Voici la traduction en français du texte fourni :
Le Centre d'Illustration Quentin Blake, qui ouvre le mois prochain à Clerkenwell à Londres, est réparti dans un vaste complexe industriel du XVIIe siècle. Il est présenté comme la plus grande institution de ce type au monde — un foyer national permanent pour une forme d'art qui influence tout, des livres pour enfants et des dessins de presse à l'animation, la mode, la publicité et la culture numérique. À la fois musée, galerie et laboratoire créatif, le centre est un effort remarquable pour sortir l'illustration de l'ombre et la placer enfin au cœur de la vie culturelle britannique.
Voir l'image en plein écran
Le Gruffalo de Julia Donaldson et Axel Scheffler. Illustration : Axel Scheffler
À terme, le centre abritera l'immense archive de Blake : 40 000 dessins de l'un des artistes les plus célèbres et immédiatement reconnaissables du Royaume-Uni. Aujourd'hui âgé de 93 ans, Blake a passé 75 ans à donner vie aux mots de certains de nos auteurs les plus aimés. Roald Dahl est le plus important, bien sûr — on ne peut pas penser à Dahl sans imaginer les dessins vifs à la plume de Blake — mais la liste inclut également Michael Rosen, John Yeoman, Sylvia Plath et Voltaire, ainsi que les propres livres de Blake. En d'autres termes, il est difficile de trouver quelqu'un ayant la même autorité.
« Il faut faire davantage pour reconnaître l'importance de toute illustration en tant que forme d'art », explique Blake. « Ce qui est particulièrement merveilleux, c'est que c'est un langage que tout le monde comprend. »
Pendant des années, les illustrateurs ont été négligés, considérés comme des personnes qui viennent décorer après la construction de la maison. Mais cela ne pourrait pas être plus éloigné de la vérité. Quand vous pensez aux Deux Gredins, vous imaginez probablement les dessins sauvages et griffonnés de Blake. Imaginer Funnybones, c'est voir les images trompeusement simples de Janet Ahlberg avant les mots d'Allan Ahlberg. Allez sur l'une des promenades du Gruffalo de Forestry England, et ce sont les designs d'Axel Scheffler — pas le texte de Julia Donaldson — qui vous sautent aux yeux entre les arbres.
« Nous sommes un peu dans l'ombre », dit Scheffler. « Nos livres sont appelés livres d'images, donc nous sommes une partie importante du processus. C'est une forme d'art très sous-estimée, l'auteur et l'illustrateur créant quelque chose ensemble. C'est difficile à séparer. »
« Le temps le plus court que j'aie jamais passé à écrire un livre d'images a été une heure, en le tapant sur mon téléphone dans un avion », dit l'auteure-illustratrice Sarah McIntyre. « Mais il faut toujours au moins trois ou quatre mois de travail intensif pour l'illustrer — neuf heures ou plus par jour, six jours par semaine. »
Voir l'image en plein écran
Oi Frog! de Kes Gray. Illustration : Jim Field 2014
McIntyre a fait plus que la plupart pour souligner à quel point les illustrateurs sont négligés. Il y a dix ans, elle a lancé la campagne Pictures Mean Business pour pousser les illustrateurs à obtenir le crédit approprié pour leur travail. Ce faisant, elle a aidé à clarifier un malentendu sur ce qu'est vraiment un livre d'images.
En ayant écrit moi-même, je sais à quel point ils sont spécifiques. Presque toujours de 32 pages, et presque toujours lus à un enfant par un adulte avant que l'enfant ne sache lire seul, la plupart des livres d'images existent au point exact où le texte et l'illustration se rencontrent. Retirez l'une ou l'autre partie, et le tout s'effondre.
« Je pense qu'illustrer une histoire est l'un des instincts humains les plus fondamentaux », dit Huw Aaron, dont le livre Sleep Tight, Disgusting Blob a remporté le prix du livre pour enfants Waterstones cette année. « Nous ne savons pas si les gens dansaient ou chantaient il y a 40 000 ans, mais nous savons qu'ils faisaient des bandes dessinées sur des gens poursuivant des vaches, parce qu'elles sont partout sur les parois des grottes. »
Les choses qu'un illustrateur peut faire à un texte sont aussi variées que merveilleuses. Jim Field, illustrateur de Oi Frog! de Kes Gray et de The Lion Inside de Rachel Bright, voit l'illustration comme une couche supplémentaire. « Je n'essaie pas de faire exactement ce que les mots disent », dit-il. « J'essaie d'intégrer des sous-intrigues supplémentaires ou de permettre au lecteur d'en apprendre davantage sur le personnage. »
Matty Long, créateur de Super Happy Magic Forest — une série qui est passée des livres d'images aux romans illustrés puis à la télévision — le dit encore plus crûment. « Si les mots ne font que décrire l'image, alors pourquoi avoir des mots du tout ? » dit-il. « Je veux que les images fassent la majeure partie de la narration. »
[Image : I Want My Hat Back de Jon Klassen. Illustration : Walker Publishers / Jon Klassen]
Mais parfois, un illustrateur peut aller encore plus loin. Dans I Want My Hat Back, Jon Klassen réussit le tour de magie de raconter deux histoires différentes à la fois. Lu sans les images, le livre parle simplement d'un ours qui demande en vain son chapeau perdu. Mais les illustrations ajoutent un contexte qui contredit légèrement cela. L'ours, si poli dans le texte, est en réalité animé par une vengeance meurtrière.
