Han var den ultimative syntetisator.
David Hockney dukkede ikke bare op ud af ingenting som et fuldformet kunstnerisk vidunderbarn. Hans arbejde samlede så meget, der var kommet før, og som skete omkring ham. Han tog ideer fra minimalisme og abstraktion, blandede dem med traditionel portrætkunst og filtrerede alt gennem pop- og konceptkunstbevægelserne i 1960'erne. Han skyldte mange andre kunstnere meget, men han kombinerede alle disse påvirkninger til noget så enkelt, umiddelbart, letforståeligt og imødekommende, at det blev helt nyt.
Han var en arbejderklassehelt.
Arbejderklassedrenge fra Bradford gik ikke på kunstskole. Det var bare ikke noget, man gjorde. Det var for andre. Men Hockney var født til at trodse forventningerne. Han fortalte The Guardian i 2015: "Da jeg gik på kunstskole, sagde en nabo: 'Nogle af folkene på kunstskolen arbejder slet ikke. Dovne svin.' Og jeg sagde: 'Åh, jeg kommer til at arbejde, bare rolig.'" Og det gjorde han, uafbrudt, ustoppeligt, lige til det allersidste.
Han ændrede, hvordan vi ser på perspektiv.
Hockney så traditionelt perspektiv – hvor alle linjer fører til et enkelt, fjernt forsvindingspunkt – som ikke bare begrænsende og kedeligt, men helt urealistisk. Han mente, at vi ikke ser verden som frosset og stille; vores syn er aktivt og konstant skiftende. Hans løsning var omvendt perspektiv: han flyttede forsvindingspunktet bag beskueren eller splittede det i flere retninger. Resultatet er til tider svimlende, mærkeligt og urovækkende, men meget tættere på, hvordan vi virkelig ser verden.
Han byggede bro mellem fotografi og maleri.
Fotografi var centralt for Hockneys arbejde i årtier. I senere år inkluderede han direkte fotos i sine malerier, men hans bedste arbejde med mediet var hans collager. Han tog flere billeder af det samme motiv fra forskellige vinkler (ofte med et Polaroid) og skabte kalejdoskopiske udsigter over verden omkring ham. Fotos påvirkede, hvordan han malede, og hans maleri påvirkede hans fotografi. Til sidst blev de to medier næsten ét.
Han gjorde landskab monumentalt.
Yorkshire blev Hockneys muse i midten af 2000'erne, og han vendte igen og igen tilbage til de bølgende bakker omkring Bridlington. I 2007 inspirerede skoven i Woldgate ham til at presse landskabsmaleri til dets absolutte grænse. Han ønskede at male landet på en skala, der normalt var forbeholdt kunstens store, vigtige emner: historie, bibelske scener, national befrielse. De resulterende malerier var enorme, innovative og næsten chokerende forsøg på at løfte hverdagsscener til monumentale højder.
Han var en teknologisk innovator.
Han var ikke genert over at omfavne ny teknologi, og i sine senere år kastede han sig over iPad'en med entusiasme. At male direkte med en digital stylus eller sin finger tillod ham at arbejde hurtigt og direkte. Mange kritikere hadede iPad-værkerne og klagede over "tabet af kunstnerens hånd" eller kaldte dem "uforklarligt rodede." Men det fantastiske er, at selv på dette nye, digitale, ukendte medie er hans værker øjeblikkeligt genkendelige. Det er ligegyldigt, om det er en iPad – det ligner stadig Hockney.
Han definerede den måde, vi ser Los Angeles på.
Det krævede en dreng fra det dybeste West Yorkshire virkelig at fange den solbeskinnede, fugtige skønhed i Los Angeles. Hockney flyttede til Californien i 1964 og brugte de næste par årtier på at skabe højtstiliserede, ultracoole visioner af livet blandt palmerne, poolene og den postmoderne arkitektur i Hollywood og omegn. Når vi tænker på LA, og hvordan det ser ud, ser vi det gennem Hockneys øjne.
Hans portrætter fik stjerner til at se menneskelige ud.
