**Centrul Quentin Blake pentru Ilustrație**, care se deschide luna viitoare în cartierul londonez Clerkenwell, este răspândit pe un vast complex industrial din secolul al XVII-lea. Este promovat ca fiind cea mai mare instituție de acest gen din lume—un cămin național permanent pentru o formă de artă care influențează totul, de la cărțile pentru copii și desenele animate politice, la animație, modă, publicitate și cultura digitală. Pe jumătate muzeu, pe jumătate galerie și pe jumătate laborator creativ, centrul este un efort remarcabil de a scoate ilustrația din umbră și de a o plasa, în sfârșit, în centrul vieții culturale britanice.
Vezi imaginea pe ecran întreg
Gruffalo de Julia Donaldson și Axel Scheffler. Ilustrație: Axel Scheffler
În cele din urmă, centrul va găzdui propriul arhivă masivă a lui Blake: 40.000 de desene realizate de unul dintre cei mai faimoși și imediat recunoscuți artiști din Marea Britanie. Acum în vârstă de 93 de ani, Blake a petrecut 75 de ani dând viață cuvintelor unora dintre cei mai iubiți autori ai noștri. Roald Dahl este cel mare, desigur—nu te poți gândi la Dahl fără a-ți imagina desenele sale pline de viață, realizate cu penița—dar lista îi include și pe Michael Rosen, John Yeoman, Sylvia Plath și Voltaire, precum și pe propriile cărți ale lui Blake. Cu alte cuvinte, este greu să găsești pe cineva cu aceeași autoritate.
„Trebuie făcut mai mult pentru a recunoaște importanța întregii ilustrații ca formă de artă,” explică Blake. „Ceea ce este deosebit de minunat la ea este că este un limbaj pe care toată lumea îl înțelege.”
Timp de ani de zile, ilustratorii au fost trecuți cu vederea, văzuți ca oameni care vin să decoreze după ce casa este construită. Dar acest lucru nu ar putea fi mai departe de adevăr. Când te gândești la **The Twits**, probabil că îți imaginezi desenele sălbatice și zgâriate ale lui Blake. A-ți imagina **Funnybones** înseamnă a vedea imaginile aparent simple ale lui Janet Ahlberg înaintea cuvintelor lui Allan Ahlberg. Mergi pe oricare dintre traseele Gruffalo ale Forestry England, și designurile lui Axel Scheffler—nu textul Juliei Donaldson—te sar în ochi dintre copaci.
„Suntem puțin în umbră,” spune Scheffler. „Cărțile noastre se numesc cărți cu imagini, așa că suntem o parte importantă a procesului. Este o formă de artă foarte subestimată, autorul și ilustratorul creând ceva împreună. Este greu de separat.”
„Cel mai scurt timp pe care l-am petrecut vreodată scriind o carte cu imagini a fost o oră, tastând-o pe telefonul meu într-un avion,” spune autoarea-ilustratoare Sarah McIntyre. „Dar durează întotdeauna cel puțin trei sau patru luni de muncă intensă pentru a o ilustra—nouă sau mai multe ore pe zi, șase zile pe săptămână.”
Vezi imaginea pe ecran întreg
Oi Frog! de Kes Gray. Ilustrație: Jim Field 2014
McIntyre a făcut mai mult decât majoritatea pentru a evidenția cât de grav sunt trecuți cu vederea ilustratorii. Acum un deceniu, a lansat campania Pictures Mean Business pentru a împinge ca ilustratorii să primească recunoașterea cuvenită pentru munca lor. Făcând acest lucru, a ajutat la clarificarea unei neînțelegeri despre ce este cu adevărat o carte cu imagini.
Scriindu-le eu însumi, știu cât de specifice sunt. Aproape întotdeauna de 32 de pagini și aproape întotdeauna citite unui copil de către un îngrijitor înainte ca copilul să poată citi singur, majoritatea cărților cu imagini există exact în punctul în care textul și ilustrația se întâlnesc. Îndepărtează oricare dintre părți, și totul se destramă.
