Er war der ultimative Synthesist.
David Hockney trat nicht einfach aus dem Nichts als vollendetes künstlerisches Wunderkind auf. Sein Werk vereinte so vieles, was vor ihm kam und um ihn herum geschah. Er nahm Ideen aus Minimalismus und Abstraktion, vermischte sie mit traditioneller Porträtmalerei und filterte alles durch die Pop- und Konzeptkunstbewegungen der 1960er Jahre. Er verdankte anderen Künstlern viel, aber er kombinierte all diese Einflüsse zu etwas so Einfachem, Unmittelbarem, Leicht Verständlichem und Einladendem, dass es völlig neu wurde.
Er war ein Arbeiterklasse-Held.
Jungen aus der Arbeiterklasse aus Bradford gingen nicht auf die Kunstschule. Das tat man einfach nicht. Das war für andere. Aber Hockney wurde geboren, um Erwartungen zu trotzen. Er sagte dem Guardian 2015: „Als ich auf die Kunstschule ging, sagte ein Nachbar: ‚Einige Leute auf der Kunstschule arbeiten überhaupt nicht. Faule Säcke.‘ Und ich sagte: ‚Oh, ich werde arbeiten, mach dir keine Sorgen.‘“ Und das tat er, ununterbrochen, unaufhaltsam, bis ganz zum Schluss.
Er veränderte, wie wir auf Perspektive blicken.
Hockney sah die traditionelle Perspektive – bei der alle Linien zu einem einzigen, fernen Fluchtpunkt führen – nicht nur als einschränkend und langweilig, sondern als völlig unrealistisch an. Er glaubte, dass wir die Welt nicht als eingefroren und still sehen; unser Sehen ist aktiv und ständig in Bewegung. Seine Lösung war die umgekehrte Perspektive: Er verlagerte den Fluchtpunkt hinter den Betrachter oder teilte ihn in mehrere Richtungen auf. Das Ergebnis ist manchmal schwindelerregend, seltsam und beunruhigend, aber viel näher daran, wie wir die Welt wirklich sehen.
Er überbrückte die Kluft zwischen Fotografie und Malerei.
Die Fotografie stand jahrzehntelang im Zentrum von Hockneys Werk. In späteren Jahren bezog er direkt Fotos in seine Gemälde ein, aber seine besten Arbeiten mit dem Medium waren seine Collagen. Er machte mehrere Aufnahmen desselben Motivs aus verschiedenen Blickwinkeln (oft mit einer Polaroidkamera) und schuf kaleidoskopische Ansichten der Welt um ihn herum. Die Fotos beeinflussten, wie er malte, und seine Malerei beeinflusste seine Fotografie. Am Ende verschmolzen die beiden Medien fast zu einem.
Er machte Landschaft monumental.
Yorkshire wurde Mitte der 2000er Jahre zu Hockneys Muse, und er kehrte immer wieder zu den sanften Hügeln um Bridlington zurück. Im Jahr 2007 inspirierte ihn der Wald in Woldgate dazu, die Landschaftsmalerei bis an ihre absoluten Grenzen zu treiben. Er wollte die Landschaft in einem Maßstab malen, der normalerweise den großen, wichtigen Themen der Kunst vorbehalten war: Geschichte, biblische Szenen, nationale Befreiung. Die resultierenden Gemälde waren gewaltige, innovative und fast schockierende Versuche, alltägliche Szenen auf monumentale Höhen zu heben.
Er war ein technologischer Innovator.
Er scheute sich nicht, neue Technologien zu nutzen, und in seinen späteren Jahren widmete er sich mit Begeisterung dem iPad. Das direkte Malen mit einem digitalen Stift oder seinem Finger ermöglichte es ihm, schnell und direkt zu arbeiten. Viele Kritiker hassten die iPad-Arbeiten und beklagten den „Verlust der Hand des Künstlers“ oder nannten sie „unverantwortlich unordentlich“. Aber was erstaunlich ist, dass seine Werke selbst in diesem neuen, digitalen, ungewohnten Medium sofort erkennbar sind. Es spielt keine Rolle, ob es ein iPad ist – es sieht immer noch nach Hockney aus.
Er definierte, wie wir Los Angeles sehen.
Es brauchte einen Jungen aus dem tiefsten West Yorkshire, um die sonnenüberflutete, feuchte Schönheit von Los Angeles wirklich einzufangen. Hockney zog 1964 nach Kalifornien und verbrachte die nächsten Jahrzehnte damit, hochstilisierte, ultracoolle Visionen des Lebens zwischen Palmen, Pools und postmoderner Architektur Hollywoods und seiner Umgebung zu schaffen. Wenn wir an LA denken und wie es aussieht, sehen wir es durch Hockneys Augen.
Seine Porträts ließen Stars menschlich wirken.