Portrætkunst var i hjertet af Hockneys kunst helt fra begyndelsen. Hans billeder af hans mor er ømme og kærlige, hans portrætter af elskere er intime og søde. Det var ligegyldigt, om han malede en Rothschild, hans fætter, en popstjerne eller en studieassistent; han behandlede alle med samme ynde. Mod slutningen blev nogle af portrætterne ret pletvise og klattede, men han mistede aldrig sin evne til at formidle sin dybe kærlighed til maleri og til de mennesker, han malede.
Han var en pioner inden for immersiv kunst.
Se billedet i fuld skærm
Mennesker, der går inde i en Hockney-skov i udstillingen David Hockney: Bigger & Closer (not smaller & further away) på Lightroom, London. Foto: David Hockney/PA
Immersiv kunst blev tidens trend på store museer i begyndelsen af 2020'erne, og Hockney var ikke klar til at blive efterladt. Han overtog Londons Lightroom-venue med Bigger & Closer (not smaller & further away) i 2025, en blanding af selvbiografisk dokumentar og digital kunstudstilling. Ligesom med sine Polaroids og iPads så Hockney, hvordan ny teknologi kunne skifte perspektiv og ændre, hvor tæt beskuere kunne komme på kunsten.
Han omfavnede teater og opera.
Hockneys meget enkle, dristige og farverige stil var en perfekt pasform til scenen. Han designede scenografien til en produktion af Ubu Roi på Londons Royal Court Theatre i 1966 og vendte tilbage til teater- og operadesign gennem hele sin karriere. Han arbejdede på produktioner af Tristan und Isolde, Turandot og Tryllefløjten, blandt mange andre, alle fyldt med hans malerier bragt til live. Hans signatur-omvendte perspektiv trak beskueren direkte ind i hjertet af handlingen.
Han fejrede sin seksualitet.
Hockneys tidligste værker var fulde af kødelige, lystfulde billeder: enorme fallosser, kroppe filtret sammen kaotisk. De var meget frække, og det var et modigt træk for en ung homoseksuel kunstner i 1960'erne, selv i swingende London. Hockneys seksualitet var altid central i hans arbejde, og det hjalp med at bane vejen for mange andre homoseksuelle kunstnere til at føle sig frie til også at udtrykke sig.
Ofte stillede spørgsmål
Her er en liste med 10 ofte stillede spørgsmål om David Hockneys kunst, der dækker, hvordan han ændrede kunst med sine hyperstiliserede ultracoole visioner
1 Hvad mener du præcist med hyperstiliseret ultracool i Hockneys værker
Det betyder, at hans malerier ikke ligner realistiske fotos I stedet bruger de dristige flade farver skarpe konturer og forenklede former Den cool del kommer fra hans motiver solrige swimmingpools moderne arkitektur og mennesker der ser afslappede og stilfulde ud
2 Hvordan ændrede Hockney den måde, vi ser swimmingpools på i kunsten
Før Hockney var pools sjældent et hovedmotiv Han gjorde dem ikoniske ved at male vandet ved hjælp af et system af korte, krusede blå linjer Dette skabte en skinnende, stiliseret overflade, der føltes både kunstig og hypnotisk, og forvandlede en simpel pool til et symbol på California cool
3 Hvorfor føles Hockneys kunst så anderledes end andre moderne kunstneres
Han kombinerer to ting, der normalt ikke blandes den tekniske kunnen hos en klassisk maler med den legende popenergi fra en tegneserie Hans scener er perfekt komponeret, men de klare farver og det flade perspektiv får dem til at føles som en drøm eller et filmset
4 Hvad var Hockneys store idé om perspektiv
Han afviste det enkeltpunktsperspektiv, vi bruger i fotos I stedet brugte han omvendt perspektiv eller kubistiske flere synsvinkler For eksempel i et rummaleri kan du se gulvet oppefra og væggen lige forfra, hvilket får rummet til at føles mere levende og mindre som en kasse
5 Hvordan brugte han collage til at ændre maleri
Han lavede fotocollager kaldet Joiners, hvor han tog dusinvis af Polaroid-billeder af én scene og satte dem sammen som et puslespil Dette brød det enkelte øjeblik op i mange små øjeblikke og viste bevægelse og tid der gik Dette påvirkede direkte, hvordan han senere malede, og gav hans scener en fragmenteret, filmisk følelse
6 Hvad er det største eksempel på hans hyperstiliserede vision
