Même dans les années 1990, certains ont rejeté Jake et Dinos Chapman comme des adolescents attardés vendant du sensationnalisme pour le sensationnalisme. Pourtant, leur travail est ce qui se rapproche le plus de donner à cette exposition déprimante et superficielle un moment de véritable profondeur. Leur sculpture Great Deeds Against the Dead, basée sur une gravure de Goya dépeignant les atrocités des guerres napoléoniennes, montre des cadavres nus démembrés et sanglants suspendus à un arbre. Elle soulève des questions sur la guerre et l'art, sur la manière dont la douleur est représentée, et sur la question de savoir si l'art peut servir un objectif moral. Le meilleur art britannique des années 1990 était comme cela : effronté, vulgaire et macabre en surface, mais étonnamment intelligent et émotionnel en dessous. Malheureusement, cette exposition n'est rien de tout cela.
On pourrait penser que Tate Britain voudrait rendre justice à une décennie dans laquelle ces galeries de Millbank ont joué un rôle de premier plan, accueillant le Turner Prize les années où des vaches coupées en deux, des maisons en béton et du fumier d'éléphant ont fait débattre la nation. Au début des années 1990, personne ne considérait la Grande-Bretagne comme un leader de l'art contemporain. Au tournant du millénaire, nous étions plus connus pour notre art nouveau que pour nos nouveaux romans.
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Inoffensif … Two Similar Swimming Forms in Endless Motion (Broken), 1993, de Damien Hirst. Photographie : Damien Hirst and Science Ltd/DACS Images
Une exposition qui revisiterait de manière spectaculaire l'art britannique de la fin de siècle serait une perspective intéressante. Au lieu de cela, l'ancien rédacteur en chef de Vogue, Edward Enninful, a été invité à mettre en scène sa propre version fantasmée de cette décennie, mêlant art et mode avec une forte insistance sur la mode. Il y a plus de choses sur Isabella Blow que sur Rachel Whiteread, qui est représentée par un premier moulage de l'intérieur d'une bouillotte. Damien Hirst a quelques petits requins d'apparence inoffensive en équilibre sur un rail circulaire. À partir de cela, il est impossible de comprendre comment son premier travail semblait affronter la gueule béante de la mort du requin-tigre. Peut-être que son art des années 1990 peut encore nous émouvoir, ou peut-être est-il devenu ridicule avec le temps, mais il n'y en a pas assez ici pour même commencer à en décider.
Ce n'est pas une vraie exposition. C'est une double page de magazine. Non seulement il y a des magazines de mode dans l'exposition, mais son design a la superficialité essoufflée d'une mise en page glacée vantant son thème facile — en l'occurrence, « Les années 90 » — à travers un balayage glamour d'images saisissantes juxtaposées. Mais placer la photographie de mode aux côtés de l'art conceptuel est une terrible idée. Si vous prenez les images de mode au sérieux, vous réduisez l'art à une simple pose stylée. Si, comme moi, vous vous souciez de l'art, la mode semble assez vide.
La photographie de Juergen Teller de 1996 Kristen McMenamy No 3 est accrochée à côté de l'œuvre de Sarah Lucas de 1997 Chicken Knickers. L'image de Teller montre son sujet nu et fumant, avec un cœur au rouge à lèvres dessiné sur son corps contenant le mot « Versace ». Que dit-elle d'autre que « Achetez Versace » ? Regardez maintenant la photographie de Lucas d'un poulet cru collé à la culotte de quelqu'un. C'est drôle — une grande action contre un poulet mort, d'une artiste au génie de l'étrangeté, comme vous le rappelle une sculpture de Lucas d'un « Bunny » sur une chaise aux jambes fines et gainées.
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Un génie de l'étrangeté … Chicken Knickers, 1997, de Sarah Lucas. Photographie : Tate Photography/Avec l'aimable autorisation de l'artiste et Sadie Coles HQ, Londres
Teller est démasqué comme un simple styliste habile dont les images manquent de poésie ou de sens. Son portrait de Kate Moss n'a ni la distance ni le mystère de la peinture de Gary Hume la représentant avec un visage brillant, métallique et réfléchissant. Hume offre l'un des rares moments où mode et art se chevauchent véritablement — mais en tant que pop art, sa Kate est plus un commentaire sinistre, à la Richard Hamilton, sur la célébrité qu'une célébration de la Cool Britannia.
Non pas que l'exposition ait beaucoup à dire sur ce bouillonnement pop-culturel plus large. Il y a une salle entière remplie de photos de fêtes dépeignant la scène des clubs, mais un autre point des années 90 était sûrement que la pop britannique grand public a été revitalisée. Je suppose qu'Enninful est trop sophistiqué pour trouver de la place pour Oasis ou Blur, et encore moins pour Fat Les.
