En pos del realismo, Timothée Chalamet sabía lo que requería la escena. "Me estoy metiendo de verdad en la cara del tipo y realmente estoy tratando de que se enoje conmigo", recordó recientemente el actor principal sobre la realización de Marty Supreme de Josh Safdie. "Le decía a Josh: 'No se está enfadando conmigo, no se está enfadando conmigo'".
Pero resultó que el extra anónimo había estado prestando atención. Chalamet añadió: "Hice otra toma, y entonces el tipo dijo: 'Acabo de estar 30 años en la cárcel. Realmente no quieres meterte conmigo. No quieres verme enfadado'. Le dije a Josh: '¡Hostia, con quién me has emparejado, tío!'".
La respuesta fue que Safdie había elegido a un no actor —uno de los muchos que tienen papeles en Marty Supreme, un homenaje ficticio al jugador de ping-pong de mediados del siglo XX Marty Reisman—. Del mismo modo, Paul Thomas Anderson utilizó a personas sin experiencia actoral previa para su thriller de acción y comedia One Battle After Another.
Safdie y Anderson siguen una larga tradición de directores que utilizan a no profesionales para lograr un nivel de autenticidad basado en la experiencia vivida y la presencia física, más que en la técnica teatral. Ha abarcado desde el cine soviético temprano y el neorrealismo italiano hasta una aparición fugaz de Donald Trump en Solo en casa 2.
One Battle After Another tiene nombres de cartelera en abundancia —Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Benicio Del Toro, Teyana Taylor—, pero también un cameo llamativo de James Raterman, un agente especial retirado del Servicio Secreto y de Investigaciones de Seguridad Nacional. Anderson vio a Raterman después de que este participara en The Trade, una serie documental sobre la crisis de los opioides y la trata de personas.
A pesar de su falta de experiencia actoral, se entregó por completo al papel del coronel Danvers. "Es un trabajo y hay que esforzarse", dice Raterman por teléfono desde Columbus, Ohio. "Lo bueno conmigo y con Paul es que él es muy colaborativo. Me permitió, junto con los otros actores, improvisar.
"Este es uno de los mejores consejos de actuación que he recibido y lo recibí del señor Anderson. Dijo: Jim, cuando leas el guion, no prestes atención a las palabras en la página; presta atención a lo que necesito que hagas en ese momento particular. Honestamente, probablemente podría haber ido a la escuela de cine y estudiado durante años y años y quizás haber recibido el mismo consejo, pero, viniendo de alguien como Paul Thomas Anderson, te pone en un estado de ánimo diferente".
Raterman no tiene más que elogios por cómo los actores profesionales de One Battle After Another lo acogieron en su círculo. "Son increíbles actores de primera línea que no tienen ningún problema en tomarte bajo su protección y tratarte como a un miembro de la familia y querer que te eleves de tal manera que todo el proyecto se eleve.
"Nunca te sentiste como un extraño, nunca te sientes como un forastero y eso empezó desde arriba. Empezó con Paul Thomas Anderson y así es él, así que todos siguen su ejemplo. No sé si todos tienen la misma experiencia, pero me trataron como a un miembro de la familia desde el primer día hasta incluso hoy. Fue una experiencia increíble, divertida y agradable. Nos reímos, creamos vínculos, hicimos algunas amistades increíbles".
One Battle After Another también cuenta con Paul Grimstad, músico, escritor y profesor de humanidades en la Universidad de Yale. Durante años evitó el trabajo ante la cámara tras un papel temprano en la película independiente de su compañero de piso Ronald Bronstein, Frownland. Pero entonces Bronstein pasó el nombre de Grimstad a la directora de casting Cassandra Kulukundis, quien inmediatamente vio una conexión natural con el personaje Howard Sommerville.
Grimstad, de 52 años, dijo al periódico New York Times que "actuar fue increíblemente divertido" y afirmó que sus años como profesor universitario lo ayudaron a prepararse para el papel. El trabajo de profesor fue la preparación ideal. "Hay un elemento de performance verbal en la enseñanza. No hablo de un espectáculo exagerado, sino de una cierta forma de dar vida a un libro".
Grimstad también aparece en Marty Supreme, una película ambientada principalmente en Nueva York a principios de la década de 1950. El elenco incluye a no actores como el magnate de supermercados John Catsimatidis, los exjugadores de baloncesto George Gervin y Tracy McGrady, el ensayista y novelista Pico Iyer, el dramaturgo David Mamet, el diseñador de moda Isaac Mizrahi, el habitual de Shark Tank Kevin O'Leary y el artista francés de la cuerda floja Philippe Petit.
Catsimatidis, de 77 años, dice: "Josh Safdie dice que me conoció o me vio cuando me postulaba para alcalde en 2013 y yo era lo que se llama un personaje neoyorquino, y él buscaba personajes. Siendo un personaje neoyorquino, supongo que califico. Las líneas que usé son cosas que hago en la vida real, así que no estaba actuando: ese era yo".
Reflexiona: "Lo disfruté. Me hicieron trabajar hasta medianoche. Hicieron una escena 20 veces. Josh Safdie fue un gran director. Es un perfeccionista, y aprecio a alguien que quiere la perfección".