„Cred că ilustrarea unei povești este unul dintre cele mai de bază instincte umane,” spune Huw Aaron, a cărui carte **Sleep Tight, Disgusting Blob** a câștigat premiul Waterstones pentru carte pentru copii anul acesta. „Nu știm dacă oamenii dansau sau cântau acum 40.000 de ani, dar știm că făceau benzi desenate despre oameni care alergau după vaci, pentru că sunt peste tot pe pereții peșterilor.”
Lucrurile pe care un ilustrator le poate face unui text sunt la fel de variate pe cât sunt de minunate. Jim Field, ilustratorul cărților **Oi Frog!** de Kes Gray și **The Lion Inside** de Rachel Bright, vede ilustrația ca pe un strat suplimentar. „Nu încerc să fac exact ceea ce spune textul,” spune el. „Încerc să țes subploturi suplimentare sau să permit cititorului să afle mai multe despre personaj.”
Matty Long, creatorul seriei **Super Happy Magic Forest** — o serie care a trecut de la cărți cu imagini la cărți cu capitole și apoi la televiziune — o spune și mai direct. „Dacă cuvintele descriu doar imaginea, atunci de ce să ai cuvintele deloc?” spune el. „Vreau ca imaginile să facă cea mai mare parte a povestirii.”
[Imagine: I Want My Hat Back de Jon Klassen. Ilustrație: Walker Publishers / Jon Klassen]
Dar uneori un ilustrator poate merge și mai departe. În **I Want My Hat Back**, Jon Klassen reușește trucul magic de a spune două povești diferite în același timp. Citită fără imagini, cartea este pur și simplu despre un urs care întreabă în zadar despre pălăria lui pierdută. Dar ilustrațiile adaugă un context care contrazice ușor acest lucru. Ursul, atât de politicos în text, este de fapt condus de o răzbunare ucigașă.
„Se pare că acolo ar trebui să trăiască adevărul lucrului,” spune Klassen despre tensiunea dintre cuvinte și imagini. „De obicei, ajung să pun un semi-adevăr în cuvinte sau să omit multe. Cred că asta funcționează bine cu copiii pentru că, atunci când textul este în mod clar greșit, ei pot vedea că imaginile spun adevărul.”
Cu mult înainte ca un copil să poată descifra cuvinte scrise, a învățat deja multe despre lume prin imagini. „L-am văzut pe Quentin Blake vorbind despre alfabetizarea vizuală, și a ilustrat acest lucru genial,” explică Ed Vere, creatorul cărților **Waffles & Julius** și un ilustrator care a petrecut ani de zile lucrând cu profesorii prin programul său Power of Pictures. „A întrebat niște copii ce înseamnă „indignat”. Desigur, nimeni nu știa. Apoi a desenat rapid o bătrână indignată, și fiecare copil a înțeles exact. Nu era doar „furios” sau una dintre acele emoții alb-negru. Toți au înțeles nuanțele din desenul său.”
Pentru Sophy Henn, creatoarea seriei **Happy Hills**, acesta este motivul pentru care ideea că cărțile cu imagini sunt doar o treaptă către cărțile „adevărate” este atât de greșită. Primind două fluxuri de informații, spune ea, „înveți conștientizare emoțională, înveți empatie, înveți să gândești critic. În lumea în care trăim astăzi, acest lucru este incredibil de important. Aș dori ca mai mulți oameni să știe că cărțile cu imagini sunt de fapt o formă mai complexă de lectură.”
[Imagine: Sleep Tight, Disgusting Blob de Huw Aaron. Ilustrație: Huw Aaron]
„Copiii au cele mai sofisticate minți,” spune Lauren Child, creatoarea seriei **Charlie and Lola**. „Pot fi mici, dar sunt gânditori foarte mari. Sunt atât de inteligenți vizual în moduri în care adulții nu sunt. Folosim indicii vizuale și estetică toată viața, dar pierdem acea muchie pe care o aveam când am sosit prima dată.”
