Incluso en la década de 1990, algunos descartaban a Jake y Dinos Chapman como adolescentes crecidos que vendían el valor de impacto por sí mismo. Sin embargo, su obra es lo que más se acerca a dar a esta exposición deprimentemente superficial un momento de verdadera profundidad. Su escultura Great Deeds Against the Dead, basada en un grabado de Goya que representa atrocidades de las Guerras Napoleónicas, muestra cadáveres desmembrados y sangrientos colgando de un árbol. Plantea preguntas sobre la guerra y el arte, sobre cómo se representa el dolor y sobre si el arte puede servir a un propósito moral. El mejor arte británico de la década de 1990 era así: descarado, vulgar y macabro en la superficie, pero inesperadamente inteligente y emocional por debajo. Desafortunadamente, esta muestra no es nada de eso.
Uno pensaría que Tate Britain querría hacer justicia a una década en la que estas galerías de Millbank desempeñaron un papel protagonista, acogiendo el Premio Turner en los años en que vacas diseccionadas, casas de hormigón y estiércol de elefante hicieron debatir a la nación. A principios de la década de 1990, nadie consideraba a Gran Bretaña un líder en arte contemporáneo. Para el cambio de milenio, éramos más conocidos por el arte nuevo que por la novela nueva.
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Inofensivo… Two Similar Swimming Forms in Endless Motion (Broken), 1993, de Damien Hirst. Fotografía: Damien Hirst and Science Ltd/DACS Images
Una exposición que revisitara espectacularmente el arte británico de fin de siglo sería una perspectiva interesante. En cambio, se ha invitado al exeditor de Vogue Edward Enninful a montar su propia versión fantástica de esa década, mezclando arte y moda con un fuerte énfasis en la moda. Hay más sobre Isabella Blow que sobre Rachel Whiteread, quien está representada por un vaciado temprano del interior de una bolsa de agua caliente. Damien Hirst tiene un par de tiburones pequeños y aparentemente inofensivos equilibrados sobre un riel circular. A partir de esto, no hay forma de entender cómo su obra temprana parecía enfrentarse a las fauces abiertas de la muerte del tiburón tigre. Quizá su arte de los noventa todavía pueda conmovernos, o quizá se haya vuelto ridículo con el tiempo, pero aquí no hay suficiente ni para empezar a decidirlo.
Esto no es una exposición real. Es una doble página de revista. No solo hay revistas de estilo en la muestra, sino que su diseño tiene la superficialidad sin aliento de un diseño brillante que promociona su tema simplista —en este caso, "Los 90"— mediante un barrido glamuroso de imágenes llamativamente yuxtapuestas. Pero colocar fotografía de moda junto a arte conceptual es una idea terrible. Si te tomas en serio las imágenes de moda, reduces el arte a otra pose elegante más. Si, como yo, te importa el arte, la moda parece bastante vacía.
La fotografía de Juergen Teller de 1996 Kristen McMenamy No 3 cuelga junto a la obra de Sarah Lucas de 1997 Chicken Knickers. La imagen de Teller muestra a su sujeto desnuda y fumando, con un corazón de labial dibujado en su cuerpo que contiene la palabra "Versace". ¿Qué dice aparte de "Compra Versace"? Ahora mira la fotografía de Lucas de un pollo crudo pegado a las bragas de alguien. Es divertida: una gran hazaña contra un pollo muerto, de una artista con un genio para el extrañamiento, como te recuerda una escultura de Lucas de un "Bunny" sobre una silla con patas delgadas enfundadas en medias.
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Un genio para el extrañamiento… Chicken Knickers, 1997, de Sarah Lucas. Fotografía: Tate Photography/Cortesía de la artista y Sadie Coles HQ, Londres
Teller queda expuesto como meramente un estilista hábil cuyas imágenes carecen de poesía o significado. Su retrato de Kate Moss no tiene nada de la distancia o el misterio de la pintura de Gary Hume de ella con un rostro brillante, metálico y especular. Hume proporciona uno de los pocos momentos en que la moda y el arte genuinamente se superponen, pero como arte pop, su Kate es más un comentario funesto, al estilo de Richard Hamilton, sobre la celebridad que una celebración de la Cool Britannia.
No es que la muestra tenga mucho que decir sobre esa efervescencia pop-cultural más amplia. Hay una sala entera llena de fotos de fiestas que retratan la escena de los clubes, pero seguramente otro punto de los 90 fue que el pop británico mainstream fue revivido. Supongo que Enninful es demasiado sofisticado para encontrar espacio para Oasis o Blur, y mucho menos para Fat Les.