Die Porträtmalerei stand von Anfang an im Herzen von Hockneys Kunst. Seine Bilder seiner Mutter sind zärtlich und liebevoll, seine Porträts von Liebhabern intim und süß. Es spielte keine Rolle, ob er einen Rothschild, seine Cousine, einen Popstar oder einen Studioassistenten malte – er behandelte jeden mit derselben Anmut. Gegen Ende wurden einige der Porträts recht fleckig und klecksig, aber er verlor nie seine Fähigkeit, seine tiefe Liebe zur Malerei und zu den Menschen, die er malte, zu vermitteln.
Er war ein Pionier der immersiven Kunst.
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Menschen, die in einem Hockney-Wald in der Ausstellung David Hockney: Bigger & Closer (not smaller & further away) im Lightroom, London, spazieren. Fotografie: David Hockney/PA
Immersive Kunst wurde Anfang der 2020er Jahre zum Trend in großen Museen, und Hockney wollte nicht zurückgelassen werden. Er übernahm 2025 den Londoner Lightroom-Veranstaltungsort mit Bigger & Closer (not smaller & further away), einer Mischung aus autobiografischem Dokumentarfilm und digitaler Kunstausstellung. Genau wie bei seinen Polaroids und iPads erkannte Hockney, wie neue Technologie die Perspektive verschieben und verändern konnte, wie nah Betrachter der Kunst kommen konnten.
Er umarmte Theater und Oper.
Hockneys sehr einfacher, kühner und farbenfroher Stil war perfekt für die Bühne geeignet. Er entwarf das Bühnenbild für eine Produktion von Ubu Roi am Londoner Royal Court Theatre im Jahr 1966 und kehrte im Laufe seiner Karriere immer wieder zum Theater- und Operndesign zurück. Er arbeitete an Produktionen von Tristan und Isolde, Turandot und Die Zauberflöte, neben vielen anderen, die alle mit seinen zum Leben erweckten Gemälden gefüllt waren. Seine charakteristische umgekehrte Perspektive zog den Betrachter direkt ins Herz des Geschehens.
Er feierte seine Sexualität.
Hockneys früheste Werke waren voller fleischlicher, lüsterner Bilder: riesige Phalli, chaotisch ineinander verschlungene Körper. Sie waren sehr anzüglich, und es war ein mutiger Schritt für einen jungen schwulen Künstler in den 1960er Jahren, selbst im Swinging London. Hockneys Sexualität stand immer im Zentrum seiner Arbeit, und das ebnete vielen anderen schwulen Künstlern den Weg, sich ebenfalls frei auszudrücken.
Häufig gestellte Fragen
Hier ist eine Liste von 10 häufig gestellten Fragen zu David Hockneys Kunst, die behandeln, wie er die Kunst mit seinen hyperstilisierten, ultracoolen Visionen veränderte.
1 Was genau meinen Sie mit hyperstilisiert und ultracool in Hockneys Werk?
Es bedeutet, dass seine Gemälde nicht wie realistische Fotos aussehen. Stattdessen verwenden sie kräftige, flache Farben, scharfe Umrisse und vereinfachte Formen. Der coole Teil kommt von seinen Motiven: sonnige Schwimmbecken, moderne Architektur und Menschen, die entspannt und stilvoll aussehen.
2 Wie veränderte Hockney die Art, wie wir Schwimmbecken in der Kunst sehen?
Vor Hockney waren Schwimmbecken selten ein Hauptmotiv. Er machte sie ikonisch, indem er das Wasser mit einem System aus kurzen, gekräuselten blauen Linien malte. Dies schuf eine schimmernde, stilisierte Oberfläche, die sich sowohl künstlich als auch hypnotisch anfühlte und einen einfachen Pool in ein Symbol kalifornischer Coolness verwandelte.
3 Warum fühlt sich Hockneys Kunst so anders an als die anderer moderner Künstler?
Er kombiniert zwei Dinge, die normalerweise nicht zusammenpassen: das technische Können eines klassischen Malers mit der verspielten Pop-Energie eines Comics. Seine Szenen sind perfekt komponiert, aber die hellen Farben und die flache Perspektive lassen sie wie einen Traum oder ein Filmset wirken.
4 Was war Hockneys große Idee zur Perspektive?
Er lehnte die Ein-Punkt-Perspektive ab, die wir in Fotos verwenden. Stattdessen verwendete er die umgekehrte Perspektive oder kubistische Mehrfachansichten. In einem Raumgemälde könnte man zum Beispiel den Boden von oben und die Wand von vorne sehen, was den Raum lebendiger und weniger wie eine Kiste wirken lässt.
5 Wie nutzte er die Collage, um die Malerei zu verändern?
Er machte Fotocollagen namens „Joiners“, bei denen er Dutzende Polaroidfotos einer Szene machte und sie wie ein Puzzle zusammensetzte. Dies brach den einzelnen Moment in viele kleine Momente auf und zeigte Bewegung und Zeitablauf. Dies beeinflusste direkt, wie er später malte, und verlieh seinen Szenen ein fragmentiertes, filmisches Gefühl.
6 Was ist das größte Beispiel seiner hyperstilisierten Vision?