O carte cu imagini ar putea fi prima dată când un copil poate identifica și numi o emoție mare pe care o simte. Cartea Nadiei Shireen, **Barbara Throws a Wobbler**, folosește imagini luminoase și colorate pentru a arăta sentimente care depășesc cuvântul scris. „Există o parte în carte în care Barbara vorbește de fapt cu Wobbler-ul, și devine foarte metafizic,” spune ea. „A trebuit să-l întreb pe editorul meu: „Este asta o nebunie? Ne așteptăm ca copiii de trei ani să meargă într-o călătorie psihologică?””
Uneori, ilustrația poate chiar transforma o carte într-un instrument de povestire, permițând copiilor să devină co-autori. În **Splat!** de Jon Burgerman, de exemplu, cititorii pot lovi personajul principal în față cu obiecte noi și dezgustătoare la fiecare întoarcere de pagină. „Am vrut să fac o carte care să poată fi doar o carte,” spune Burgerman. „Am sărbătorit cu adevărat forma unei cărți cu imagini și am vrut să fac ceva care nu putea fi făcut în niciun alt mod.”
Între timp, **Is This a Plum?** de Dan Ojari și fiul său Finn face o utilizare inteligentă a decupajelor pentru a ascunde obiecte la vedere. „Cineva mi-a trimis un videoclip cu copilul lor, care încă nu știe să citească, și le spune povestea părinților pentru că cuvintele sunt atât de simple,” spune Ojari. „Are acel sentiment de „Știu mai multe decât părintele meu și o să-l păcălesc.””
Dacă toate acestea fac ilustrația cărților cu imagini să sune destul de impresionant, procesul în sine începe adesea în cel mai puțin impresionant mod posibil: cu o mâzgăleală. „Desenul trebuie să vină primul,” spune Long, ținând în mână o schiță timpurie a unui personaj din Super Happy Magic Forest care, chiar și în stadiul său incipient, reușește totuși să capteze toate trăsăturile cheie ale personalității personajului. „Trebuie să mă conving că există o idee care merită urmărită, și fac asta prin desen.”
„Am desenat prima imagine a lui Hiccup acum 30 de ani. A dus la 12 cărți, o serie de filme și un parc tematic. Doar un mic desen în creion!” spune Cressida Cowell despre Cum să-ți dresezi dragonul.
Sue Hendra face același lucru, arătându-mi prima ei schiță a personajului Supertato, pe care l-a creat împreună cu Paul Linnet și l-a transformat într-un mini imperiu de 15 cărți și în creștere. Schița ei arată un cartof zburând deasupra unui oraș. Nesigură dacă să scrie o carte despre ceea ce părea a fi un cartof apocaliptic de mare, schița i-a învățat că trebuie să regândească lumea lui Supertato. „Paul a sugerat un supermarket, pentru că este un oraș în miniatură cu produse din toată lumea care intră. A creat această graniță drăguță care s-a simțit foarte sigură și securizată.”
„Dacă aș avea caietul meu, ți-aș arăta prima imagine a lui Hiccup pe care am desenat-o acum 30 de ani,” spune Cressida Cowell, autoarea și ilustratoarea seriei Cum să-ți dresezi dragonul. „Era acest mic viking încercând să fie pe măsura tatălui său. Aceasta a fost prima sămânță a ceva care a crescut în 12 cărți, o serie de filme și un parc tematic. Doar un mic desen în creion!”
