Han var den ultimata syntetisören.
David Hockney dök inte bara upp från ingenstans som ett fullfjädrat konstnärligt underbarn. Hans arbete förde samman så mycket som kom före och som hände omkring honom. Han tog idéer från minimalism och abstraktion, blandade dem med traditionellt porträttmåleri och filtrerade allt genom pop- och konceptkonströrelserna på 1960-talet. Han var skyldig andra konstnärer mycket, men han kombinerade alla dessa influenser till något så enkelt, omedelbart, lättförståeligt och inbjudande att det blev helt nytt.
Han var en arbetarklasshjälte.
Arbetarklasspojkar från Bradford gick inte på konstskola. Det var bara inte något man gjorde. Det var för andra. Men Hockney var född att trotsa förväntningar. Han berättade för The Guardian 2015: "När jag gick på konstskola sa en granne: 'Några av människorna på konstskolan jobbar inte alls. Lata jävlar.' Och jag sa: 'Åh, jag kommer att jobba, oroa dig inte.'" Och det gjorde han, oavbrutet, ohejdbart, ända till slutet.
Han förändrade hur vi ser på perspektiv.
Hockney såg traditionellt perspektiv – där alla linjer leder till en enda, avlägsen flyktpunkt – som inte bara begränsande och tråkigt, utan helt orealistiskt. Han trodde att vi inte ser världen som frusen och stilla; vår syn är aktiv och ständigt skiftande. Hans lösning var omvänt perspektiv: han flyttade flyktpunkten bakom betraktaren eller delade upp den i flera riktningar. Resultatet är ibland svindlande, märkligt och oroande, men mycket närmare hur vi verkligen ser världen.
Han överbryggade klyftan mellan fotografi och måleri.
Fotografi var centralt i Hockneys arbete i decennier. Under senare år inkluderade han direkt foton i sina målningar, men hans bästa arbete med mediet var hans collage. Han tog flera bilder av samma motiv från olika vinklar (ofta med en Polaroid) och skapade kalejdoskopiska vyer av världen omkring honom. Fotona påverkade hur han målade, och hans måleri påverkade hans fotografi. Till slut blev de två medierna nästan ett.
Han gjorde landskap monumentala.
Yorkshire blev Hockneys musa i mitten av 2000-talet, och han återvände gång på gång till de böljande kullarna runt Bridlington. År 2007 inspirerade skogen i Woldgate honom att driva landskapsmåleri till dess absoluta gräns. Han ville måla landsbygden i en skala som vanligtvis är reserverad för konstens stora, viktiga ämnen: historia, bibliska scener, nationell befrielse. De resulterande målningarna var enorma, nyskapande och nästan chockerande försök att höja vardagliga scener till monumentala höjder.
Han var en teknologisk innovatör.
Han var inte blyg för att omfamna ny teknik, och under sina senare år tog han till sig iPad med entusiasm. Att måla direkt med en digital penna eller sitt finger gjorde att han kunde arbeta snabbt och direkt. Många kritiker hatade iPad-verken och klagade på "förlusten av konstnärens hand" eller kallade dem "oförklarligt röriga". Men det som är fantastiskt är att även i detta nya, digitala, okända medium är hans verk omedelbart igenkännbara. Det spelar ingen roll om det är en iPad – det ser fortfarande ut som Hockney.
Han definierade hur vi ser Los Angeles.
Det krävdes en pojke från djupaste West Yorkshire för att verkligen fånga den solbelysta, fuktiga skönheten i Los Angeles. Hockney flyttade till Kalifornien 1964 och tillbringade de följande decennierna med att skapa högt stiliserade, ultracoola visioner av livet bland palmerna, poolerna och den postmoderna arkitekturen i Hollywood och dess omgivningar. När vi tänker på LA och hur det ser ut, ser vi det genom Hockneys ögon.
Hans porträtt fick stjärnor att se mänskliga ut.
