「私はふざけることにとても真剣です」：児童書のイラストレーターたちが語る、ストーリーテリングの芸術

以下は、提供された英文テキストを日本語に翻訳したものです。追加、変更、代替訳の提案は行わず、原文のまま翻訳しています。

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クエンティン・ブレイク・イラストレーション・センターは、来月ロンドンのクラーケンウェルにオープンする。17世紀の広大な産業複合施設に広がるこのセンターは、世界最大級の常設施設として宣伝されており、児童書や政治風刺漫画からアニメーション、ファッション、広告、デジタル文化に至るまで、あらゆるものに影響を与える芸術形式のための、英国初の恒久的なナショナルホームとなる。博物館、ギャラリー、そしてクリエイティブラボの要素を併せ持つこのセンターは、イラストレーションを影から引き出し、ついに英国文化の中心に据えるための注目すべき取り組みである。

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ジュリア・ドナルドソンとアクセル・シェフラーの『グラファロ』。イラスト：アクセル・シェフラー

最終的に、このセンターはブレイク自身の膨大なアーカイブ、すなわち英国で最も有名で一目でそれとわかるアーティストの一人による4万点のドローイングを収蔵する予定だ。現在93歳のブレイクは、75年にわたって、私たちの最も愛される作家たちの言葉に命を吹き込んできた。ロアルド・ダールはもちろん大物だ——ダールを思い浮かべるとき、ブレイクの生き生きとしたペン画を思い浮かべないわけにはいかない——しかし、そのリストにはマイケル・ローゼン、ジョン・ヨーマン、シルビア・プラス、ヴォルテール、そしてブレイク自身の本も含まれている。言い換えれば、これほど権威のある人物を見つけるのは難しい。

「すべてのイラストレーションが芸術形式として重要であることを認識するために、もっと多くのことが行われる必要がある」とブレイクは説明する。「特に素晴らしいのは、それが誰もが理解する言語であるということだ。」

長年にわたり、イラストレーターは見過ごされ、家が建った後に装飾を施すためにやってくる人々と見なされてきた。しかし、それは真実からほど遠い。『まぬけな夫婦』を思い浮かべるとき、おそらくブレイクの荒々しくかすれたドローイングを思い浮かべるだろう。『ファニーボーンズ』を想像するときは、アラン・アールバーグの言葉よりも先に、ジャネット・アールバーグの一見シンプルな絵が目に浮かぶ。イングランド林務局のグラファロ・ウォークに出かけても、木々の間から飛び出してくるのは、ジュリア・ドナルドソンのテキストではなく、アクセル・シェフラーのデザインだ。

「私たちは少し影の中にいる」とシェフラーは言う。「私たちの本は絵本と呼ばれているので、私たちはプロセスの重要な一部です。作者とイラストレーターが一緒に何かを創り出すというのは、非常に過小評価されている芸術形式です。分離するのは難しい。」

「私が絵本を書くのに費やした最短時間は1時間で、飛行機の中で携帯電話に打ち込みました」と、作者兼イラストレーターのサラ・マッキンタイアは言う。「しかし、イラストを描くのには常に少なくとも3、4ヶ月の集中的な作業がかかります——1日9時間以上、週6日です。」

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ケス・グレイの『おい、カエル！』。イラスト：ジム・フィールド 2014年

マッキンタイアは、イラストレーターがいかにひどく見過ごされているかを浮き彫りにするために、ほとんどの人よりも多くのことをしてきた。10年前、彼女は「Pictures Mean Business」キャンペーンを立ち上げ、イラストレーターが自分の作品に対して適切なクレジットを得られるよう推進した。そうすることで、彼女は絵本が実際に何であるかについての誤解を解くのに貢献した。

私自身も絵本を書いたことがあるので、それらがどれほど特殊であるかを知っている。ほとんどの場合32ページで、ほとんどの場合、子どもが一人で読めるようになる前に養育者によって読み聞かせられる。ほとんどの絵本は、テキストとイラストレーションが出会うまさにその点に存在している。どちらかの部分を取り除けば、全体が崩壊する。

「物語をイラストレーションすることは、最も基本的な人間の本能の一つだと思う」と、今年ウォーターストーンズ児童書賞を受賞した『おやすみ、気持ち悪い塊』の著者、ヒュー・アーロンは言う。「4万年前に人々が踊ったり歌ったりしていたかどうかはわからないが、牛を追いかける人々の漫画を描いていたことはわかっている。なぜなら、それらは洞窟の壁中にあるからだ。」