Personajele sunt, de asemenea, totul pentru Jamie Smart, ale cărui cărți Bunny vs Monkey se află în centrul actualului boom al benzilor desenate în publicare. Atracția lor este uriașă, și o mare parte vine din cât de ușor sunt de recreat personajele. „Când fac ateliere pentru copii, încep întotdeauna de la început. Spun: „Desenați un pătrat și desenați un cerc, și acum puteți desena aproape orice personaj din Bunny vs Monkey,”” spune el. „Pentru un copil, a spune povești poate fi destul de intimidant pentru că trebuie să știi toate cuvintele de care vei avea nevoie. Dar dacă poți spune o poveste cu câteva linii și o față zâmbitoare, ce dar.”
Probabil, nimeni nu știe acest lucru mai bine decât Rob Biddulph, ale cărui videoclipuri Draw With Rob—învățând copiii pas cu pas să copieze arta sa—l-au făcut o comoară națională în timpul lockdown-ului. „Cred că este lucrul de care sunt cel mai mândru în cariera mea,” spune el. „Sigur, a fost pe un ecran, dar poți folosi acel ecran pentru a face ceva practic și fizic. Copiii mă urmăreau pe YouTube, dar făceau de fapt ceva pe o bucată de hârtie pe care apoi o puteau lipi pe frigider.”
Dacă cărțile cu imagini cer mult de la copii, ele cer adesea și un act neobișnuit de încredere din partea adulților care le creează. „Cred că un autor și un ilustrator trebuie să împărtășească un simț similar al lucrurilor—un simț al umorului, un simț al dramei,” spune Blake. „Dar este mai bine dacă punctele lor de vedere nu sunt exact aceleași; unul trebuie să-l completeze pe celălalt.”
Vezi imaginea pe ecran întreg: Funnybones de Allan Ahlberg. Ilustrație: Penguin Random House
Când ilustrează munca altcuiva, primul lucru pe care îl face Blake este să studieze manuscrisul cu atenție. „În primul rând, trebuie să cunosc personajele cât mai bine posibil și să îmi imaginez cum arată,” spune el. „După aceea, este vorba de a găsi momente potrivite care să atragă cititorul, dar să nu dezvăluie ceea ce a planificat scriitorul. De exemplu, există un moment dramatic în Matilda de Roald Dahl în care cumplita domnișoară Trunchbull îl lovește pe Bruce Bogtrotter peste cap cu o farfurie. Am arătat-o ridicând farfuria deasupra bietului băiat, lăsând momentul dramatic pentru Roald însuși să-l termine. Aceasta este o abilitate în sine.”
Maxwell Oginni a ilustrat **My Rice Is Best**, care a apărut anul trecut și a primit o mulțime de nominalizări la premii. Dar el provine dintr-un background de animație, unde fiecare... Nu pot vorbi pentru alți autori, dar prima dată când primesc lucrări de artă de la ilustratorii mei—Nicola Slater pentru cărțile cu imagini, Vincent Batignole pentru cărțile cu capitole—este adesea când o poveste începe să se simtă mai mult ca o carte adevărată. Ambii adoră să adauge detalii de fundal, cum ar fi vitrine, referințe și personaje de fundal neimpresionate, care dau poveștilor o bogăție pe care nu ar avea-o altfel. Și încă mă surprind. „Ador să adaug referințe la filmele mele preferate, jocurile video sau manga,” spune Batignole. „Plus, cred că există cel puțin o referință la Spice Girls în fiecare carte la care am lucrat vreodată.” Sincer, asta e o noutate pentru mine.
„Nu spun nimănui asta, dar creez o poveste de fundal pentru fiecare personaj,” dezvăluie Slater. „S-ar putea să nu afecteze deloc povestea, dar ajută la stabilirea scenei și a motivațiilor lor și modelează modul în care merge cartea.”
„Cei mai buni scriitori pentru copii știu că pot lăsa mult pe seama ilustratorului,” explică Nick Sharratt, care a ilustrat cărți pentru Jacqueline Wilson, Michael Rosen și Julia Donaldson. „Uneori trebuie să lași imaginile să-și facă treaba.”
