler uns von zu Hause aus zuschauen lässt, geht wunderschön auf und bietet einen berauschenden Blick auf Transzendenz. Als ich es zum ersten Mal in einem vollen Kino sah, spürte ich, wie alle auf eine Weise völlig in den Bann gezogen wurden, die jetzt fast meta wirkt – die Kunst genießend, ihre Ekstase und ihren Trotz fühlend. Wie Slim es ausdrückte: "Sie ist heilig und groß." —Tammy Tarng
**Der Kampf – Splitsville**
Im vergangenen Spätsommer hörte ich kurz auf, den Tod der großen Kinokomödie zu beklagen. Diese Pause dauerte etwa 104 Minuten, als ich mich dabei erwischte, wie ich im Kino über die selbsternannte "unromantische Komödie" **Splitsville** tatsächlich laut lachte. Der Film ist sowohl absurd albern als auch treffend nachvollziehbar – ein chaotischer, nachdenklicher und doch verstörter Blick auf heterosexuelle Paare, die sich in der schönen neuen Welt der Nicht-Monogamie zurechtfinden. Während es viele großartige kleine Witze gab, ist mir der absurd in die Länge gezogene Kampf zwischen den zentralen Freunden, die zu Rivalen werden, besonders in Erinnerung geblieben, gespielt von den Drehbuchautoren Michael Angelo Covino und Kyle Marvin.
Seit **Bridget Jones** ist es ein einfacher Witz, höfliche Mittelschichtmänner zu verspotten, die sich prügeln, ohne zu wissen, was sie tun. Wenn dieser hier mit einer Ohrfeige beginnt, könnte man dasselbe abgedroschene Routine erwarten. Stattdessen sehen wir zwei Männer, die sehr wohl wissen, was sie tun – wenn auch chaotisch – und dabei ihre Freundschaft und das schöne Haus um sie herum in einem spektakulär gewalttätigen, brillant inszenierten Setpiece zerstören. Es ist eine frühe, entfesselte Erinnerung daran, dass hinter der glatten, selbstgefällig progressiven Fassade bestimmter "moderner" Paare Kleinlichkeit, Wut und der Wunsch stecken, seinen besten Freund in einer mit Fischen gefüllten Badewanne zu ertränken. —Benjamin Lee
**Das Stück – Hamnet**
Wochenlang habe ich alle, die ich kenne, gedrängt, **Hamnet** zu sehen, Chloé Zhaos Adaption von Maggie O'Farrells Roman. Es beweist, dass manchmal ein großartiges Ende einen ansonsten mittelmäßigen Film retten kann. Zhaos Film über Shakespeares Familienleben vor **Hamlet** hat Schwierigkeiten, ein idyllisches Märchen mit brutalem, schönem Realismus in Einklang zu bringen. Die distanzierte Romanze zwischen William (Paul Mescal) und Agnes (Jessie Buckley) stieß mich ab, dann fesselte mich die schonungslose Horror der letzten Stunden ihres Kindes, und später war ich lau gegenüber der biopic-artigen Behandlung der Trauer.
Aber das Ende! Das herausragende, umwerfende, bravouröse Ende – leichte Spoiler voraus –, in dem Agnes der Erstaufführung von **Hamlet** im Globe beiwohnt, rettet den gesamten Film und vollbringt das atemberaubende Kunststück, die Zeit kurzzeitig zusammenzustürzen. Während sie den Titelcharakter dem Tod gegenüberstehen sieht, greift Agnes nach ihrem verstorbenen Sohn; das Publikum, bewegt von der Aufführung, greift nach dem abtretenden Prinzen; und wir, die wir eine neue Interpretation eines 425 Jahre alten Stücks sehen, greifen nach derselben Frage, die alle Menschen verfolgt: Wie erträgt man es, wenn Leben bedeutet, die zu verlieren, die wir lieben? Ich verließ das Kino in Tränen, erneut daran erinnert, dass dieses Greifen – nach anderen, nach den Verlorenen, nach Verbindung, nach einem Moment der Transzendenz durch große Kunst – wirklich alles ist, was wir haben. —Adrian Horton
**Die Verfolgungsjagd – One Battle After Another**
Mitten in Paul Thomas Andersons neuestem Opus, nach Jahren eines unerkannten, von Marihuana durchtränkten Lebens fernab von allem, heizt sich die Lage für den ehemaligen Revolutionär Pat Calhoun in Form eines militarisierten Teams auf, das an Eis-Sturmtruppler erinnert. Es ist Zeit für ihn, wie der Teufel zu laufen.