イラストレーターがテキストにできることは、素晴らしいのと同じくらい多様である。ケス・グレイの『おい、カエル！』やレイチェル・ブライトの『内なるライオン』のイラストレーター、ジム・フィールドは、イラストレーションを追加の層と見なしている。「私は言葉が言っていることを正確にやろうとしているわけではない」と彼は言う。「私は追加のサブプロットを織り込んだり、読者がキャラクターについてもっと学べるようにしようとしている。」

『スーパーハッピーマジックフォレスト』の作者マティ・ロングは、さらに率直に言う。「言葉がただ絵を説明しているだけなら、そもそもなぜ言葉が必要なのか？」と彼は言う。「私は画像にほとんどのストーリーテリングをさせたい。」

[画像：ジョン・クラッセンの『ぼくのぼうしをかえして』。イラスト：Walker Publishers / ジョン・クラッセン]

しかし、時にはイラストレーターはさらに先を行くこともできる。『ぼくのぼうしをかえして』で、ジョン・クラッセンは同時に二つの異なる物語を語るという魔法の技をやってのける。絵なしで読むと、この本は単にクマが失くした帽子について無駄に尋ねる話である。しかし、イラストレーションはこれをわずかに矛盾させる文脈を追加する。テキストではとても礼儀正しいクマが、実際には殺人的な復讐に駆り立てられているのだ。

「物事の真実はそこにあるべきように思える」と、言葉と絵の間の緊張についてクラッセンは言う。「私はたいてい、言葉に半分の真実を入れるか、多くを省略してしまう。それは子供たちとうまくいくと思う。なぜなら、テキストが明らかに間違っているとき、彼らは絵が真実を語っているのを見ることができるからだ。」

子どもが書かれた言葉を解読できるずっと前に、彼らはすでに画像を通して世界について多くを学んでいる。「クエンティン・ブレイクが視覚的リテラシーについて話すのを見ましたが、彼はこれを brilliantly にイラストレーションしていました」と、『ワッフルズ＆ジュリアス』の作者であり、長年にわたり「Power of Pictures」プログラムを通じて教師と協力してきたイラストレーター、エド・ヴィアは説明する。「彼は何人かの子供たちに『 indignation 』が何を意味するか尋ねました。もちろん、誰も知りませんでした。それから彼は indignation している老婦人を素早く描き、すべての子供が正確に理解しました。それは単なる『怒り』や白黒の感情ではありませんでした。彼らは皆、彼の描画からその微妙なニュアンスを理解しました。」

『ハッピーヒルズ』シリーズの作者ソフィー・ヘンにとって、これこそが、絵本が「本当の」本への単なる足がかりに過ぎないという考えが非常に間違っている理由である。二つの情報の流れを得ることで、彼女は言う、「あなたは感情的な認識を学び、共感を学び、批判的に考えることを学んでいます。今日私たちが生きている世界では、それは信じられないほど重要です。もっと多くの人々が、絵本が実際にはより複雑な読書形態であることを知ってほしいと思います。」

[画像：ヒュー・アーロンの『おやすみ、気持ち悪い塊』。イラスト：ヒュー・アーロン]

「子供たちは最も洗練された小さな心を持っています」と、『チャーリーとローラ』の作者ローレン・チャイルドは言う。「彼らは小さいかもしれませんが、本当に大きな思想家です。彼らは大人にはない方法で視覚的に非常に賢いのです。私たちは生涯を通じて視覚的な手がかりと美学を使いますが、最初に到着したときに持っていたそのエッジを失ってしまいます。」

絵本は、子どもが自分が感じている大きな感情を特定し、名前を付ける最初の機会かもしれない。ナディア・シリーンの本『バーバラ、大荒れ』は、書かれた言葉を超えた感情を示すために、明るくカラフルな画像を使っている。「本の中でバーバラが実際に荒れ模様と話す部分があり、それは非常に形而上学的になります」と彼女は言う。「私は編集者に尋ねなければなりませんでした：『これはクレイジーですか？私たちは3歳児に心理的な旅を期待しているのですか？』」

時には、イラストレーションは本をストーリーテリングの道具に変え、子供たちを共著者にすることさえできる。例えば、ジョン・バーガーマンの『スプラット！』では、読者はページをめくるたびに主人公の顔に新しい嫌な物体を浴びせることができる。「私は本にしかできない本を作りたかった」とバーガーマンは言う。「私は絵本の形式を本当に称賛し、他の方法ではできないものを作りたかった。」