Petit, quien caminó sobre la cuerda floja entre las torres gemelas del World Trade Center en Nueva York en 1974, dice: "Muchos directores están interesados en lo que yo llamaría la frescura de los no actores. Muy a menudo, cuando tomas a un no actor en lugar de una estrella de cine para una película, ese no actor no tiene el entrenamiento, y algo de eso podría ser negativo. Pero también me gusta mucho que un completo novato haga algo importante. A veces es una revelación".
McGrady, de 46 años, quien jugó para equipos como Orlando Magic y Houston Rockets, añade por correo electrónico: "Creo que aportamos algo real. Hay una autenticidad que proviene de personas que han vivido una vida diferente y traen esa energía de forma natural. Para mí, solo estoy siendo yo mismo y aportando mi propia experiencia al papel. A veces esa crudeza añade algo especial (con suerte)".
Gervin, de 73 años, exjugador de San Antonio Spurs apodado el "Hombre de Hielo", dice: "Conocí a Josh, el director, hace unos años en una feria de cartas. Nos dimos la mano y hablamos, y lo siguiente que sé es que recibo una llamada del estudio diciendo que Josh quería que interpretara un papel en la película".
Gervin interpreta a Lawrence, el dueño de un salón de ping-pong en el centro de Manhattan. Dice sobre Safdie: "Es muy cuidadoso en quién elige. Dijo: 'Cuando conocí a George Gervin, George fue tan cálido que me hizo sentir que podría dirigir un orfanato'. Sabe que tengo dos escuelas concertadas, así que estoy con niños todo el tiempo y los educo. ¿Se arriesgó? Probablemente sí, pero él tenía el control de lo que entra y lo que sale, y me alegro de que tuviera esa confianza en mí".
Gervin descubrió que hacer cine implica largas horas. "Fui al set a las tres de la tarde y no terminé hasta las cuatro de la mañana. No estaba acostumbrado a ese tipo de resistencia, pero solo me tomó un día hacer la pequeña parte que tenía en la película. Tienes un respeto diferente por alguien como Timothée, que es el personaje principal, y estuvo despierto 12 horas conmigo. Tienes que ser mental y físicamente fuerte para lograr lo que él hizo. Estoy realmente impresionado con lo que implica hacer películas".
Safdie imaginó el club de Lawrence como un lugar seguro para inadaptados, lo que le dio a la directora de casting Jennifer Venditti la oportunidad de estudiar fotografías de la década de 1950 y contar su historia a través de rostros. Su trabajo en Marty Supreme ha sido preseleccionado para la nueva categoría de los Oscar a Mejor Casting.
Venditti, quien comenzó a hacer casting callejero hace 25 años mientras estaba en la industria de la moda, es una colaboradora desde hace mucho tiempo tanto con Josh Safdie como con su hermano cineasta, Benny. Eligió al exjugador de baloncesto Kevin Garnett para interpretarse a sí mismo en el thriller criminal de los Safdie de 2019 Uncut Gems.
Dice por teléfono: "Una de nuestras señas de identidad es esta idea de que buscamos recrear el cine de la vida. A veces... Me encantan los actores y los personajes, pero a veces dentro del grupo de actores, no podemos encontrar la textura específica necesaria para construir la autenticidad del mundo que estamos explorando". Venditti añade: "Siempre estamos tratando de crear esta alquimia entre actores increíbles que saben hacia dónde va una escena y estas personas salvajes y sin entrenamiento que pueden añadir textura y misterio porque no saben hacia dónde va la escena. Es la tensión entre esas dos cosas lo que crea la emoción en las películas de Josh. Es cómo vemos el mundo y cómo queremos verlo en pantalla".
¿Cómo responden generalmente los actores consagrados? "Al principio, si eres un actor muy entrenado, puede ser alarmante —como, espera, esta persona no sigue las reglas o me está interrumpiendo—. Pero Josh es un director tan increíble que crea un ambiente tan seguro que confían en él, y luego se dan cuenta de que ese tipo de salvajismo en realidad mejora su actuación".
El proceso funciona en ambos sentidos, señala Venditti. "El compañero de escena hace que estas personas reales sean buenas. Timothée está en cada escena, presentándose con su dedicación, enfoque y nivel de maestría. Se vuelven tan buenos porque están en una escena con alguien que les exige eso, y se elevan para encontrarse mutuamente".
El uso de no actores se remonta a las primeras películas soviéticas como El acorazado Potemkin y Octubre de Sergei Eisenstein en la década de 1920. Las películas neorrealistas italianas como Ladrón de bicicletas de Vittorio De Sica utilizaban frecuentemente a no actores para representar a la clase trabajadora, a menudo doblando su diálogo con actores de voz profesionales en la postproducción para garantizar claridad y control emocional.
Ejemplos notables de EE.UU. y Reino Unido incluyen Los mejores años de nuestra vida, con Harold Russell, un veterano de la Segunda Guerra Mundial que perdió ambas manos; Los gritos del silencio con Haing S. Ngor, un médico camboyano y sobreviviente del genocidio sin experiencia actoral; y United 93, en la que personal real de tripulación de vuelo, controladores aéreos y personal militar se interpretaron a sí mismos.