O relație autor-ilustrator cu mize mult mai mari este cea dintre Lydia Corry și Sally Gardner. Asta pentru că Gardner este mama lui Corry. Chiar dacă au lucrat împreună la drăguța serie Tindims, nu a fost întotdeauna așa. „Când eram mult mai tânără, am ilustrat o mică imagine pe coperta cărții ei **I, Coriander**, și chiar nu i-a plăcut,” spune Corry. „Acum are pictura în casa ei, dar era atât de atașată de poveste, iar ideea vizuală era toată în capul ei. Așa că devii nervos dacă este ceea ce vrea autorul.”
O modalitate de a calma acești nervi este să faci totul singur. Există o mulțime de autori care își ilustrează propria muncă, oferindu-le un nivel de control asupra produsului finit pe care restul dintre noi nu-l vom avea niciodată.
Cel mai cunoscut pentru seria sa Bunny vs. Monkey, Jamie Smart iubește faptul că această abordare lasă mai puțin loc pentru ca cititorii să interpreteze greșit lucrurile, mai ales când faci o bandă desenată. „Literalmente spun: „Iată acest personaj, iată această glumă, iată această bucată de poveste,” și totul este așternut pentru tine să vezi,” spune el.
Dar chiar și autorii-ilustratori au limite în ceea ce privește controlul lor. „Când publici o carte, o cedezi complet,” spune Debi Gliori, creatoarea unor clasice precum **No Matter What**. „Nu poți sta în spatele oamenilor și spune: „Cred că ar trebui să încetinești,” sau „Cred că ar trebui să citești acea parte cu o voce scârțâitoare.”” Deși ilustrațiile pot fi folosite pentru aproape orice, aproape toată lumea cu care vorbesc revine, mai devreme sau mai târziu, la aceeași calitate cheie: bucuria. „Sunt foarte serios în privința prostiei,” spune Hendra, serios. „Umorul este atât de subestimat, mai ales pentru copii. Dar dacă oferi unui copil dragostea de a fi prostuț, este ca o abilitate de supraviețuire.” Și această temă străbate mulți dintre ilustratorii cu care am vorbit. Sarah Horne, care a ilustrat cărți pentru Sam Copeland și Gianna Pollero, vede munca sa ca pe „a aduce puțină prostie și bucurie în cărți,” în timp ce energia sălbatică a lui Smart îl face să vrea „să întindă toate personajele și să le împingă afară din panouri.” McIntyre spune că unul dintre cele mai discutate detalii din cărțile sale Adventuremice este... o imagine a unui personaj stând pe toaletă, cu un mic căcăcel plutind în spațiu. Asta chiar nu are nevoie de cuvinte.
Pentru unii, este o șansă de a reconecta cu amintirile citirii poveștilor de noapte bună copiilor lor.
Dar chiar și prostia necesită îndemânare. Când Sue Hendra termină o carte, o citește iar și iar din perspective diferite—un copil, un profesor, un părinte obosit—pentru a se asigura că ritmul funcționează. Lauren Child continuă să-și ajusteze cărțile până la termenul limită. „Tocmai am terminat o carte cu imagini, și încă tăiam cuvinte până în ultimul moment,” spune ea.
Rob Biddulph face același lucru, eliminând orice cuvinte pe care imaginile le pot arăta mai clar. „Scriu povestea ca pe o poezie, așa că este tentant să pun tot ce se întâmplă în vers,” spune el. „Dar o ilustrație poate transmite exact punctul. Imaginile pictează o mie de cuvinte, cum se spune.”
Deschiderea Centrului Quentin Blake arată cât de departe am ajuns în recunoașterea istoriei noastre uimitoare a ilustrației și a imensei cantități de talent pe care l-am produs. Dar mai sunt încă progrese de făcut. „Știai că, spre deosebire de scriitori, ilustratorii încă nu au acces ușor la datele de vânzări?” întreabă McIntyre. „În timp ce Julia Donaldson este o autoare dovedită de bestselleruri, Axel Scheffler nu are nicio cifră pentru cărțile lor împreună. El nu poartă acele date de vânzări cu el. Acest lucru are un efect de domino mare asupra modului în care sunt văzuți ilustratorii.”