Au lieu de cela, nous avons de la couture. On peut évidemment voir Alexander McQueen comme un artiste. Mais honnêtement, la salle dédiée à l'« horreur corporelle » est dominée par ses costumes, qui sont simplement affectés et prétentieux. S'ils expriment quelque chose, c'est peut-être une haine des femmes, qu'il forçait à défiler sur les podiums dans des tenues faites de fils de fer et de bouquets d'acier. Dans la même salle, des images pompeuses et affreuses prises par Sean Ellis pour The Face couvrent un mur entier. À côté de celles-ci, Jake et Dinos semblent remarquablement profonds.
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Images pompeuses et affreuses … The Dark Knight Returns, de Sean Ellis pour The Face, 1998. Photographie : © Sean Ellis
D'autres artistes plasticiens ne s'en sortent pas aussi bien. Helen Chadwick a droit à deux œuvres photographiques étranges symboliques, tandis que l'art obsédé par la mort de Hamad Butt, magnifiquement exposé à Whitechapel il n'y a pas longtemps, est entassé à la fin de la galerie. Chris Ofili est mentionné avec No Woman, No Cry ; Tracey Emin a une pièce au néon. D'autres artistes sont remarquables par leur absence, de Jeremy Deller à Mat Collishaw en passant par la regrettée Christine Borland.
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Fêtes endiablées, loyers bon marché et appartements affreux : comment l'art et la mode des années 90 ont redéfini la culture britannique
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Ou est-ce que je me trompe ? Le Young British Art mérite-t-il vraiment le traitement dédaigneux que Tate lui réserve, même si Tate a si bien profité de ces artistes ? C'était peut-être vraiment un tas de bêtises. Mais même si vous ne partagez pas ma conviction que certains des arts de cette époque sont puissants et durables, cela mérite sûrement assez d'espace pour être vu et jugé.
Après seulement sept salles, cela se termine soudainement. J'espérais que ce que j'avais vu était un prologue à plus d'art, à un art plus grand, avec assez d'espace pour l'apprécier. Mais non. C'est tout. Vous partez aussi insatisfait qu'après avoir feuilleté un exemplaire de The Face vieux de 30 ans dans une salle d'attente de dentiste. The 90s est à la Tate Britain, Londres, du 8 octobre 2026 au 14 février 2027.
Questions fréquemment posées
FAQ Critique de l'art et de la mode des années 90 : Ce n'est pas une exposition, c'est une double page de magazine
1 De quoi parle la critique de l'art et de la mode des années 90
C'est une critique d'un projet ou d'une exposition qui prétend explorer l'art et la mode des années 1990. Le critique soutient que ce n'est pas une vraie exposition — c'est plus comme une double page de magazine glacée, tout en style et sans profondeur
2 Que signifie « ce n'est pas une exposition, c'est une double page de magazine »
Cela signifie que la présentation est jolie mais manque de recherche, de contexte et de sens qu'une vraie exposition devrait avoir. C'est plus une question de visuels et d'ambiance que d'idées
3 Pourquoi une exposition serait-elle qualifiée de double page de magazine
Parce qu'elle est agencée comme un éditorial de mode — des images soigneusement stylisées, des noms célèbres et une esthétique tendance — mais sans la narration ou l'érudition d'une exposition muséale
4 Est-ce une mauvaise chose
Pas toujours. Une double page de magazine peut être amusante et visuellement excitante. La critique est qu'elle est présentée comme quelque chose de plus profond — une exposition — alors qu'elle ne l'est pas
5 Quelle est la différence entre une exposition et une double page de magazine
Une exposition a généralement un argument clair, de la recherche et du contexte. Une double page de magazine privilégie les images, l'ambiance et l'attrait commercial
6 À quoi ressemblaient la scène artistique et la mode dans les années 1990
C'était un mélange de grunge, de minimalisme, de streetwear et de haute couture. Les artistes et les designers se croisaient beaucoup — pensez à Helmut Lang, Maison Margiela et des photographes comme Corinne Day
7 Pourquoi l'art et la mode des années 1990 sont-ils si populaires aujourd'hui
La nostalgie. L'époque semble brute et authentique à beaucoup de gens, et ses styles — jeans baggy, robes slip, minimalisme — ne cessent de revenir
8 Quels sont les problèmes courants des expositions sur le thème des années 90
Elles s'appuient souvent sur des clichés et omettent la politique, l'économie et les voix diverses de la décennie
9 Pouvez-vous donner un exemple d'une bonne exposition d'art et de mode des années 1990
The Fashion World of Jean Paul Gaultier ou In America: A Lexicon of Fashion ont bien géré le contexte et l'artisanat. Des expositions plus petites dans des lieux comme le Fashion Institute of Technology font aussi cela