Porträttmåleri var kärnan i Hockneys konst från allra första början. Hans bilder av sin mor är ömma och kärleksfulla, hans porträtt av älskare är intima och ljuva. Det spelade ingen roll om han målade en Rothschild, sin kusin, en popstjärna eller en studioassistent – han behandlade alla med samma grace. Mot slutet blev några av porträtten ganska fläckiga och kladdiga, men han förlorade aldrig sin förmåga att förmedla sin djupa kärlek till måleriet och till de människor han målade.
Han var en pionjär inom immersiv konst.
Visa bild i fullskärm
Människor som går inuti en Hockney-skog i utställningen David Hockney: Bigger & Closer (not smaller & further away) på Lightroom, London. Fotografi: David Hockney/PA
Immersiv konst blev trenden för stunden på stora museer i början av 2020-talet, och Hockney tänkte inte bli lämnad efter. Han tog över Londons Lightroom-arena med Bigger & Closer (not smaller & further away) 2025, en blandning av självbiografisk dokumentär och digital konstutställning. Precis som med sina Polaroids och iPads såg Hockney hur ny teknik kunde skifta perspektiv och förändra hur nära betraktare kunde komma konsten.
Han omfamnade teater och opera.
Hockneys mycket enkla, djärva och färgstarka stil passade perfekt för scenen. Han designade scenografin för en produktion av Ubu Roi på Londons Royal Court Theatre 1966 och återvände till teater- och operadesign under hela sin karriär. Han arbetade på produktioner av Tristan und Isolde, Turandot och Trollflöjten, bland många andra, alla fyllda med hans målningar som väckts till liv. Hans signaturmässiga omvända perspektiv drog betraktaren rakt in i hjärtat av handlingen.
Han hyllade sin sexualitet.
Hockneys tidigaste verk var fulla av köttsliga, lustfyllda bilder: enorma fallosar, kroppar som trasslat ihop sig kaotiskt. De var mycket fräcka, och det var ett modigt drag för en ung homosexuell konstnär på 1960-talet, även i swingande London. Hockneys sexualitet var alltid central i hans arbete, och det hjälpte till att bana väg för många andra homosexuella konstnärer att känna sig fria att uttrycka sig själva också.
Vanliga frågor
Här är en lista med 10 vanliga frågor om David Hockneys konst som täcker hur han förändrade konsten med sina hyperstiliserade ultracoola visioner
1 Vad menar du exakt med hyperstiliserad ultracool i Hockneys verk
Det betyder att hans målningar inte ser ut som realistiska foton Istället använder de djärva platta färger skarpa konturer och förenklade former Den coola delen kommer från hans motiv soliga simbassänger modern arkitektur och människor som ser avslappnade och stiliga ut
2 Hur förändrade Hockney hur vi ser simbassänger i konsten
Innan Hockney var bassänger sällan ett huvudmotiv Han gjorde dem ikoniska genom att måla vattnet med ett system av korta slingriga blå linjer Detta skapade en skimrande stiliserad yta som kändes både artificiell och hypnotisk och förvandlade en enkel pool till en symbol för Kalifornisk coolhet
3 Varför känns Hockneys konst så annorlunda från andra moderna konstnärer
Han kombinerar två saker som vanligtvis inte blandas den tekniska skickligheten hos en klassisk målare med den lekfulla popenergin från en serietidning Hans scener är perfekt komponerade men de ljusa färgerna och det platta perspektivet får dem att kännas som en dröm eller en filmuppsättning
4 Vad var Hockneys stora idé om perspektiv
Han förkastade det enpunktsperspektiv vi använder i foton Istället använde han omvänt perspektiv eller kubistiska flera synvinklar Till exempel i en rumsmålning kan du se golvet uppifrån och väggen rakt framifrån vilket får utrymmet att kännas mer levande och mindre som en låda
5 Hur använde han collage för att förändra måleriet
Han gjorde fotocollage som kallades Joiners där han tog dussintals Polaroidbilder av en scen och satte ihop dem som ett pussel Detta bröt det enda ögonblicket i många små ögonblick och visade rörelse och tidens gång Detta påverkade direkt hur han senare målade och gav hans scener en fragmenterad filmisk känsla
6 Vad är det största exemplet på hans hyperstiliserade vision
