Był ostatecznym syntetykiem.
David Hockney nie pojawił się znikąd jako w pełni ukształtowany artystyczny geniusz. Jego twórczość łączyła w sobie tak wiele z tego, co było przed nim i co działo się wokół niego. Czerpał pomysły z minimalizmu i abstrakcji, łączył je z tradycyjnym portretem, a wszystko przepuszczał przez pop-art i sztukę konceptualną lat 60. Wiele zawdzięczał innym artystom, ale połączył te wszystkie wpływy w coś tak prostego, bezpośredniego, łatwego do zrozumienia i przystępnego, że stało się zupełnie nowe.
Był bohaterem klasy robotniczej.
Chłopcy z klasy robotniczej z Bradford nie chodzili do szkoły artystycznej. Po prostu się tak nie robiło. To było dla innych. Ale Hockney urodził się po to, by przeciwstawiać się oczekiwaniom. Powiedział Guardianowi w 2015 roku: „Kiedy poszedłem do szkoły artystycznej, sąsiadka powiedziała: »Niektórzy ludzie w szkole artystycznej w ogóle nie pracują. Leniwe gnojki«. A ja odpowiedziałem: »Och, ja będę pracować, nie martw się«”. I pracował, bez przerwy, niepowstrzymanie, aż do samego końca.
Zmienił sposób, w jaki patrzymy na perspektywę.
Hockney postrzegał tradycyjną perspektywę – gdzie wszystkie linie prowadzą do jednego, odległego punktu zbiegu – nie tylko jako ograniczającą i nudną, ale całkowicie nierealistyczną. Wierzył, że nie widzimy świata jako zamrożonego i nieruchomego; nasze widzenie jest aktywne i ciągle się zmienia. Jego rozwiązaniem była perspektywa odwrócona: przesunął punkt zbiegu za widza lub rozdzielił go w wielu kierunkach. Efekt bywa czasem zawrotny, dziwny i niepokojący, ale o wiele bliższy temu, jak naprawdę widzimy świat.
Zniwelował przepaść między fotografią a malarstwem.
Fotografia była centralnym punktem twórczości Hockneya przez dziesięciolecia. W późniejszych latach bezpośrednio włączał zdjęcia do swoich obrazów, ale jego najlepszym dziełem w tym medium były kolaże. Robił wiele ujęć tego samego obiektu z różnych kątów (często Polaroidem), tworząc kalejdoskopowe widoki otaczającego go świata. Zdjęcia wpływały na to, jak malował, a jego malarstwo wpływało na jego fotografię. Pod koniec te dwa media prawie się połączyły.
Uczynił pejzaż monumentalnym.
Yorkshire stało się muzą Hockneya w połowie lat 2000., a on wracał raz po raz do pagórkowatych wzgórz wokół Bridlington. W 2007 roku las w Woldgate zainspirował go do przesunięcia malarstwa pejzażowego do jego absolutnych granic. Chciał malować wiejski krajobraz na skalę zwykle zarezerwowaną dla wielkich, ważnych tematów sztuki: historii, scen biblijnych, narodowego wyzwolenia. Powstałe obrazy były ogromne, nowatorskie i niemal szokujące próby wyniesienia codziennych scen na monumentalne wyżyny.
Był innowatorem technologicznym.
Nie wstydził się sięgać po nowe technologie, a w późniejszych latach z entuzjazmem zajął się iPadem. Malowanie bezpośrednio cyfrowym rysikiem lub palcem pozwalało mu pracować szybko i bezpośrednio. Wielu krytyków nienawidziło prac na iPadzie, narzekając na „utratę ręki artysty” lub nazywając je „niewytłumaczalnie niechlujnymi”. Ale niesamowite jest to, że nawet w tym nowym, cyfrowym, nieznanym medium jego prace są natychmiast rozpoznawalne. Nie ma znaczenia, że to iPad – wciąż wygląda jak Hockney.
Zdefiniował sposób, w jaki widzimy Los Angeles.
Potrzeba było chłopca z głębi West Yorkshire, by naprawdę uchwycić skąpane w słońcu, wilgotne piękno Los Angeles. Hockney przeprowadził się do Kalifornii w 1964 roku i spędził kolejne dekady, tworząc wysoce stylizowane, superfajne wizje życia wśród palm, basenów i postmodernistycznej architektury Hollywood i jego okolic. Kiedy myślimy o LA i o tym, jak wygląda, widzimy je oczami Hockneya.
Jego portrety sprawiały, że gwiazdy wyglądały ludzko.