« Il semble que ce soit là que la vérité de la chose devrait résider », dit Klassen à propos de la tension entre les mots et les images. « Je finis généralement par mettre une demi-vérité dans les mots, ou par en omettre beaucoup. Je pense que cela fonctionne bien avec les enfants parce que, quand le texte est clairement faux, ils peuvent voir que les images disent la vérité. »
Bien avant qu'un enfant ne puisse déchiffrer des mots écrits, il a déjà beaucoup appris sur le monde à travers les images. « J'ai vu Quentin Blake parler de littératie visuelle, et il a illustré cela brillamment », explique Ed Vere, créateur de Waffles & Julius et illustrateur qui a passé des années à travailler avec des enseignants via son programme Power of Pictures. « Il a demandé à des enfants ce que signifiait "indigné". Bien sûr, personne ne le savait. Puis il a rapidement dessiné une vieille dame indignée, et chaque enfant a compris exactement. Ce n'était pas juste "en colère" ou l'une de ces émotions en noir et blanc. Ils ont tous saisi les subtilités de son dessin. »
Pour Sophy Henn, créatrice de la série Happy Hills, c'est pourquoi l'idée que les livres d'images ne sont qu'un tremplin vers les "vrais" livres est si erronée. En recevant deux flux d'information, dit-elle, « vous apprenez la conscience émotionnelle, vous apprenez l'empathie, vous apprenez à penser de manière critique. Dans le monde d'aujourd'hui, c'est incroyablement important. J'aimerais que plus de gens sachent que les livres d'images sont en fait une forme de lecture plus complexe. »
[Image : Sleep Tight, Disgusting Blob de Huw Aaron. Illustration : Huw Aaron]
« Les enfants ont les esprits les plus sophistiqués », dit Lauren Child, créatrice de Charlie et Lola. « Ils sont peut-être petits, mais ce sont de très grands penseurs. Ils sont tellement intelligents visuellement d'une manière que les adultes ne sont pas. Nous utilisons des indices visuels et l'esthétique toute notre vie, mais nous perdons cette acuité que nous avions à notre arrivée. »
Un livre d'images pourrait être la première fois qu'un enfant peut identifier et nommer une grande émotion qu'il ressent. Le livre de Nadia Shireen Barbara Throws a Wobbler utilise des images lumineuses et colorées pour montrer des sentiments qui vont au-delà du mot écrit. « Il y a une partie dans le livre où Barbara parle réellement au Wobbler, et cela devient très métaphysique », dit-elle. « J'ai dû demander à mon éditeur : "Est-ce que c'est fou ? Est-ce qu'on attend d'enfants de trois ans qu'ils fassent un voyage psychologique ?" »
Parfois, l'illustration peut même transformer un livre en outil de narration, permettant aux enfants de devenir co-auteurs. Dans Splat! de Jon Burgerman, par exemple, les lecteurs peuvent bombarder le personnage principal au visage avec de nouveaux objets dégoûtants à chaque page tournée. « Je voulais faire un livre qui ne pouvait être qu'un livre », dit Burgerman. « J'ai vraiment célébré la forme du livre d'images, et je voulais créer quelque chose qui ne pouvait être fait d'aucune autre manière. »
Pendant ce temps, Is This a Plum? de Dan Ojari et son fils Finn utilise intelligemment des découpes pour cacher des objets à la vue de tous. « Quelqu'un m'a envoyé une vidéo de son enfant, qui ne sait pas encore lire, et il raconte l'histoire à ses parents parce que les mots sont si simples », dit Ojari. « Cela donne ce sentiment de "j'en sais plus que mon parent, et je vais le piéger". »
Si tout cela rend l'illustration de livres d'images assez impressionnante, le processus lui-même commence souvent de la manière la moins impressionnante qui soit : par un gribouillage. « Le dessin doit venir en premier », dit Long, montrant une esquisse précoce d'un personnage de Super Happy Magic Forest qui, même à son stade précoce, parvient à capturer tous les traits clés de la personnalité du personnage. « Je dois me convaincre qu'il y a une idée qui vaut la peine d'être poursuivie, et je le fais à travers le dessin. »
« J'ai dessiné la première image d'Hiccup il y a 30 ans. Cela a mené à 12 livres, une série de films et un parc à thème. Juste un petit dessin au crayon ! » dit Cressida Cowell à propos de Comment dresser votre dragon.
