En los primeros días del cine, la música era esencial para la experiencia del público, con un pianista u organista en vivo acompañando la película muda. Sin embargo, no fue hasta la llegada del sonido sincronizado que los espectadores pudieron contar con una presentación musical consistente.
Este cambio a menudo se remonta a **Don Juan** (1926), una película muda que no era una banda sonora propiamente dicha en el sentido moderno. Warner Bros. utilizó el sistema Vitaphone, que reproducía un disco grabado junto a la imagen. El mismo método se empleó para **El cantante de jazz** (1927), la primera película que sincronizó también voces. Dado que reproducir un disco era poco fiable, la industria pronto pasó a imprimir el sonido directamente en la propia película, dando origen a la banda sonora propiamente dicha.
La música cinematográfica tal como la conocemos se desarrolló rápidamente a principios de la década de 1930, gracias en gran parte a compositores emigrados europeos que trajeron influencias estilísticas y narrativas de la ópera, la sinfonía y el music hall. Les siguieron compositores de Tin Pan Alley y Broadway, enriqueciendo los cimientos musicales que definirían a Hollywood durante décadas. Hoy, casi un siglo después, la función básica de la banda sonora musical de una película sigue siendo en gran medida la misma. Pero, ¿qué partituras han hecho avanzar esta forma de arte y cambiado nuestra forma de escuchar el cine?
**Amanecer (1927)**
El director expresionista alemán F.W. Murnau realizó esta película ganadora del Oscar en Hollywood. Aunque se considera una película muda tardía por su uso de intertítulos, presentaba efectos de sonido y música sincronizados a través del innovador sistema Movietone de Fox. Por primera vez, el sonido de una película se imprimía directamente en el celuloide, permitiendo al público escuchar música grabada de compositores como Chopin y Gounod.
**King Kong (1933)**
El compositor de origen austriaco Max Steiner perfeccionó la función de una banda sonora con este clásico. Su meticuloso uso de la orquesta para moldear la narrativa, estructura, ambientación y emoción fue clave para el impacto de la película. **King Kong** sentó las bases de toda la música sinfónica cinematográfica de Hollywood que le siguió, y su influencia perdura.
**Ciudadano Kane (1941)**
Este fue el debut como director de Orson Welles y la primera banda sonora cinematográfica del compositor Bernard Herrmann. Ambos tenían experiencia en el drama radiofónico neoyorquino. En Hollywood, Herrmann destacó entre los compositores predominantemente europeos. Para **Ciudadano Kane**, evitó el típico estilo sinfónico "hollywoodiense" y en su lugar creó un mundo sonoro único que enfatizaba el estado de ánimo y la atmósfera.
**Semilla de maldad (1955)**
Esta película asestó uno de los primeros golpes importantes a la música sinfónica cinematográfica tradicional. MGM licenció "Rock Around the Clock" de Bill Haley and His Comets como tema musical principal para una historia sobre adolescentes rebeldes en una escuela del centro de la ciudad. La popularidad de la canción causó revuelo entre los padres preocupados, se convirtió en un éxito mundial y mostró a los estudios cómo la música podía usarse para comercializar sus películas. Esto allanó el camino para las bandas sonoras de jazz.
**Planeta prohibido (1956)**
Años antes del BBC Radiophonic Workshop, los pioneros Louis y Bebe Barron creaban sonidos experimentales utilizando cinta magnética. Si bien Hollywood ya había experimentado con instrumentos electrónicos como el theremín —utilizado por compositores como Dimitri Tiomkin—, **Planeta prohibido** presentó una revolucionaria banda sonora completamente electrónica. **La cosa de otro mundo** y la partitura de Bernard Herrmann para **Ultimátum a la Tierra** (ambas de 1951) utilizaron sonidos innovadores. Sin embargo, para **Planeta prohibido**, Louis y Bebe Barron crearon la primera banda sonora cinematográfica completamente electrónica. Su mezcla de efectos de sonido y música sorprendió y deleitó al público, inspirando a una nueva generación de compositores.
Para la década de 1960, la música pop y el jazz se habían infiltrado por completo en las bandas sonoras cinematográficas, siendo el compositor Henry Mancini uno de sus mayores defensores. Para **Desayuno con diamantes** (1961), Mancini deleitó a los productores al crear no solo la exitosa canción "Moon River", sino también una partitura que capturaba perfectamente su época. Mancini tenía un don para el "pop sinfónico", fusionando la melodía tradicional con sonidos contemporáneos y animados. Sus partituras para películas como **¡Hatari!** (1962), **Charada** (1963) y **La pantera rosa** (1963) se beneficiaron de esta fusión musical.