Un lucru care a apărut iar și iar în aceste interviuri a fost cât de mult este un privilegiu să creezi cărți pentru copii. Pentru unii ilustratori, este o șansă de a revedea amintirile poveștilor de noapte bună cu propriii copii. Pentru alții, este bucuria de a vedea o carte uzată de la cât a fost citită. Unii văd ilustrația ca pe o provocare intelectuală, alții ca pe o modalitate de a da sens lumii. Dar toți au fost de acord asupra unui lucru: nu subestima niciodată copiii.
Ultima întrebare pe care i-o pun lui Blake este de ce personajele create pentru copii pot rămâne în mintea publicului timp de decenii. „Simțim că ne putem raporta la ele,” răspunde el. „Într-un fel, devin prietenii noștri.” Centrul Quentin Blake pentru Ilustrație se deschide pe 5 iunie. qbcentre.org.uk
**Întrebări frecvente**
Iată o listă de întrebări frecvente despre subiectul Sunt foarte serios în privința prostiei: Ilustratorii pentru copii vorbesc despre arta povestirii, scrise într-un ton conversațional natural, cu răspunsuri simple și clare.
**Întrebări pentru începători**
1. **Ce înseamnă de fapt „Sunt foarte serios în privința prostiei”?**
Înseamnă că a face artă amuzantă, jucăușă sau absurdă pentru copii nu este o glumă. Necesită muncă grea, îndemânare și gândire atentă pentru a crea ceva care pare ușor și distractiv.
2. **Pentru cine este această carte sau acest subiect?**
Este pentru oricine iubește cărțile pentru copii—părinți, profesori, aspiranți ilustratori, scriitori sau oricine este curios despre cum sunt făcute cărțile cu imagini.
3. **Este aceasta o carte despre tehnici de desen?**
Nu exact. Este mai mult despre gândirea din spatele desenelor—cum folosesc ilustratorii prostia pentru a spune o poveste, a se conecta cu copiii și a rezolva probleme creative.
4. **De ce trebuie să fie serioși ilustratorii pentru copii în privința prostiei?**
Pentru că a face un moment prostesc credibil și amuzant necesită sincronizare atentă, design de personaje și înțelegerea a ceea ce copiii găsesc cu adevărat amuzant—nu doar o prostie aleatorie.
5. **Despre ce fel de povești vorbesc acești ilustratori?**
Ei împărtășesc povești din culise despre cum au creat personaje, au ales culori și au adăugat detalii amuzante care îi fac pe copii să râdă și să continue să întoarcă paginile.
**Întrebări intermediare**
6. **Cum echilibrează ilustratorii prostia cu o poveste semnificativă?**
Ei folosesc prostia ca pe un instrument, nu ca pe o distragere. Un personaj sau o scenă amuzantă poate face un mesaj serios mai ușor de înțeles și de reținut pentru copii.
7. **Care sunt unele greșeli comune pe care le fac ilustratorii începători când încearcă să fie proști?**
Să încerce prea mult să fie amuzanți. Prostia forțată pare falsă. Cele mai bune momente prostești vin în mod natural din personalitatea personajului sau din situație.
8. **Poți da un exemplu de un truc de ilustrație serios-prostesc?**
Da, folosirea unei expresii faciale a unui personaj care nu se potrivește cu situația—cum ar fi un câine care arată foarte serios în timp ce poartă o pălărie prostească. Acest contrast creează umor.
9. **Cum știu ilustratorii dacă o idee prostească va funcționa de fapt?**
O testează pe copii adevărați. Urmăresc râsete autentice, priviri confuze sau dacă un copil cere să vadă pagina din nou. Acea