一方、ダン・オジャリとその息子フィンによる『これはプラムですか？』は、切り抜きを巧妙に使って、物体を見えているのに隠している。「まだ字が読めない自分の子供が、言葉がとても簡単なので両親に物語を語っているビデオを誰かが送ってくれました」とオジャリは言う。「『私は親より多くを知っている、そして親をだましてやる』という感覚があります。」

もしこれらすべてが絵本のイラストレーションをかなり印象的に聞こえさせるなら、そのプロセス自体はしばしば最も印象的でない方法、すなわち落書きから始まる。「描画が最初に来なければならない」とロングは言い、『スーパーハッピーマジックフォレスト』のキャラクターの初期スケッチを掲げる。それは初期段階でも、キャラクターの性格のすべての重要な特徴を捉えている。「追求する価値のあるアイデアがあることを自分自身に納得させなければならず、それを描画を通して行うのです。」

「私は30年前にヒカップの最初の絵を描きました。それが12冊の本、映画シリーズ、テーマパークにつながりました。ただの小さな鉛筆画です！」と、『ヒックとドラゴン』のクレシダ・カウエルは言う。

スー・ヘンドラも同じことをし、ポール・リネットと共に作り、15冊以上の本のミニ帝国に発展させたキャラクター、スーパーポテトの最初のスケッチを見せてくれる。彼女のスケッチは、街の上を飛ぶジャガイモを示している。終末的に大きなジャガイモのように見えるものについての本を書くことに確信が持てず、そのスケッチは彼らにスーパーポテトの世界を再考する必要があることを教えた。「ポールがスーパーマーケットを提案しました。なぜなら、それは世界中から製品が入ってくるミニチュアの街だからです。それは本当に安全で安心できる素敵な境界を作り出しました。」

「もしノートを持っていたら、30年前に描いたヒカップの最初の絵を見せられるのに」と、『ヒックとドラゴン』シリーズの作者兼イラストレーター、クレシダ・カウエルは言う。「それは、父親に認められようと奮闘する小さなバイキングの絵でした。それが、12冊の本、映画シリーズ、テーマパークへと成長したものの最初の種でした。ただの小さな鉛筆画です！」

キャラクターはジェイミー・スマートにとってもすべてである。彼の『バニー vs モンキー』シリーズは、現在の出版界におけるコミックブームの中心にある。その魅力は大きく、その多くはキャラクターが再現しやすいことから来ている。「子供向けのワークショップをするとき、私はいつも最初から始めます。『四角を描いて、丸を描いて、これで『バニー vs モンキー』のほとんどすべてのキャラクターを描けるよ』と言います」と彼は言う。「子供にとって、物語を語ることはかなり intimidate されることがあります。なぜなら、必要な言葉をすべて知っていなければならないからです。しかし、数本の線と笑顔の顔で物語を語れるなら、それはなんという贈り物でしょう。」

間違いなく、これを最もよく知っているのはロブ・ビダルフだろう。彼の「Draw With Rob」ビデオは、子供たちに彼のアートワークを段階的に模写するよう教え、ロックダウン中に彼を国民的 treasure にした。「それは私のキャリアで最も誇りに思うことだと思います」と彼は言う。「確かに、それは画面上でしたが、その画面を使って実用的で物理的なことをすることができます。子供たちはYouTubeで私を見ていましたが、実際には紙の上で何かをしていて、それを冷蔵庫に貼ることができたのです。」

絵本が子供たちに多くを求めるなら、それらはまた、それらを創り出す大人たちから珍しい信頼の行為を要求することが多い。「作者とイラストレーターは、物事に対する似たような感覚——ユーモアのセンス、ドラマのセンス——を共有する必要があると思います」とブレイクは言う。「しかし、彼らの見解がまったく同じでない方が良いです。一方が他方を補完する必要があります。」

画像を全画面表示：アラン・アールバーグの『ファニーボーンズ』。イラスト：Penguin Random House

他人の作品をイラストレーションするとき、ブレイクが最初にすることは、原稿を注意深く研究することである。「まず第一に、キャラクターをできるだけよく知り、彼らがどのように見えるかを想像する必要があります」と彼は言う。「その後、読者を引き付けるが、作家が計画していることを明かさない適切な瞬間を見つけることです。例えば、ロアルド・ダールの『マチルダ』には、恐ろしいミス・トランチブルがブルース・ボグトロッターの頭を皿で叩く劇的な瞬間があります。私は彼女が哀れな少年の上に皿を持ち上げているところを見せ、劇的な瞬間をロアルド自身が終わらせるために残しました。それ自体がスキルです。マクスウェル・オギンニは昨年出版され、多くの賞にノミネートされた『My Rice Is Best』をイラストレーションしました。しかし、彼はアニメーションのバックグラウンドから来ており、そこではすべての... 他の作者については話せませんが、私のイラストレーター——絵本のニコラ・スレーター、チャプターブックのヴィンセント・バティニョール——から初めてアートワークを受け取るとき、物語がより本物の本のように感じられ始めることがよくあります。彼らは両方とも、店先、参考文献、無関心な背景キャラクターなどの背景の詳細を追加するのが大好きで、それが物語にそうでなければ持たない豊かさを与えています。そして、彼らは今でも私を驚かせます。「私はお気に入りの映画、ビデオゲーム、マンガへの参照を追加するのが大好きです」とバティニョールは言う。「さらに、私がこれまで手がけたすべての本には少なくとも一つのスパイス・ガールズへの参照があると思います。」正直なところ、それは私にとって初耳です。

