Hän oli lopullinen syntetisoija.
David Hockney ei ilmestynyt tyhjästä täysin valmiina taiteellisena ihmelapsena. Hänen työnsä toi yhteen niin paljon siitä, mikä oli tullut ennen ja mitä tapahtui hänen ympärillään. Hän otti ideoita minimalismista ja abstraktiosta, sekoitti ne perinteiseen muotokuvamaalaukseen ja suodatti kaiken 1960-luvun pop- ja konseptitaiteen liikkeiden läpi. Hän oli paljon velkaa muille taiteilijoille, mutta hän yhdisti kaikki nämä vaikutteet joksikin niin yksinkertaiseksi, välittömäksi, helposti ymmärrettäväksi ja kutsuvaksi, että siitä tuli täysin uutta.
Hän oli työväenluokan sankari.
Bradfordin työväenluokan pojat eivät menneet taidekouluun. Se ei vain ollut jotain, mitä ihmiset tekivät. Se oli tarkoitettu muille. Mutta Hockney syntyi uhmaamaan odotuksia. Hän kertoi Guardianille vuonna 2015: "Kun menin taidekouluun, naapuri sanoi: 'Jotkut taidekoulun ihmiset eivät tee töitä ollenkaan. Laiskoja paskiaisia.' Ja minä sanoin: 'Voi, minä aion tehdä töitä, älä huoli.'" Ja hän teki, taukoamatta, pysäyttämättömästi, aivan loppuun asti.
Hän muutti tapaa, jolla katsomme perspektiiviä.
Hockney näki perinteisen perspektiivin – jossa kaikki viivat johtavat yhteen, kaukaiseen pakopisteeseen – paitsi rajoittavana ja tylsänä, myös täysin epärealistisena. Hän uskoi, että emme näe maailmaa jäätyneenä ja paikallaan; näkömme on aktiivinen ja jatkuvasti muuttuva. Hänen ratkaisunsa oli käänteinen perspektiivi: hän siirsi pakopisteen katsojan taakse tai jakoi sen useisiin suuntiin. Tulos on joskus huimaava, outo ja levoton, mutta paljon lähempänä sitä, miten todella näemme maailman.
Hän siltoi valokuvauksen ja maalaustaiteen välistä kuilua.
Valokuvaus oli keskeinen osa Hockneyn työtä vuosikymmenten ajan. Myöhempinä vuosina hän sisällytti valokuvia suoraan maalauksiinsa, mutta hänen parasta työtään median parissa olivat hänen kollaasinsa. Hän otti useita kuvia samasta kohteesta eri kulmista (usein Polaroidilla) luoden kaleidoskooppisia näkymiä ympäröivästä maailmasta. Valokuvat vaikuttivat siihen, miten hän maalasi, ja hänen maalaamisensa vaikutti hänen valokuvaukseensa. Lopulta nämä kaksi mediaa melkein sulautuivat yhdeksi.
Hän teki maisemasta monumentaalisen.
Yorkshiresta tuli Hockneyn muusa 2000-luvun puolivälissä, ja hän palasi yhä uudelleen Bridlingtonin ympärillä oleville kumpuileville kukkuloille. Vuonna 2007 Woldgaten metsä inspiroi häntä viemään maisemamaalauksen äärimmilleen. Hän halusi maalata maaseudun mittakaavassa, joka oli yleensä varattu taiteen suurille, tärkeille aiheille: historialle, raamatullisille kohtauksille, kansalliselle vapautukselle. Tuloksena syntyneet maalaukset olivat valtavia, innovatiivisia ja lähes järkyttäviä yrityksiä nostaa arkipäiväiset kohtaukset monumentaalisille korkeuksille.
Hän oli teknologinen uudistaja.
Hän ei arkaillut omaksua uutta teknologiaa, ja myöhempinä vuosinaan hän tarttui iPadiin innostuneesti. Maalaaminen suoraan digitaalisella kynällä tai sormella antoi hänelle mahdollisuuden työskennellä nopeasti ja suoraan. Monet kriitikot vihasivat iPad-töitä, valittaen "taiteilijan käden menetyksestä" tai kutsuen niitä "selittämättömän sotkuisiksi". Mutta mikä on hämmästyttävää, on se, että jopa tällä uudella, digitaalisella, vieraalla välineellä hänen työnsä ovat heti tunnistettavia. Ei ole väliä, onko se iPad – se näyttää silti Hockneylta.
Hän määritti tavan, jolla näemme Los Angelesin.
Tarvittiin poika syvältä Länsi-Yorkshiresta vangitakseen todella Los Angelesin auringon läpäisemä, kostea kauneus. Hockney muutti Kaliforniaan vuonna 1964 ja vietti seuraavat vuosikymmenet luoden erittäin tyyliteltyjä, ultracool-näkemyksiä elämästä palmujen, uima-altaiden ja Hollywoodin ja sen ympäristön postmodernin arkkitehtuurin keskellä. Kun ajattelemme LA:ta ja miltä se näyttää, näemme sen Hockneyn silmin.
Hänen muotokuvansa saivat tähdet näyttämään ihmisiltä.