Sue Hendra fait de même, me montrant sa première esquisse du personnage Supertato, qu'elle a créé avec Paul Linnet et transformé en un mini empire de 15 livres et plus. Son esquisse montre une pomme de terre volant au-dessus d'une ville. Incertains d'écrire un livre sur ce qui ressemble à une pomme de terre apocalyptiquement grande, l'esquisse leur a appris qu'ils devaient repenser le monde de Supertato. « Paul a suggéré un supermarché, parce que c'est une ville miniature avec des produits du monde entier qui arrivent. Cela a créé une belle limite qui semblait vraiment sûre et sécurisante. »
« Si j'avais mon carnet, je vous montrerais la première image d'Hiccup que j'ai dessinée il y a 30 ans », dit Cressida Cowell, auteure et illustratrice de la série Comment dresser votre dragon. « C'était ce petit Viking essayant d'être à la hauteur de son père. C'était la toute première graine de quelque chose qui a grandi pour devenir 12 livres, une série de films et un parc à thème. Juste un petit dessin au crayon ! »
Les personnages sont aussi tout pour Jamie Smart, dont les livres Bunny vs Monkey sont au cœur du boom actuel des bandes dessinées dans l'édition. Leur attrait est énorme, et une grande partie vient de la facilité avec laquelle les personnages sont à recréer. « Quand je fais des ateliers pour enfants, je commence toujours par le tout début. Je dis : "Dessinez un carré et dessinez un cercle, et maintenant vous pouvez à peu près dessiner n'importe quel personnage de Bunny vs Monkey" », dit-il. « Pour un enfant, raconter des histoires peut être assez intimidant parce qu'il faut connaître tous les mots dont on aura besoin. Mais si vous pouvez raconter une histoire avec quelques lignes et un visage souriant, quel cadeau. »
Sans doute, personne ne le sait mieux que Rob Biddulph, dont les vidéos Draw With Rob — apprenant aux enfants étape par étape à copier son artwork — ont fait de lui un trésor national pendant le confinement. « Je pense que c'est la chose dont je suis le plus fier dans ma carrière », dit-il. « Bien sûr, c'était sur un écran, mais vous pouvez utiliser cet écran pour faire quelque chose de pratique et de physique. Les enfants me regardaient sur YouTube, mais ils faisaient réellement quelque chose sur un morceau de papier qu'ils pouvaient ensuite coller sur le frigo. »
Si les livres d'images demandent beaucoup aux enfants, ils exigent aussi souvent un acte de confiance inhabituel de la part des adultes qui les créent. « Je pense qu'un auteur et un illustrateur doivent partager un sens similaire des choses — un sens de l'humour, un sens du drame », dit Blake. « Mais c'est mieux si leurs points de vue ne sont pas exactement les mêmes ; l'un doit compléter l'autre. »
Voir l'image en plein écran : Funnybones d'Allan Ahlberg. Illustration : Penguin Random House
En illustrant le travail de quelqu'un d'autre, la première chose que fait Blake est d'étudier attentivement le manuscrit. « D'abord, je dois connaître les personnages aussi bien que possible et imaginer à quoi ils ressemblent », dit-il. « Après cela, il s'agit de trouver des moments appropriés qui attireront le lecteur mais ne révéleront pas ce que l'écrivain a prévu. Par exemple, il y a un moment dramatique dans Matilda de Roald Dahl où l'horrible Miss Trunchbull frappe Bruce Bogtrotter sur la tête avec une assiette. Je l'ai montrée soulevant l'assiette au-dessus du pauvre garçon, laissant le moment dramatique à Roald lui-même pour le terminer. C'est une compétence en soi. »
Maxwell Oginni a illustré My Rice Is Best, sorti l'année dernière et qui a reçu plusieurs nominations de prix. Mais il vient d'un milieu d'animation, où chaque... Je ne peux pas parler pour d'autres auteurs, mais la première fois que je reçois l'artwork de mes illustrateurs — Nicola Slater pour les livres d'images, Vincent Batignole pour les romans illustrés — c'est souvent à ce moment qu'une histoire commence à ressembler davantage à un vrai livre. Ils aiment tous deux ajouter des détails d'arrière-plan, comme des devantures de magasins, des références et des personnages d'arrière-plan peu impressionnés, ce qui donne aux histoires une richesse qu'elles n'auraient pas autrement. Et ils me surprennent encore. « J'adore ajouter des références à mes films, jeux vidéo ou mangas préférés », dit Batignole. « De plus, je pense qu'il y a au moins une référence aux Spice Girls dans chaque livre sur lequel j'ai travaillé. » Honnêtement, c'est une nouvelle pour moi.