Durch ein selbstgebautes Spinnenloch kriechend, taucht Pat wenige Meter von seinem Haus entfernt auf, schnappt sich schließlich ein Prepaid-Handy, bekommt Hilfe vom kampfbereiten Kampfsportlehrer seiner Teenager-Tochter (charmant gespielt von Benicio del Toro), versucht wiederholt, seine ehemaligen Revolutionskameraden anzurufen (wird aber abgewiesen, weil er das Passwort vergessen hat), schlendert durch eine Einwandererrazzia (inszeniert, um die Entführungsoperation gegen Pat zu tarnen), springt über Dächer und stolpert mindestens ein halbes Dutzend Mal über seine eigenen Füße. Auf einer Ebene ist diese Verfolgungsjagd außergewöhnliches Filmemachen. Sie ist choreografiert wie ein Ballett, vermischt Pathos, Hochseilakrobatik-Thrills und absurde Komödie zu einem Ganzen. Auf einer anderen Ebene ist sie zutiefst visionär, wie nur Filme es sein können, und fängt das Gefühl ein, 2025 in einem sich autoritär gebärdenden Amerika zu leben. Sie dient auch als Schaufenster für das Spätwerk von Leonardo DiCaprio und die kraftvolle Chemie, die er mit Del Toro teilt. Mit ihrer scheinbar endlosen Energie, ihrer paranoiden Fähigkeit, Unvereinbares zu kombinieren, ihrem Slapstick-Humor und ihrem finger-am-Puls-Realismus scheint dieses Segment von **One Battle After Another** dazu bestimmt, in Erinnerung zu bleiben. Es war der beste Teil eines der besten Filme des Jahres und etwas, über das ich noch lange nachdenken werde.
Die erste Hälfte von Spike Lees **Highest 2 Lowest** spielt sich größtenteils in der exklusiven Welt von David King ab, einem wohlhabenden, angesehenen und geselligen, aber sturen Musikmogul, gespielt von Denzel Washington. Er lebt mit seiner Familie in einem Penthouse in Dumbo, reist mit dem Privatwagen und arbeitet in einem Bürohochhaus auf Manhattan. Lee fängt diese Welt mit klarer, scharfer Digitalfotografie ein, die an Antiseptik grenzt, verstärkt durch statische und manchmal seltsam platzierte Kamerawinkel. Als jedoch ein Freund der Familie versehentlich anstelle von Davids Sohn entführt wird und er widerwillig zustimmt, das Lösegeld zu zahlen, ändert sich die visuelle Strategie des Films. Als David in Brooklyn in die U-Bahn steigt, um das Geld in der Bronx abzuliefern, wechselt Lee zu 16-mm-Zelluloid und fängt die weniger kontrollierte, vitale Energie einer vollen 6er-Linie ein, die sich durch mehrere Stadtteile schlängelt – an einem Tag, an dem zufällig sowohl ein Yankees-Spiel als auch die Puerto Rican Day Parade stattfinden. Davids abgeschottete Version von New York fällt von ihm ab. Es dauert eine ganze Weile, bis traditionelle Thriller-Action beginnt, doch in diesem Übergang vibriert der Film mit U-Bahn-ähnlicher Aufregung, als würde er gleich in Gesang ausbrechen. Vierzig Jahre in seiner Karriere findet Lee weiterhin neue Wege, seine Liebe zur Stadt und zum Kino auszudrücken.