「これは誰にも言いませんが、私はすべてのキャラクターにバックストーリーを作成します」とスレーターは明かす。「それは物語にまったく影響を与えないかもしれませんが、場面設定と彼らの動機を助け、本の進み方を形作ります。」

「最高の児童文学作家は、イラストレーターに多くを任せられることを知っています」と、ジャクリーン・ウィルソン、マイケル・ローゼン、ジュリア・ドナルドソンの本をイラストレーションしてきたニック・シャラットは説明する。「時には、絵に仕事を任せなければなりません。」

はるかに stakes の高い作者とイラストレーターの関係は、リディア・コリーとサリー・ガードナーの間のものである。それはガードナーがコリーの母親だからだ。彼らは素敵な『ティンディムズ』シリーズで一緒に仕事をしたが、常にそうだったわけではない。「ずっと若い頃、彼女の本『I, Coriander』の表紙に小さな絵をイラストレーションしましたが、彼女はそれが本当に気に入りませんでした」とコリーは言う。「今では彼女はその絵を家に飾っていますが、彼女は物語にとても愛着があり、視覚的なアイデアはすべて彼女の頭の中にありました。だから、それが作者の望むものかどうか、緊張するものです。」

その緊張を和らげる一つの方法は、すべてを自分で行うことである。自分の作品を自分でイラストレーションする作者はたくさんいて、完成品に対するコントロールのレベルは、私たちの残りの人々には決して手に入らないものだ。

『バニー vs モンキー』シリーズで最もよく知られるジェイミー・スマートは、このアプローチが読者に誤解される余地を減らすことを好む。特に漫画を作るときは。「私は文字通り、『これがこのキャラクター、これがこのジョーク、これがこの物語の一部です』と言っていて、すべてが見えるようにレイアウトされています」と彼は言う。

しかし、作者兼イラストレーターでさえ、コントロールには限界がある。「本を出版するとき、あなたはそれを完全に手放すことになります」と、『No Matter What』などの古典の作者デビ・グリオリは言う。「人々の後ろに立って、『もっとゆっくり読むべきだ』とか『その部分をきしむ声で読むべきだ』と言うことはできません。」イラストレーションはほとんど何にでも使えるが、私が話したほとんど全員が、遅かれ早かれ、同じ重要な特質、すなわち喜びに立ち返る。「私は馬鹿げていることについて非常に真剣です」とヘンドラは真剣に言う。「ユーモアは非常に過小評価されています。特に子供にとっては。しかし、子供に馬鹿げていることへの愛を与えるなら、それは survival スキルのようなものです。」そして、このテーマは私が話した多くのイラストレーターに共通している。サム・コープランドやジャンナ・ポレロの本をイラストレーションしてきたサラ・ホーンは、自分の仕事を「本に少しの馬鹿げたことと喜びをもたらすこと」と見なしており、一方スマートの wild なエネルギーは彼に「すべてのキャラクターを伸ばして、パネルから押し出したい」と思わせる。マッキンタイアは、彼女の『Adventuremice』シリーズで最も話題になったディテールの一つは...トイレに座っているキャラクターの絵で、小さなうんちが宇宙に fl浮かんでいるものだと言う。それには本当に言葉は必要ない。

ある人にとっては、それは自分の子供に bedtime の物語を読んであげた記憶と再びつながる機会である。

しかし、馬鹿げたことにもスキルが必要である。スー・ヘンドラが本を完成させるとき、彼女はそれを異なる視点——子供、教師、疲れた親——から何度も読み返し、リズムが機能することを確認する。ローレン・チャイルドは、締め切り直前まで本を tweaking し続ける。「ちょうど絵本を完成させたところですが、最後の最後まで言葉を削っていました」と彼女は言う。