Catherine O'Rawe, autora de The Non-Professional Actor: Italian Neorealist Cinema and Beyond y profesora de cine y cultura italiana en la Universidad de Bristol, dice: "El no profesional es una figura tan interesante. Nos obliga a mirar la cuestión de qué es actuar, qué es la interpretación. ¿Es solo pararse y decir una línea? ¿Qué aporta una buena actuación? Algunos de los no actores en las películas italianas de posguerra no eran necesariamente lo que consideraríamos actores brillantes, pero tenían un rostro increíble que al director le encantaba".
Pero la práctica también ha sido controvertida. Victoire Thivisol, de cuatro años, ganó el premio a Mejor Actriz en el Festival de Cine de Venecia de 1996 por su papel en Ponette, una película sobre un niño que ha perdido a su madre. O'Rawe dice: "Su actuación fue tan conmovedora que ganó este premio. El director lo recogió en su nombre y fue abucheado por críticos y la audiencia porque se vio como un agravio a la profesión: si un niño de cuatro años puede hacer esto, entonces ¿qué vale el oficio de actuar?".
En 2018, Yalitza Aparicio hizo su debut actoral en el drama de Alfonso Cuarón Roma, obteniendo una nominación al Oscar a Mejor Actriz. O'Rawe comenta: "Era una completa no actriz, y eso fue una fuente de gran fascinación en la prensa. Pero a veces la gente se siente un poco incómoda de que alguien sin entrenamiento pueda ser nominado para premios porque, para los actores profesionales, puede sentirse como: '¿Por qué hemos pasado nuestras vidas entrenando y estudiando interpretación si alguien puede simplemente salir de la calle y ganar un Oscar?'".
Sin embargo, estas estrellas accidentales a menudo encuentran imposible construir una carrera duradera. Pueden ser impulsadas al centro de atención en los Oscar, solo para quedarse sin una red de seguridad una vez que termina el ciclo de producción. La industria puede enamorarse de un rostro "no contaminado" para un solo proyecto, pero rara vez ofrece la infraestructura o el apoyo continuo necesario para una carrera sostenida. O'Rawe observa: "Estos debates han resurgido en diferentes momentos, pero siempre hay esta tensión subyacente —tanto un sentido de resentimiento como la realidad de que la industria podría abrazar a alguien brevemente, pero no lo sostendrá.
Hemos visto muchos casos en los que los actores, después de un momento de revelación —a veces incluso después de ganar un premio—, se encuentran incapaces de conseguir trabajo porque carecen de formación formal, no tienen conexiones en la industria cinematográfica o no tienen agentes o managers que los apoyen. Puede ser increíblemente difícil construir o mantener una carrera duradera".
Preguntas Frecuentes
Preguntas Frecuentes No Estaba Actuando, Era Yo: Personas Reales Robando el Protagonismo
P1 ¿Qué significa incluso "No estaba actuando, era yo"?
R1 Es una frase que destaca cuando los no actores ofrecen actuaciones tan auténticas y poderosas en películas o programas de televisión que se convierten en contendientes importantes para premios, a menudo compitiendo contra actores profesionales entrenados.
P2 ¿Por qué está sucediendo tanto esta temporada de premios?
R2 Algunas razones clave: 1) Los servicios de streaming y los estudios están invirtiendo en historias audaces basadas en la realidad. 2) Los directores de casting buscan la máxima autenticidad para roles específicos. 3) El público y los críticos están respondiendo fuertemente a estas actuaciones crudas y sin filtrar.
P3 ¿No es más fácil simplemente interpretarse a uno mismo? ¿Por qué es importante?
R3 A menudo es más difícil. Revivir experiencias personales traumáticas o intensas ante la cámara requiere una inmensa vulnerabilidad emocional. También carecen de entrenamiento actoral formal en el que apoyarse, por lo que navegan por un set de filmación de alta presión mientras están completamente expuestos.
P4 ¿Puedes darme algunos ejemplos recientes?
R4 Absolutamente. Piensa en Kelsey Juliana o Molly Kearney extrayendo directamente de su experiencia no binaria en un papel cómico. En documentales, sujetos como los activistas ucranianos en 20 Days in Mariupol también están interpretando su crisis de la vida real.
P5 ¿Cuál es el principal beneficio de elegir a una persona real sobre un actor?
R5 Autenticidad inigualable. Aportan matices vividos, lenguaje corporal específico y emoción genuina que puede ser difícil de replicar. También añade una poderosa meta-capa a la historia, sabiendo que estás viendo a la persona real.
P6 ¿Cuáles son las posibles desventajas o problemas con esta tendencia?
R6 Las preocupaciones éticas son grandes. ¿Están estas personas siendo adecuadamente apoyadas emocionalmente? ¿Son compensadas justamente en comparación con los actores sindicalizados? También existe el riesgo de explotación, donde el trauma de alguien se usa para entretenimiento sin el cuidado posterior adecuado.
P7 ¿Significa esto que los actores profesionales van a ser reemplazados?