« Je ne le dis à personne, mais je crée une histoire de fond pour chaque personnage », révèle Slater. « Cela n'affecte peut-être pas du tout l'histoire, mais cela aide à planter le décor et leurs motivations, et cela façonne la façon dont le livre se déroule. »
« Les meilleurs auteurs pour enfants savent qu'ils peuvent laisser beaucoup de choses à l'illustrateur », explique Nick Sharratt, qui a illustré des livres pour Jacqueline Wilson, Michael Rosen et Julia Donaldson. « Parfois, il faut laisser les images faire leur travail. »
Une relation auteur-illustrateur aux enjeux beaucoup plus élevés est celle entre Lydia Corry et Sally Gardner. C'est parce que Gardner est la mère de Corry. Même si elles ont travaillé ensemble sur la charmante série Tindims, cela n'a pas toujours été le cas. « Quand j'étais beaucoup plus jeune, j'ai illustré une petite image sur la couverture de son livre I, Coriander, et elle ne l'a vraiment pas aimée », dit Corry. « Maintenant, elle a le tableau dans sa maison, mais elle était tellement attachée à l'histoire, et l'idée visuelle était toute dans sa tête. Donc on devient nerveux à l'idée de savoir si c'est ce que l'auteur veut. »
Une façon d'apaiser ces nerfs est de tout faire soi-même. Il y a beaucoup d'auteurs qui illustrent leur propre travail, ce qui leur donne un niveau de contrôle sur le produit fini que le reste d'entre nous n'aura jamais.
Surtout connu pour sa série Bunny vs. Monkey, Jamie Smart aime que cette approche laisse moins de place aux lecteurs pour mal interpréter les choses, surtout lorsqu'il s'agit de faire une bande dessinée. « Je dis littéralement : "Voici ce personnage, voici cette blague, voici ce morceau d'histoire", et tout est disposé pour que vous puissiez le voir », dit-il.
Mais même les auteurs-illustrateurs ont des limites à leur contrôle. « Quand vous publiez un livre, vous l'abandonnez complètement », dit Debi Gliori, créatrice de classiques comme No Matter What. « Vous ne pouvez pas vous tenir derrière les gens et dire : "Je pense que vous devriez ralentir", ou "Je pense que vous devriez lire cette partie d'une voix aiguë". » Bien que les illustrations puissent être utilisées pour presque tout, presque toutes les personnes à qui je parle reviennent, tôt ou tard, à la même qualité clé : la joie. « Je suis très sérieux à propos du fait d'être idiot », dit Hendra, sérieusement. « L'humour est tellement sous-estimé, surtout pour les enfants. Mais si vous donnez à un enfant l'amour d'être idiot, c'est comme une compétence de survie. » Et ce thème traverse beaucoup des illustrateurs à qui j'ai parlé. Sarah Horne, qui a illustré des livres pour Sam Copeland et Gianna Pollero, voit son travail comme « apporter un peu d'idiotie et de joie dans les livres », tandis que l'énergie sauvage de Smart lui donne envie de « étirer tous les personnages et les pousser hors des cases ». McIntyre dit que l'un des détails les plus discutés dans ses livres Adventuremice est... Une image d'un personnage assis sur les toilettes, avec un petit caca flottant dans l'espace. Cela n'a vraiment pas besoin de mots.
Pour certains, c'est une chance de renouer avec les souvenirs de la lecture d'histoires du soir à leurs enfants.
Mais même l'idiotie demande de la compétence. Quand Sue Hendra termine un livre, elle le lit encore et encore de différentes perspectives — un enfant, un enseignant, un parent fatigué — pour s'assurer que le rythme fonctionne. Lauren Child continue de peaufiner ses livres jusqu'à la date limite. « Je viens de terminer un livre d'images, et nous coupions encore des mots jusqu'à la dernière minute », dit-elle.