Portret był sednem sztuki Hockneya od samego początku. Jego wizerunki matki są czułe i pełne miłości, portrety kochanków są intymne i słodkie. Nie miało znaczenia, czy malował Rothschilda, swojego kuzyna, gwiazdę popu czy asystenta w pracowni – traktował wszystkich z tą samą gracją. Pod koniec niektóre portrety stały się dość nierówne i plamiste, ale nigdy nie stracił zdolności przekazywania swojej głębokiej miłości do malarstwa i do ludzi, których malował.
Był pionierem sztuki immersyjnej.
Zobacz na pełnym ekranie
Ludzie spacerujący po lesie Hockneya na wystawie David Hockney: Bigger & Closer (not smaller & further away) w Lightroom w Londynie. Fotografia: David Hockney/PA
Sztuka immersyjna stała się trendem chwili w głównych muzeach na początku lat 20. XXI wieku, a Hockney nie zamierzał zostać w tyle. Zajął londyńską przestrzeń Lightroom wystawą Bigger & Closer (not smaller & further away) w 2025 roku, będącą mieszanką autobiograficznego dokumentu i cyfrowej wystawy sztuki. Podobnie jak w przypadku swoich Polaroidów i iPadów, Hockney dostrzegł, jak nowa technologia może zmienić perspektywę i wpłynąć na to, jak blisko widzowie mogą podejść do sztuki.
Zajmował się teatrem i operą.
Bardzo prosty, odważny i kolorowy styl Hockneya idealnie pasował do sceny. Zaprojektował scenografię do produkcji Ubu Król w londyńskim Royal Court Theatre w 1966 roku i wracał do projektowania teatralnego i operowego przez całą swoją karierę. Pracował przy produkcjach Tristana i Izoldy, Turandot i Czarodziejskiego fletu, między wieloma innymi, wszystkie wypełnione jego obrazami ożywionymi na scenie. Jego charakterystyczna odwrócona perspektywa wciągała widza w sam środek akcji.
Świętował swoją seksualność.
Najwcześniejsze prace Hockneya były pełne cielesnych, żądnych obrazów: ogromne fallusy, ciała splątane chaotycznie. Były bardzo sprośne i był to odważny krok dla młodego gejowskiego artysty w latach 60., nawet w swingującym Londynie. Seksualność Hockneya zawsze była centralna dla jego twórczości i pomogła utorować drogę wielu innym gejowskim artystom, aby czuli się wolni, by wyrażać siebie.
Często zadawane pytania
Oto lista 10 najczęściej zadawanych pytań dotyczących sztuki Davida Hockneya, obejmująca to, jak zmienił sztukę swoimi hiperstylizowanymi, superfajnymi wizjami.
1 Co dokładnie masz na myśli, mówiąc o hiperstylizacji i superfajności w twórczości Hockneya?
Oznacza to, że jego obrazy nie wyglądają jak realistyczne zdjęcia. Zamiast tego używają odważnych, płaskich kolorów, ostrych konturów i uproszczonych kształtów. Fajna część pochodzi z jego tematów: słonecznych basenów, nowoczesnej architektury i ludzi wyglądających na zrelaksowanych i stylowych.
2 Jak Hockney zmienił sposób, w jaki postrzegamy baseny w sztuce?
Przed Hockneyem baseny rzadko były głównym tematem. Uczynił je kultowymi, malując wodę za pomocą systemu krótkich, zawijasowatych niebieskich linii. Stworzyło to połyskliwą, stylizowaną powierzchnię, która wydawała się zarówno sztuczna, jak i hipnotyzująca, zamieniając prosty basen w symbol kalifornijskiego chłodu.
3 Dlaczego sztuka Hockneya wydaje się tak różna od innych współczesnych artystów?
Łączy on dwie rzeczy, które zwykle się nie mieszają: techniczne umiejętności klasycznego malarza z figlarną popową energią komiksu. Jego sceny są doskonale skomponowane, ale jaskrawe kolory i płaska perspektywa sprawiają, że wydają się jak sen lub plan filmowy.
4 Jaki był wielki pomysł Hockneya na perspektywę?
Odrzucił perspektywę jednozbiegową, której używamy na zdjęciach. Zamiast tego zastosował perspektywę odwróconą lub kubistyczne, wielokrotne punkty widzenia. Na przykład na obrazie pokoju możesz zobaczyć podłogę z góry i ścianę z przodu, co sprawia, że przestrzeń wydaje się bardziej żywa i mniej jak pudełko.
5 Jak wykorzystał kolaż, by zmienić malarstwo?
Tworzył kolaże fotograficzne zwane Joinerami, w których robił dziesiątki zdjęć Polaroidem jednej sceny i układał je razem jak puzzle. To rozbiło pojedynczy moment na wiele małych chwil, pokazując ruch i upływ czasu. To bezpośrednio wpłynęło na to, jak później malował, nadając jego scenom fragmentaryczne, filmowe odczucie.
6 Jaki jest największy przykład jego hiperstylizowanej wizji?