Un giro del destino nos dio una de las bandas sonoras cinematográficas más brillantes e impactantes de todos los tiempos para **2001: Una odisea del espacio** (1968). Aunque el compositor Alex North escribió una partitura original para la obra maestra de ciencia ficción de Stanley Kubrick, el director finalmente la descartó, habiéndose encariñado con las piezas clásicas que usó temporalmente. Aunque uno simpatiza con North, es difícil imaginar la enigmática película de Kubrick sin su poderosa mezcla de música de Ligeti, Richard Strauss, Khachaturian y Johann Strauss II.
Antes de **Star Wars**, George Lucas tuvo otro éxito con **American Graffiti** (1973). La película captura una noche en la vida de adolescentes californianos mientras escuchan rock 'n' roll, hacen carreras de autos y reflexionan sobre la vida y el amor. Con más de 40 canciones cuidadosamente ubicadas de la época, escuchadas a través de radios de coches y en cafeterías, la popularidad de la película y su álbum de banda sonora que encabezó las listas inspiraron una nueva ola de bandas sonoras impulsadas por canciones.
Mientras que **American Graffiti** de Lucas desafió la música sinfónica cinematográfica, su éxito de ciencia ficción de 1977 **Star Wars: Una nueva esperanza** la revitalizó. Por recomendación de Steven Spielberg, Lucas se acercó al compositor John Williams para escribir música para lo que se concibió como un cariñoso pastiche de una época pasada. Williams creó una partitura sinfónica a la antigua con guiños juguetones a Holst, Walton y Korngold, logrando finalmente que Hollywood y el público se enamoraran nuevamente de la orquesta sinfónica.
Hans Zimmer revolucionó la música cinematográfica de Hollywood, y **Crimson Tide** (1995) representa la cúspide de ese cambio. Mostró el sonido masivo y poderoso que se convertiría en su sello distintivo. Si bien la música electrónica siempre fue central en el arte de Zimmer, su fusión con el peso emocional de la orquesta en vivo y el coro, como se escucha aquí, se volvió única en él, y con ella nació el sonido de la música cinematográfica moderna de Hollywood.
Michael Beek es el director artístico del London Soundtrack Festival, que se celebra del 9 al 12 de abril.
**Preguntas frecuentes**
Por supuesto. Aquí hay una lista de preguntas frecuentes sobre el tema "Pioneros, trompetas y el theremín: 10 bandas sonoras que transformaron cómo escuchamos las películas", diseñada para cubrir una variedad de preguntas desde principiante hasta avanzado.
**Preguntas generales / para principiantes**
1. **¿De qué trata realmente esta lista?**
Se trata de 10 bandas sonoras cinematográficas específicas que fueron innovadoras. Introdujeron nuevos instrumentos, técnicas de grabación o estilos compositivos que cambiaron permanentemente cómo se usa la música y el sonido en el cine.
2. **¿Por qué se mencionan "pioneros, trompetas y el theremín" en el título?**
Estos son ejemplos de las innovaciones cubiertas: los pioneros (compositores), las trompetas (instrumentos orquestales tradicionales) y el theremín (instrumento electrónico innovador).
3. **¿Qué es un theremín y por qué es importante para el cine?**
El theremín es uno de los primeros instrumentos electrónicos, que se toca sin contacto físico. Su sonido etéreo y ondulante se volvió sinónimo de la ciencia ficción de los años 50, mostrando que los cineastas podían usar sonidos no convencionales para crear estados de ánimo específicos.
4. **¿Puedes darme un ejemplo claro de una banda sonora que transformó las cosas?**
Sí, **Tiburón**. John Williams usó un simple motivo de dos notas repetido, tocado en la tuba y el contrabajo, para representar al tiburón. Esto demostró que una idea rítmica minimalista podía ser más aterradora e icónica que una partitura melódica tradicional.
5. **¿Cuál es el beneficio de entender estas bandas sonoras transformadoras?**
Te ayuda a escuchar las películas de manera más activa. Comenzarás a notar cómo la música manipula tus emociones, genera tensión y se convierte en un personaje en sí misma, profundizando tu apreciación del cine como forma de arte.
**Preguntas intermedias / avanzadas**
6. **Más allá del theremín, ¿cuáles son otras innovaciones clave de instrumentos en las bandas sonoras cinematográficas?**
El Mellotrón, el uso inquietante de las ondas Martenot, la integración de sintetizadores completos y el uso de instrumentos no occidentales para definir el mundo de una película.