ロブ・ビダルフも同じことをし、絵がより明確に示せる言葉はすべて削除する。「私は物語を詩として書くので、起こるすべてを詩に入れたくなります」と彼は言う。「しかし、イラストレーションは正確なポイントを伝えることができます。絵は千の言葉を描く、と言われるように。」

クエンティン・ブレイク・センターの開設は、私たちがイラストレーションの素晴らしい歴史と、私たちが生み出してきた膨大な才能を認識する上で、どれだけ進歩してきたかを示している。しかし、まだ進歩すべき点はある。「知っていましたか？作家とは異なり、イラストレーターはまだ販売データに簡単にアクセスできないのです」とマッキンタイアは尋ねる。「ジュリア・ドナルドソンは実証済みのベストセラー作家ですが、アクセル・シェフラーは彼らの本に関する数字を何も持っていません。彼はその販売データを持ち歩いていません。これは、イラストレーターがどのように見られるかに大きな波及効果を持っています。」

これらのインタビューで繰り返し出てきたことの一つは、子供向けの本を創ることがどれほど特権であるかということだった。あるイラストレーターにとっては、それは自分の子供との bedtime の物語の記憶を再訪する機会である。他の人にとっては、何度も読まれて擦り切れた本を見る喜びである。イラストレーションを知的な挑戦と見なす人もいれば、世界を理解する方法と見なす人もいる。しかし、彼ら全員が一つのことに同意した：決して子供たちを過小評価してはいけない。

私がブレイクに最後に尋ねる質問は、なぜ子供向けに作られたキャラクターが何十年も人々の心に残り続けることができるのかということだ。「私たちは彼らに共感できると感じます」と彼は答える。「ある意味で、彼らは私たちの友人になります。」クエンティン・ブレイク・イラストレーション・センターは6月5日にオープンする。qbcentre.org.uk

**よくある質問**

以下は、「私は馬鹿げていることについて非常に真剣です：子供のイラストレーターがストーリーテリングの芸術について語る」というトピックに関するよくある質問のリストです。自然な会話調で、明確でシンプルな回答で書かれています。

**初級レベルの質問**

1. 「私は馬鹿げていることについて非常に真剣です」とは実際にはどういう意味ですか？
それは、子供向けに面白く、遊び心があり、不条理なアートを作ることは冗談ではないという意味です。軽くて楽しいと感じられるものを作るには、ハードワーク、スキル、そして慎重な思考が必要です。

2. この本やトピックは誰のためのものですか？
児童書を愛するすべての人——親、教師、志望するイラストレーターや作家、あるいは絵本がどのように作られるのかに興味がある人——のためのものです。

3. これは描画テクニックについての本ですか？
正確には違います。それはむしろ、イラストレーターがどのように馬鹿げたことを使って物語を語り、子供たちとつながり、創造的な問題を解決するかという、描画の背後にある思考についてのものです。

4. なぜ子供のイラストレーターは馬鹿げていることについて真剣である必要があるのですか？
馬鹿げた瞬間を信じられるものにし、面白くするには、注意深いタイミング、キャラクターデザイン、そして子供たちが本当に面白いと感じるもの——単なるランダムな愚かさではなく——を理解することが必要だからです。

5. これらのイラストレーターはどのような種類の物語を話しますか？
彼らは、どのようにキャラクターを作り、色を選び、子供たちを笑わせ、ページをめくり続けさせる面白いディテールを追加したかについての舞台裏の話を共有します。

**中級レベルの質問**

6. イラストレーターはどのように馬鹿げたことと意味のある物語のバランスを取りますか？
彼らは馬鹿げたことを道具として使い、気を散らすものとしては使いません。面白いキャラクターやシーンは、子供たちが深刻なメッセージを理解し、覚えやすくすることができます。

7. 馬鹿げたことをしようとするとき、新しいイラストレーターがよく犯す間違いは何ですか？
面白くしようとしすぎることです。無理のある馬鹿げたことは偽物に感じられます。最高の馬鹿げた瞬間は、キャラクターの性格や状況から自然に生まれます。

8. 真剣に馬鹿げたイラストレーションのトリックの例を挙げられますか？
はい。キャラクターの表情が状況と一致しないようにすることです——例えば、馬鹿げた帽子をかぶっているのに非常に真剣な顔をしている犬。そのコントラストがユーモアを生み出します。

9. イラストレーターは、馬鹿げたアイデアが実際に機能するかどうかをどのように知りますか？
彼らはそれを実際の子供たちでテストします。彼らは本物の笑い声、困惑した表情、または子供がそのページをもう一度見たいかどうかを観察します。