I filmens tidiga dagar var musik avgörande för publikens upplevelse, med en levande pianist eller organist som ackompanjerade den stumma filmen. Det var dock först med ljudfilmen som åskådarna kunde vara säkra på en konsekvent musikpresentation.
Denna förändring spåras ofta till 1926 års **Don Juan**, en stumfilm som inte hade en riktig soundtrack i modern mening. Warner Bros. använde Vitaphone-systemet, som spelade en inspelad skiva tillsammans med bilden. Samma metod användes för 1927 års **The Jazz Singer**, den första filmen som även synkroniserade röster. Eftersom skivuppspelning var opålitlig gick branschen snart över till att trycka ljud direkt på filmremsan, vilket gav upphov till den riktiga soundtracken.
Filmusik som vi känner den utvecklades snabbt i början av 1930-talet, till stor del tack vare europeiska emigrerade kompositörer som tog med stilistiska och berättande influenser från opera, symfoni och varieté. Låtskrivare från Tin Pan Alley och Broadway följde efter och berikade den musikaliska grunden som skulle definiera Hollywood i decennier framöver. Idag, nästan ett sekel senare, är den grundläggande rollen och funktionen hos en films musikaliska soundtrack i stort sett densamma. Men vilka partitur har fört konstformen framåt och förändrat hur vi lyssnar på filmer?
**Sunrise: A Song of Two Humans (1927)**
Den tyske expressionistiske regissören F.W. Murnau gjorde denna Oscarsbelönade film i Hollywood. Även om den anses vara en sen stumfilm på grund av dess användning av textkort, innehöll den synkroniserade ljudeffekter och musik genom Fox innovativa Movietone-system. För första gången var en films ljud tryckt direkt på filmen, vilket gjorde att publiken kunde höra inspelad musik av kompositörer som Chopin och Gounod.
**King Kong (1933)**
Den österrikiskfödde kompositören Max Steiner förfinade funktionen av ett filmpartitur med denna klassiker. Hans noggranna användning av orkestern för att forma berättelse, struktur, miljö och känsla var nyckeln till filmens genomslag. **King Kong** lade grunden för all symfonisk Hollywood-filmmusik som följde, och dess inflytande består.
**Citizen Kane (1941)**
Detta var Orson Welles regidebut och kompositören Bernard Herrmanns första filmpartitur. Båda hade bakgrund inom New York-radiodrama. I Hollywood utmärkte sig Herrmann bland de övervägande europeiska kompositörerna. För **Citizen Kane** undvek han den typiska "Hollywood"-symfoniska stilen och skapade istället en unik ljudvärld som betonade stämning och atmosfär.
**Blackboard Jungle (1955)**
Denna film utdelade ett av de första stora slagen mot traditionell symfonisk filmmusik. MGM licensierade Bill Haley and His Comets "Rock Around the Clock" som huvudmusiktema för en historia om upproriska tonåringar i en innerstadsskola. Sångens popularitet väckte uppståndelse bland oroliga föräldrar, blev en global hit och visade studior hur musik kunde användas för att marknadsföra sina filmer. Detta banade väg för jazzpartitur.
**Forbidden Planet (1956)**
År före BBC Radiophonic Workshop skapade pionjärerna Louis och Bebe Barron experimentella ljud med hjälp av magnetband. Medan Hollywood tidigare hade experimenterat med elektroniska instrument som theremin – använd av kompositörer som Dimitri Tiomkin – hade **Forbidden Planet** ett banbrytande helt elektroniskt partitur. **The Thing from Another World** och Bernard Herrmanns partitur för **The Day the Earth Stood Still** (båda 1951) använde innovativa ljud. För **Forbidden Planet** skapade dock Louis och Bebe Barron det första helt elektroniska filmpartituret. Dess blandning av ljudeffekter och musik överraskade och förtjuste publiken och inspirerade en ny generation kompositörer.
Vid 1960-talet hade popmusik och jazz helt infiltrerat filmmusiken, med kompositören Henry Mancini som en av dess största förespråkare. För **Breakfast at Tiffany’s** (1961) förtjuste Mancini producenter genom att inte bara skapa hitsången "Moon River", utan också ett partitur som perfekt fångade sin era. Mancini hade en känsla för "symfonisk pop", som förenade traditionell melodi med samtida uppslående ljud. Hans partitur för filmer som **Hatari!** (1962), **Charade** (1963) och **The Pink Panther** (1963) gynnades alla av denna musikaliska fusion.