En cambio, tenemos alta costura. Obviamente se puede ver a Alexander McQueen como un artista. Pero, sinceramente, la sala dedicada al "horror corporal" está dominada por sus vestuarios, que son simplemente afectados y pretenciosos. Si expresan algo, podría ser un odio hacia las mujeres, a quienes obligó a caminar por las pasarelas con atuendos hechos de alambre y ramos de acero. En la misma sala, imágenes pomposas y espantosas tomadas por Sean Ellis para The Face cubren una pared entera. Junto a estas, Jake y Dinos parecen notablemente profundos.
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Imágenes pomposas y espantosas… The Dark Knight Returns, de Sean Ellis para The Face, 1998. Fotografía: © Sean Ellis
Otros artistas plásticos no salen tan bien parados. Helen Chadwick recibe dos testimoniales obras fotográficas inquietantes, mientras que el arte obsesionado con la muerte de Hamad Butt, mostrado bellamente en el Whitechapel no hace mucho, está apiñado al final de la galería. Chris Ofili recibe una mención con No Woman, No Cry; Tracey Emin recibe una pieza de neón. Otros artistas destacan por su ausencia, desde Jeremy Deller hasta Mat Collishaw hasta la difunta y muy echada de menos Christine Borland.
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Fiestas duras, alquileres baratos y pisos horribles: cómo el arte y la moda de los 90 redefinieron la cultura británica
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¿O me equivoco? ¿Realmente el Young British Art merece el trato despectivo que Tate le da, aunque a Tate le fue tan bien con estos artistas? Quizá realmente era un montón de tonterías. Pero incluso si no compartes mi creencia de que parte del arte de esa época es poderoso y perdurable, seguramente merece suficiente espacio para ser visto y juzgado.
Después de solo siete salas, termina de repente. Esperaba que lo que había visto fuera un prólogo a más arte, arte más grande, con suficiente espacio para apreciarlo. Pero no. Eso es todo. Sales tan insatisfecho como podrías quedar después de hojear una copia de The Face de hace 30 años en la sala de espera de un dentista. The 90s está en Tate Britain, Londres, del 8 de octubre de 2026 al 14 de febrero de 2027.
Preguntas frecuentes
Preguntas frecuentes Reseña de The 90s Art and Fashion Esto no es una exposición, es una doble página de revista
1 ¿De qué trata la reseña de The 90s Art and Fashion?
Es una reseña crítica de un proyecto o muestra que afirma explorar el arte y la moda de la década de 1990. El crítico sostiene que no es una exposición real: es más como una doble página de revista brillante, todo estilo y nada de profundidad.
2 ¿Qué significa esto no es una exposición, es una doble página de revista?
Significa que la exhibición se ve bonita pero carece de la investigación, el contexto y el significado que debería tener una exposición real. Se trata más de lo visual y las vibras que de las ideas.
3 ¿Por qué se calificaría una muestra como doble página de revista?
Porque está organizada como un editorial de moda: imágenes cuidadosamente estilizadas, nombres famosos y estéticas de moda, pero sin la narrativa o la erudición de una exposición de museo.
4 ¿Es eso algo malo?
No siempre. Una doble página de revista puede ser divertida y visualmente emocionante. La crítica es que se presenta como algo más profundo —una exposición— cuando no lo es.
5 ¿Cuál es la diferencia entre una exposición y una doble página de revista?
Una exposición normalmente tiene un argumento claro, investigación y contexto. Una doble página de revista prioriza las imágenes, el ambiente y el atractivo comercial.
6 ¿Cómo era la escena del arte y la moda en la década de 1990?
Era una mezcla de grunge, minimalismo, streetwear y alta costura. Artistas y diseñadores se cruzaban mucho; piensa en Helmut Lang, Maison Margiela y fotógrafos como Corinne Day.
7 ¿Por qué el arte y la moda de los 90 son tan populares ahora?
Nostalgia. La era se siente cruda y auténtica para muchas personas, y sus estilos —vaqueros anchos, vestidos lenceros, minimalismo— siguen volviendo.
8 ¿Cuáles son los problemas comunes de las exposiciones con temática de los 90?
A menudo dependen de clichés y omiten la política, la economía y las voces diversas de la década.
9 ¿Puedes dar un ejemplo de una buena exposición de arte y moda de los 90?
The Fashion World of Jean Paul Gaultier o In America: A Lexicon of Fashion manejaron bien el contexto y la artesanía. Exposiciones más pequeñas en lugares como el Fashion Institute of Technology también lo hacen.
