W początkach kina muzyka była niezbędna dla odbioru filmu przez publiczność – niemy obraz towarzyszył na żywo pianista lub organista. Jednak dopiero pojawienie się zsynchronizowanego dźwięku zapewniło widzom spójną oprawę muzyczną.
Ten przełom często wiąże się z filmem **Don Juan** z 1926 roku, który był niemy i nie miał ścieżki dźwiękowej w nowoczesnym znaczeniu. Warner Bros. wykorzystał system Vitaphone, odtwarzający nagraną płytę równolegle z projekcją. Tę samą metodę zastosowano w **Śpiewaku jazzbandu** z 1927 roku, pierwszym filmie z zsynchronizowanym również głosem. Ponieważ odtwarzanie płyt było zawodne, branża szybko przeszła na zapis dźwięku bezpośrednio na taśmie filmowej, co dało początek właściwej ścieżce dźwiękowej.
Znana nam dziś muzyka filmowa szybko rozwinęła się na początku lat 30. XX wieku, głównie dzięki europejskim kompozytorom-emigrantom, którzy przynieśli stylistyczne i narracyjne wpływy z opery, symfonii i music-hallu. Dołączyli do nich autorzy piosenek z Tin Pan Alley i Broadwayu, wzbogacając fundament muzyczny, który przez dziesięciolecia definiował Hollywood. Dziś, niemal wiek później, podstawowa rola i funkcja muzycznej ścieżki dźwiękowej filmu pozostają w dużej mierze niezmienne. Ale które partytury posunęły tę sztukę do przodu i zmieniły sposób, w jaki słuchamy filmów?
**Wschód słońca: Pieśń dwóch ludzi (1927)**
Niemiecki reżyser ekspresjonistyczny F.W. Murnau nakręcił ten nagrodzony Oscarem film w Hollywood. Choć uznawany za późny film niemy ze względu na napisy, zawierał zsynchronizowane efekty dźwiękowe i muzykę dzięki innowacyjnemu systemowi Movietone wytwórni Fox. Po raz pierwszy dźwięk filmu został zapisany bezpośrednio na taśmie, pozwalając publiczności usłyszeć nagraną muzykę kompozytorów takich jak Chopin i Gounod.
**King Kong (1933)**
Urodzony w Austrii kompozytor Max Steiner udoskonalił funkcję ścieżki dźwiękowej filmu w tym klasyku. Jego drobiazgowe wykorzystanie orkiestry do kształtowania narracji, struktury, scenerii i emocji było kluczowe dla oddziaływania filmu. **King Kong** ustanowił fundament dla całej późniejszej symfonicznej muzyki filmowej Hollywood, a jego wpływ jest trwały.
**Obywatel Kane (1941)**
Był to reżyserski debiut Orsona Wellesa i pierwsza partytura filmowa kompozytora Bernarda Herrmanna. Obaj mieli doświadczenie z nowojorską dramaturgią radiową. W Hollywood Herrmann wyróżniał się wśród przeważnie europejskich kompozytorów. Dla **Obywatela Kane'a** unikał typowego "hollywoodzkiego" stylu symfonicznego, zamiast tego tworząc unikalny świat dźwiękowy podkreślający nastrój i atmosferę.
**Czarna banda (1955)**
Ten film zadał jeden z pierwszych poważnych ciosów tradycyjnej symfonicznej muzyce filmowej. Wytwórnia MGM wykupiła licencję na utwór Billa Haleya i His Comets "Rock Around the Clock" jako główny motyw muzyczny do historii o zbuntowanych nastolatkach w szkole w centrum miasta. Popularność piosenki wywołała poruszenie wśród zaniepokojonych rodziców, stała się globalnym hitem i pokazała studiom, jak muzykę można wykorzystać do promocji filmów. To utorowało drogę ścieżkom dźwiękowym z jazzem.
**Zakazana planeta (1956)**
Lata przed BBC Radiophonic Workshop, pionierzy Louis i Bebe Barron tworzyli eksperymentalne dźwięki przy użyciu taśmy magnetycznej. Podczas gdy Hollywood wcześniej eksperymentowało z instrumentami elektronicznymi, takimi jak theremin – używany przez kompozytorów takich jak Dimitri Tiomkin – **Zakazana planeta** zawierała przełomową, całkowicie elektroniczną ścieżkę dźwiękową. **Coś z innego świata** i partytura Bernarda Herrmanna do **Dnia, w którym zatrzymała się Ziemia** (oba z 1951) wykorzystywały innowacyjne dźwięki. Jednak dla **Zakazanej planety** Louis i Bebe Barron stworzyli pierwszą całkowicie elektroniczną ścieżkę dźwiękową filmu. Jej połączenie efektów dźwiękowych i muzyki zaskoczyło i zachwyciło widownię, inspirując nowe pokolenie kompozytorów.