Der iranische Filmemacher Jafar Panahi drehte **It Was Just an Accident** im Geheimen, seine übliche Methode, um der Zensur durch ein iranisches Regime zu widerstehen, das ihn kürzlich (in Abwesenheit) zu einem weiteren Jahr Gefängnis verurteilt hat. Dieser geheime Ansatz führte zu einem der überraschend subversivsten Momente des Films, festgehalten in einer Aufsicht, bei der das Filmteam von einem Dach aus aufzeichnet und Regie führt. In Panahs selbstreflektierender tragikomischer Allegorie darüber, wie die Menschen im Iran aus Unterdrückung und Trauma voranschreiten werden, springen die Insassen eines liegengebliebenen weißen Vans – darunter eine Braut in einem vollen weißen Kleid – in den Teheraner Verkehr, um das Fahrzeug anschieben. Sie sind in Panik, weil diese ehemaligen politischen Gefangenen einen entführten Mann, von dem sie glauben, dass er ihr Folterer war, betäubt und gefesselt im Heck haben. Der Moment kommt als freudiger, komischer Lichtblick von der Dringlichkeit der Erzählung. Doch er wird noch transzendenter, als Passanten, von denen laut Kameramann mindestens einer kein Schauspieler ist, den gestrandeten Passagieren zu Hilfe kommen. Es ist einer der vielen Risse zwischen Fiktion und Realität in **It Was Just an Accident**, ein kraftvolles und bescheidenes Bild der Hoffnung und Gemeinschaft, in dem die Menschen im Iran am politischen Widerstand des Films teilnehmen, ob sie es wissen oder nicht.
Vielleicht die faszinierendste und rätselhafteste Eröffnungsszene des Jahres war in Rungano Nyonis **On Becoming a Guinea Fowl**, einem Drama über Erinnerung und Versöhnung im heutigen Sambia. Der Film beginnt mit Susan Chardys städtischer Shula, die nachts allein auf einer dunklen Landstraße fährt. Sie trägt eine glitzernde Maske, als käme sie gerade von einer Party. Ein Maskenball, während die lebhafte Klassik-Nummer "Come on Home" der Lijadu Sisters fröhlich aus dem Radio dröhnt. Ihre angenehme, wenn auch seltsame Fahrt nimmt eine plötzlich dunkle Wendung, als sie eine Leiche entdeckt, die auf der Straße liegt. Was in Nyonis fesselndem Film folgt, ist düster, beklemmend und gelegentlich komisch. Diese Stimmung ist von Anfang an perfekt gesetzt, wenn traumhafter Surrealismus auf kalte, harte Realität trifft. —Richard Lawson
**Das "Skeeten" – Predators**
Zunächst untersucht David Osits Dokumentation das problematische Erbe von **To Catch a Predator**, der populären **Dateline NBC**-Sendung der mittleren 2000er Jahre, die pädophilie Männer in ein Haus mit versteckten Kameras lockte und sie bloßstellte, weil sie versuchten, sich mit minderjährigen Kindern zu treffen. Doch die Sendung ist nur der Ausgangspunkt für einen breiteren Blick auf eine Kultur des Missbrauchs und der Ausbeutung. Dies führt zu einem besonders packenden Segment über YouTube-Nachahmer, die die gleiche TV-Formel für das digitale Zeitalter adaptiert haben. In einer Szene fängt Osits Kamera ein chaotisches Sting-Operation in einem schäbigen Motel ein, in der Skeet Hansen, ein beliebter Moderator, aus einem Wandschrank platzt, um einen Mann zu konfrontieren, der glaubte, sich mit einem 14-jährigen Mädchen zu treffen. Der Mann ist von seinen Taten so zutiefst erschüttert, dass es Hansens triumphierendem "Gotcha"-Moment die Grundlage entzieht. Doch Hansen hat eine Marke zu wahren, was zur wohl komischst ernsthaften Aussprache seines Markenzeichens führt: "You've just been Skeeted." —Scott Tobias
Häufig gestellte Fragen
Natürlich. Hier ist eine Liste von FAQs zum filmischen Trend, Tanzen, Kämpfen und Romantik zu kombinieren, inspiriert von den unvergesslichen Film-Momenten des Jahres 2025.
Allgemein / Anfängerfragen
F: Was bedeutet "Tanzen, Kämpfen, Romantik" in Filmen?
A:
