Există o pictură la care mă gândesc adesea—**Madonna del Parto**, o capodoperă din 1460 a lui Piero della Francesca, expusă într-un mic muzeu din Monterchi, Toscana. Înfățișează Fecioara Maria, gravidă în stare avansată, cu doi îngeri de o parte și de alta. Generații întregi de femei din zonă au venerat-o ca pe un protector al fertilității și al nașterii. În timpul celui de-al Doilea Război Mondial, au înfruntat chiar bărbații pe care îi credeau naziști încercând să o fure. Mai târziu, în 1954, au protestat împotriva mutării ei planificate la Florența, întinzându-se pe stradă pentru a bloca transportul.
Ieri, amintindu-mă de acele femei, am vizitat expoziția lui Jenny Saville de la National Portrait Gallery, observând cum arta renascentistă și-a pus amprenta asupra operei sale. Fascinația lui Saville pentru marii maeștri a început în copilărie, mulțumită unui unchi istoric de artă care a dus-o la Veneția. Această influență este cea mai evidentă în tablourile sale despre maternitate—imagini crude și puternice ale ei cu copiii săi, ecouri ale operelor lui Leonardo și Michelangelo. Aproape că le poți vedea Madonele în schițele învolburate din jurul figurilor sale. Una dintre cele mai impresionante lucrări ale sale, **Pietà I**, un studiu în cărbune și pastel, s-a născut din profunda sa conectare cu **Depunerea din Cruce** a lui Michelangelo.
Mă tem că te-aș putea pierde în discuții despre istoria artei, așa că să revenim la femeile care au protestat în Monterchi. La începutul anilor douăzeci, nu puteam înțelege cum poți iubi atât de mult o pictură renascentistă încât să te întinzi pe stradă pentru ea. Pe atunci, arta religioasă nu mă emoționa—probabil pentru că nu am crescut într-un mediu religios. Pentru mine, erau doar Isusi copii înțepeniți și oameni îngenuncheați în reverență. Îi înțelegeam importanța istorică—nașterea perspectivei!—și am studiat conștiincios pe Titian și Michelangelo, trecând chiar un examen oral despre opera lui Leonardo. Dar, având de ales, preferam întotdeauna arta abstractă și contemporană. Un Rothko sau Joan Mitchell vorbeau la mine în feluri în care tablourile renascentiste nu reușeau niciodată.
Știam că problema era la mine—pur și simplu nu **înțelegeam**. Scânteia aceea misterioasă pe care o au unele opere, modul în care rezonează, îmi scăpa. Stând în expoziția lui Saville cu ani mai târziu, înconjurat de lucrările sale despre mamă și copil, am realizat că distanța mea față de artă nu era doar despre religie—ci despre experiența de viață. La 23 de ani, după ce am supraviețuit unei tentative de omor, gusturile mele s-au orientat spre baroc (pretențios, poate, dar trauma ne modelează, adesea prin artă—gândiți-vă la asta ca la faza mea cu death-metalul). L-am târât pe iubitul de atunci prin bisericile Romei să vedem Caravaggio; am stat în fața **Juditei ucigându-l pe Holofern** a lui Artemisia Gentileschi de la Uffizi și am simțit furia ei.
Nu am plâns la expoziția lui Saville, dar am fost aproape în fața **Aleppoului**, **Pietà**-ei pentru copiii Siriei.
Când eram mai tânără, sinceritatea părea insuportabil de vulnerabilă, așa că, ca mulți în douăzeci și ceva de ani, îmi ascundeam naivitatea în spatele unei detașări cinice. Dar viața se întâmplă—uneori lucruri cumplite—și îmbătrânirea te face să îți fie mai ușor să iubești profund fără rușine. Pe atunci, evitam greutatea emoțională a anumitor experiențe—nu doar moartea, ci orice legat de maternitate. Nu voiam să ajung acolo.
Apoi, pe când începeam să mă gândesc la a avea un copil, am descoperit că mă atrăgeau tablourile Bunei Vestiri—acel moment în care îngerul Gavriil îi spune Mariei că va naște un copil. Lăsând la o parte credința în nașterea virgină, arta însăși a început să mă miște în moduri neașteptate. Ideea de a capta acel sentiment—momentul în care îți dai seama că viața e pe cale să se schimbe complet—m-a fascinat brusc. A devenit și mai impresionant când am aflat că sunt însărcinată.
Copilă fiind, copiasem îngerul din **Buna Vestire** a lui Fra Angelico dintr-o carte a mamei mele, ignorând-o complet pe Maria. Dar cu ani mai târziu, stând în fața tabloului la Florența ca adultă, tot ce puteam vedea era expresia de pe fața ei. A vedea arta în persoană face diferența, dar bănuiesc că hormonii joacă și ei un rol.
Vara aceasta, o prietenă apropiată a aflat că e însărcinată—atât de repede încât a fost la fel de șocată ca și mine. I-am trimis o imagine a acelui tablou, glumind că Maria "arată de parcă e pe punctul de a vomita". Poate că mai am de muncă în a-mi depăși rezistența față de sinceritate, dar nu aș schimba versiunea mea actuală cu cea mai tânără și mai cinică. Prefer să fiu persoana care, proaspăt după naștere, a plâns în fața unei Madone a lui Raphael—oricât de jenant a fost.
Nu am plâns la expoziția lui Jenny Saville, dar am fost aproape în fața **Aleppoului**, **Pietà**-ei sale pentru copiii Siriei. Tabloul părea să cuprindă toată durerea și agonia mamelor din Gaza care și-au pierdut copiii din cauza violenței Israelului. Mi-am dat seama că femeile din Monterchi nu doar protejau o capodoperă—se protejau una pe alta și pe copiii lor, așa cum o vedeau ei.
A te lăsa mișcat de artă înseamnă și a te deschide la durerea altora—chiar și a fi dispus să riști pentru ei. Să te întinzi pe stradă, cu alte cuvinte.
Rhiannon Lucy Cosslett este columnist la **The Guardian**. Romanul ei **Female, Nude**, despre artă, corp și sexualitatea feminină, va fi publicat în 2026.
ÎNTREBĂRI FRECVENTE
### **Întrebări frecvente despre „Niciodată nu am crezut că arta renascentistă contează pentru mine. Apoi viața s-a schimbat—și am înțeles adevărata ei putere.”**
#### **Întrebări pentru începători**
**1. Care este ideea principală a articolului lui Rhiannon Lucy Cosslett?**
Articolul explorează cum arta renascentistă, care inițial părea irelevantă, a devenit profund semnificativă pentru autoare în timpul unei crize personale, dezvăluind puterea ei emoțională și psihologică.
**2. De ce nu-i păsa autoarei de arta renascentistă înainte?**
O vedea ca pe ceva depărtat, vechi și deconectat de viața modernă—până când problemele personale i-au arătat temele sale atemporale: suferința, frumusețea și rezistența.
**3. Cum a ajutat-o arta renascentistă pe autoare?**
I-a oferit mângâiere, perspectivă și un sentiment de conexiune cu experiențele umane de-a lungul timpului, ajutând-o să facă față emoțiilor dificile.
**4. Care este un exemplu de artă renascentistă menționat în articol?**
Autoarea menționează lucrări precum **Pietà** a lui Michelangelo, care o înfățișează pe Maria ținându-l pe Hristos mort, simbolizând durerea și compasiunea.
**5. Trebuie să fii expert în artă pentru a aprecia arta renascentistă?**
Nu—autoarea arată că conexiunea personală contează mai mult decât cunoștințele tehnice.
#### **Întrebări intermediare**
**6. Cum se leagă arta renascentistă de provocările moderne?**
Abordează teme universale—dragostea, pierderea, credința, suferința—făcând-o relevantă și astăzi.
**7. Poate arta cu adevărat să ajute la vindecarea emoțională?**
Da, așa cum a descoperit autoarea, arta poate oferi alinare, reflecție și o cale de a procesa emoțiile.
**8. Ce diferențiază arta renascentistă de alte stiluri?**
Subliniază realismul, emoția umană și povestirea religioasă/mitologică, adesea cu semnificații simbolice profunde.
**9. Cum pot începe să apreciez arta renascentistă dacă mi se pare plictisitoare sau învechită?**
Caută lucrări care rezonează cu experiențele tale, citește poveștile lor sau vizitează un muzeu.
**10. S-a schimbat definitiv perspectiva autoarei asupra artei?**
Da—acum o vede ca pe o sursă de putere și conexiune, nu doar ca pe artefacte istorice.
#### **Întrebări avansate**
**11. Cum conectează articolul arta renascentistă cu sănătatea mintală?**
Sugerează că implicarea în artă poate fi terapeutică, oferind o cale de a procesa durerea și a găsi sens.