W latach 60. muzyka pop i jazz w pełni przeniknęły do ścieżek dźwiękowych filmów, a kompozytor Henry Mancini był jednym z jej największych propagatorów. Dla **Śniadania u Tiffany'ego** (1961) Mancini zachwycił producentów, tworząc nie tylko przebojową piosenkę "Moon River", ale także ścieżkę dźwiękową, która doskonale oddawała swoją epokę. Mancini miał talent do "symfonicznego popu", łącząc tradycyjną melodię ze współczesnymi, żywymi brzmieniami. Jego partytury do filmów takich jak **Hatari!** (1962), **Charada** (1963) i **Różowa pantera** (1963) wszystkie skorzystały na tej muzycznej fuzji.
Zrządzenie losu dało nam jedną z najbardziej błyskotliwych i wpływowych ścieżek dźwiękowych wszech czasów dla **2001: Odysei kosmicznej** (1968). Chociaż kompozytor Alex North napisał oryginalną muzykę do tego science fiction Stanleya Kubricka, reżyser ostatecznie ją odrzucił, przywiązawszy się do utworów klasycznych, których używał tymczasowo. Choć można współczuć Northowi, trudno wyobrazić sobie enigmatyczny film Kubricka bez potężnej mieszanki muzyki Ligetiego, Richarda Straussa, Chaczaturiana i Johanna Straussa II.
Przed **Gwiezdnymi wojnami** George Lucas miał kolejny hit – **American Graffiti** (1973). Film uchwycił noc z życia nastolatków z Kalifornii, którzy słuchają rock and rolla, ścigają się samochodami i rozmyślają o życiu i miłości. Zawierając ponad 40 starannie dobranych piosenek z tamtej epoki, słyszanych z radioodbiorników samochodowych i w barach, film i jego album ze ścieżką dźwiękową, który zajął szczyt list przebojów, zainspirowały nową falę soundtracków opartych na piosenkach.
Podczas gdy **American Graffiti** Lucasa podważyło symfoniczną muzykę filmową, jego sci-fi z 1977 roku, **Gwiezdne wojny: część IV – Nowa nadzieja**, ją ożywiło. Za radą Stevena Spielberga Lucas zwrócił się do kompozytora Johna Williamsa z prośbą o napisanie muzyki do filmu, który miał być pełnym miłości pastiszem minionej epoki. Williams stworzył staroświecką partyturę symfoniczną z figlarnymi nawiązaniami do Holsta, Waltona i Korngolda, sprawiając ostatecznie, że Hollywood i publiczność ponownie pokochały orkiestrę symfoniczną.
Hans Zimmer zrewolucjonizował hollywoodzką muzykę filmową, a **Crimson Tide** (1995) reprezentuje szczyt tej zmiany. Ukazał masywne, potężne brzmienie, które stało się jego znakiem rozpoznawczym. Chociaż muzyka elektroniczna zawsze była centralna dla sztuki Zimmera, jego fuzja jej z emocjonalną siłą żywej orkiestry i chóru, słyszana tutaj, stała się wyjątkowo jego własna – i wraz z nią narodziło się brzmienie nowoczesnej hollywoodzkiej muzyki filmowej.
Michael Beek jest dyrektorem artystycznym London Soundtrack Festival, który odbędzie się w dniach 9-12 kwietnia.
Często zadawane pytania
Oczywiście Oto lista często zadawanych pytań na temat tematu Pionierzy Trąbki i Theremin 10 Ścieżek dźwiękowych które zmieniły sposób w jaki słyszymy filmy zaprojektowana tak aby obejmować szereg pytań od początkujących do zaawansowanych
Ogólne Pytania dla początkujących
1 O czym właściwie jest ta lista
Dotyczy 10 konkretnych ścieżek dźwiękowych filmów które były przełomowe Wprowadziły nowe instrumenty techniki nagraniowe lub style kompozytorskie które trwale zmieniły sposób wykorzystania muzyki i dźwięku w filmie
2 Dlaczego w tytule wymieniono pionierów trąbki i theremin
Są to przykłady omawianych innowacji Pionierzy Trąbki i Theremin
3 Czym jest theremin i dlaczego jest ważny dla filmu
Theremin to jeden z pierwszych instrumentów elektronicznych na którym gra się bez fizycznego kontaktu Jego niesamowity falisty dźwięk stał się synonimem science fiction lat 50 pokazując że filmowcy mogą używać niekonwencjonalnych dźwięków do tworzenia określonych nastrojów
4 Czy możesz podać jeden jasny przykład ścieżki dźwiękowej która wszystko zmieniła
Tak Szczęki John Williams użył prostego powtarzającego się motywu dwóch nut granych na tubie i kontrabasie do przedstawienia rekina Udowodnił że minimalistyczny rytmiczny pomysł może być bardziej przerażający i ikoniczny niż tradycyjna melodyjna partytura
5 Jaka jest korzyść ze zrozumienia tych przełomowych ścieżek dźwiękowych
Pomaga to bardziej aktywnie słuchać filmów Zaczynasz zauważać jak muzyka manipuluje twoimi emocjami buduje napięcie i staje się sama w sobie postacią pogłębiając twoje uznanie dla filmu jako formy sztuki
Pytania średnio zaawansowane i zaawansowane
6 Poza thereminem jakie są inne kluczowe innowacje instrumentalne w ścieżkach dźwiękowych filmów
Mellotron przejmujące użycie ondes Martenot integracja pełnych syntezatorów i użycie instrumentów niezachodnich do zdefiniowania świata filmu