Ett ödesdigert sammanträffande gav oss en av de mest briljanta och inflytelserika filmmusikerna genom tiderna för **2001: A Space Odyssey** (1968). Även om kompositören Alex North skrev ett originalpartitur för Stanley Kubricks sci-fi-mästerverk, skrotade regissören det till slut, efter att ha blivit förtjust i de klassiska stycken han använde tillfälligt. Medan man sympatiserar med North är det svårt att föreställa sig Kubricks gåtfulla film utan dess kraftfulla blandning av musik av Ligeti, Richard Strauss, Chatjaturjan och Johann Strauss den yngre.
Innan **Star Wars** hade George Lucas en annan hit med **American Graffiti** (1973). Filmen fångar en natt i Kalifornientonåringars liv när de lyssnar på rock 'n' roll, kör bilrace och funderar på livet och kärleken. Med mer än 40 noggrant placerade låtar från eran, som hörs genom bilradion och på diners, inspirerade filmens popularitet och topplistade soundtrackalbum en ny våg av låtdrivna soundtrack.
Medan Lucas **American Graffiti** utmanade symfonisk filmmusik, återupplivade hans sci-fi-succé från 1977 **Star Wars: A New Hope** den. På Steven Spielbergs rekommendation vände sig Lucas till kompositören John Williams för att skriva musik till vad som var tänkt som en kärleksfull pastisch av en svunnen era. Williams skapade ett gammaldags symfoniskt partitur med lekfulla nickar till Holst, Walton och Korngold, och fick till slut Hollywood och publiken att återigen förälska sig i symfoniorkestern.
Hans Zimmer revolutionerade Hollywoods filmmusik, med **Crimson Tide** (1995) som kulmen på den förändringen. Den visade upp det massiva, kraftfulla ljud som skulle bli hans signatur. Medan elektronisk musik alltid var central för Zimmers konstnärskap, blev hans fusion av den med den känslomässiga tyngden från levande orkester och kör, som hörs här, unikt hans egen – och med det föddes det moderna Hollywood-filmmusikens ljud.
Michael Beek är konstnärlig ledare för London Soundtrack Festival, som äger rum 9-12 april.
Vanliga frågor
Såklart Här är en lista med vanliga frågor om ämnet Banbrytare Trumpeter och Thereminen 10 Soundtracks som Förändrade Hur Vi Hör Filmer utformad för att täcka ett spektrum av frågor från nybörjare till avancerade
Allmänt Nybörjarfrågor
1 Vad handlar den här listan egentligen om
Den handlar om 10 specifika filmmusiker som var banbrytande De introducerade nya instrument inspelningstekniker eller kompositionsstilar som permanent förändrade hur musik och ljud används i film
2 Varför nämns banbrytare trumpeter och thereminen i titeln
Detta är exempel på innovationerna som täcks Banbrytare Trumpeter och Thereminen
3 Vad är en theremin och varför är den viktig för film
Thereminen är ett av de första elektroniska instrumenten som spelas utan fysisk kontakt Dess kusliga svävande ljud blev synonymt med 1950-talets science fiction och visade att filmskapare kunde använda okonventionella ljud för att skapa specifika stämningar
4 Kan du ge mig ett tydligt exempel på en soundtrack som förändrade saker
Ja Hajen John Williams använde ett enkelt upprepande tvåtonsmotiv spelat på tuba och kontrabas för att representera hajen Detta visade att en minimalistisk rytmisk idé kunde vara mer skrämmande och ikonisk än ett traditionellt melodiskt partitur
5 Vad är fördelen med att förstå dessa transformerande soundtracks
Det hjälper dig att lyssna på filmer mer aktivt Du kommer att börja märka hur musik manipulerar dina känslor bygger upp spänning och blir en karaktär i sig vilket fördjupar din uppskattning för film som konstform
Mellannivå Avancerade frågor
6 Bortom thereminen vilka är andra viktiga instrumentinnovationer i filmmusik
Mellotronen den kusliga användningen av ondes Martenot integrationen av fullskaliga synthesizers och användningen av icke-västerländska instrument för att definiera en films värld