Rob Biddulph fait de même, supprimant tous les mots que les images peuvent montrer plus clairement. « J'écris l'histoire comme un poème, donc il est tentant de mettre tout ce qui se passe dans le vers », dit-il. « Mais une illustration peut faire passer le point exact. Les images peignent mille mots, comme on dit. »
L'ouverture du Centre Quentin Blake montre à quel point nous avons progressé dans la reconnaissance de notre incroyable histoire de l'illustration et de l'énorme quantité de talent que nous avons produit. Mais il reste encore des progrès à faire. « Saviez-vous que, contrairement aux écrivains, les illustrateurs n'ont toujours pas un accès facile aux données de vente ? » demande McIntyre. « Alors que Julia Donaldson est une auteure à succès avérée, Axel Scheffler n'a aucun chiffre pour leurs livres ensemble. Il ne porte pas ces données de vente avec lui. Cela a un gros effet d'entraînement sur la façon dont les illustrateurs sont perçus. »
Une chose qui est revenue encore et encore dans ces entretiens est à quel point c'est un privilège de créer des livres pour enfants. Pour certains illustrateurs, c'est une chance de revisiter les souvenirs des histoires du soir avec leurs propres enfants. Pour d'autres, c'est la joie de voir un livre usé à force d'être lu. Certains voient l'illustration comme un défi intellectuel, d'autres comme un moyen de donner un sens au monde. Mais ils étaient tous d'accord sur une chose : ne jamais sous-estimer les enfants.
La dernière question que je pose à Blake est de savoir pourquoi les personnages créés pour les enfants peuvent rester dans l'esprit du public pendant des décennies. « Nous sentons que nous pouvons nous identifier à eux », répond-il. « D'une certaine manière, ils deviennent nos amis. » Le Centre d'Illustration Quentin Blake ouvre le 5 juin. qbcentre.org.uk
Questions Fréquemment Posées
Voici une liste de FAQ sur le sujet Je suis très sérieux à propos du fait d'être idiot : les illustrateurs pour enfants parlent de l'art de raconter des histoires, rédigée dans un ton conversationnel naturel avec des réponses simples et claires.
Questions de Niveau Débutant
1 Que signifie réellement "Je suis très sérieux à propos du fait d'être idiot"
Cela signifie que créer un art drôle, ludique ou absurde pour les enfants n'est pas une plaisanterie. Cela demande du travail acharné, de la compétence et une réflexion minutieuse pour créer quelque chose qui semble léger et amusant.
2 À qui s'adresse ce livre ou ce sujet
Il s'adresse à tous ceux qui aiment les livres pour enfants — parents, enseignants, aspirants illustrateurs, écrivains, ou toute personne curieuse de savoir comment les livres d'images sont fabriqués.
3 Est-ce un livre sur les techniques de dessin
Pas exactement. Il s'agit plutôt de la réflexion derrière les dessins — comment les illustrateurs utilisent l'idiotie pour raconter une histoire, se connecter avec les enfants et résoudre des problèmes créatifs.
4 Pourquoi les illustrateurs pour enfants doivent-ils être sérieux à propos du fait d'être idiot
Parce que rendre un moment idiot crédible et drôle nécessite un timing minutieux, une conception de personnage et une compréhension de ce que les enfants trouvent vraiment amusant — pas seulement une bêtise aléatoire.
5 De quel genre d'histoires parlent ces illustrateurs
Ils partagent des histoires en coulisses sur la façon dont ils ont créé des personnages, choisi des couleurs et ajouté des détails amusants qui font rire les enfants et les incitent à tourner les pages.
Questions de Niveau Intermédiaire
6 Comment les illustrateurs équilibrent-ils l'idiotie avec une histoire significative
Ils utilisent l'idiotie comme un outil, pas comme une distraction. Une scène ou un personnage drôle peut rendre un message sérieux plus facile à comprendre et à retenir pour les enfants.
7 Quelles sont les erreurs courantes que font les nouveaux illustrateurs en essayant d'être idiots
Essayer trop fort d'être drôle. L'idiotie forcée semble fausse. Les meilleurs moments idiots viennent naturellement de la personnalité du personnage ou de la situation.
8 Pouvez-vous donner un exemple d'une astuce d'illustration sérieusement idiote
Oui, utiliser une expression faciale d'un personnage qui ne correspond pas à la situation — comme un chien ayant l'air très sérieux tout en portant un chapeau idiot. Ce contraste crée de l'humour.
9 Comment les illustrateurs savent-ils si une idée idiote va réellement fonctionner
Ils la testent sur de vrais enfants. Ils guettent les rires sincères, les regards confus, ou si un enfant demande à revoir la page. Cette