Muotokuvamaalaus oli Hockneyn taiteen ytimessä aivan alusta alkaen. Hänen kuvansa äidistään ovat helliä ja rakastavia, hänen muotokuvansa rakastajista ovat intiimejä ja suloisia. Ei ollut väliä, maalasiko hän Rothschildin, serkkunsa, poptähden vai studioassistentin, hän kohteli kaikkia samalla armolla. Lopussa jotkut muotokuvista muuttuivat melko laikukkaiksi ja täplikkäiksi, mutta hän ei koskaan menettänyt kykyään välittää syvää rakkauttaan maalaamiseen ja maalaamiinsa ihmisiin.
Hän oli immersiivisen taiteen edelläkävijä.
Katso kuva koko näytössä
Ihmisiä kävelemässä Hockneyn metsässä näyttelyssä David Hockney: Bigger & Closer (not smaller & further away) Lightroomissa, Lontoossa. Valokuva: David Hockney/PA
Immersiivisestä taiteesta tuli hetken trendi suurissa museoissa 2020-luvun alussa, eikä Hockney aikonut jäädä jälkeen. Hän valtasi Lontoon Lightroom-areenan Bigger & Closer (not smaller & further away) -näyttelyllä vuonna 2025, joka oli sekoitus omaelämäkerrallista dokumenttia ja digitaalista taidenäyttelyä. Aivan kuten Polaroidiensa ja iPadinsa kanssa, Hockney näki, miten uusi teknologia voi muuttaa perspektiiviä ja sitä, kuinka lähelle katsojat pääsevät taidetta.
Hän omaksui teatterin ja oopperan.
Hockneyn hyvin yksinkertainen, rohkea ja värikäs tyyli sopi täydellisesti lavalle. Hän suunnitteli lavastuksen Ubu Roi -tuotantoon Lontoon Royal Court Theatressa vuonna 1966 ja palasi teatteri- ja oopperasuunnittelun pariin koko uransa ajan. Hän työskenteli muun muassa Tristan und Isolden, Turandotin ja Taikahuilun tuotannoissa, jotka kaikki olivat täynnä hänen maalauksiaan herätettynä henkiin. Hänen tunnusomainen käänteinen perspektiivinsä veti katsojan suoraan toiminnan ytimeen.
Hän juhli seksuaalisuuttaan.
Hockneyn varhaisimmat työt olivat täynnä lihallisia, himokkaita kuvia: valtavia falloksia, kietoutuneita vartaloita kaoottisesti. Ne olivat hyvin ronskeja, ja se oli rohkea teko nuorelta homotaiteilijalta 1960-luvulla, jopa swingaavassa Lontoossa. Hockneyn seksuaalisuus oli aina keskeinen osa hänen työtään, ja se auttoi tasoittamaan tietä monille muille homotaiteilijoille tuntea olonsa vapaaksi ilmaista itseään.
Usein kysytyt kysymykset
Tässä on lista 10 usein kysytystä kysymyksestä David Hockneyn taiteesta, jotka kattavat, miten hän muutti taidetta hypertyylitellyillä ultracool-näkemyksillään
1 Mitä tarkalleen ottaen tarkoitat hypertyylitellyllä ultracoolilla Hockneyn töissä
Se tarkoittaa, että hänen maalauksensa eivät näytä realistisilta valokuvilta Sen sijaan ne käyttävät rohkeita litteitä värejä teräviä ääriviivoja ja yksinkertaistettuja muotoja Cool-osa tulee hänen aiheistaan aurinkoisista uima-altaista modernista arkkitehtuurista ja ihmisistä jotka näyttävät rennoilta ja tyylikkäiltä
2 Miten Hockney muutti tapaa, jolla näemme uima-altaat taiteessa
Ennen Hockneyta uima-altaat olivat harvoin pääaihe Hän teki niistä ikonisia maalaamalla veden käyttämällä järjestelmää lyhyitä kiemurtelevia sinisiä viivoja Tämä loi välkkyvän tyylitellyn pinnan joka tuntui sekä keinotekoiselta että hypnoottiselta muuttaen yksinkertaisen altaan Kalifornian coolin symboliksi
3 Miksi Hockneyn taide tuntuu niin erilaiselta kuin muiden nykytaiteilijoiden
Hän yhdistää kaksi asiaa jotka eivät yleensä sovi yhteen klassisen maalarin teknisen taidon ja sarjakuvan leikkisän pop-energian Hänen kohtauksensa ovat täydellisesti sommiteltuja mutta kirkkaat värit ja litteä perspektiivi saavat ne tuntumaan unelta tai elokuvan lavasteilta
4 Mikä oli Hockneyn suuri idea perspektiivistä
Hän hylkäsi yhden pakopisteen perspektiivin jota käytämme valokuvissa Sen sijaan hän käytti käänteistä perspektiiviä tai kubistisia monia näkökulmia Esimerkiksi huonemaalauksessa saatat nähdä lattian ylhäältä ja seinän suoraan edestä mikä saa tilan tuntumaan elävämmältä ja vähemmän laatikolta
5 Miten hän käytti kollaasia muuttaakseen maalaustaidetta
Hän teki valokuvakollaaseja nimeltä Joiners joissa hän otti kymmeniä Polaroid-kuvia yhdestä kohtauksesta ja kokosi ne yhteen kuin palapelin Tämä rikkoi yhden hetken moniksi pieniksi hetkiksi näyttäen liikettä ja ajan kulumista Tämä vaikutti suoraan siihen miten hän myöhemmin maalasi antaen hänen kohtauksilleen pirstaleisen elokuvamaisen tunnelman
6 Mikä on suurin esimerkki hänen hypertyylitellystä visiostaan
