Je considérais autrefois Joni Mitchell comme un goût acquis. Je l'ai entendue pour la première fois en 1997, lorsque sa voix a été échantillonnée dans le refrain de "Got 'Til It's Gone" de Janet Jackson. Les crédits de la chanson m'ont appris d'où venait cet échantillon ; avant cela, je pensais que "Big Yellow Taxi" était à l'origine d'Amy Grant. La deuxième fois que j'ai entendu une de ses chansons, c'est lorsque Travis a repris la magnifique "River" en face B.
Mitchell m'a toujours semblé un peu trop "adulte", ou trop folk, ou trop jazzy. Comme Bob Dylan – un autre artiste légendaire avec lequel je n'ai jamais vraiment accroché – j'avais catalogué sa voix comme quelque chose qu'il fallait apprendre à apprécier. Mon enfance était bercée par Michael Jackson, TLC et Meat Loaf, et à l'adolescence, je me suis tourné vers des auteur-compositeurs-interprètes comme Alanis Morissette, qui exprimaient mon angoisse.
J'ai partagé cette histoire un peu embarrassante avec l'autrice Ann Powers, dont le livre **Traveling : On the Path of Joni Mitchell** raconte une histoire similaire. "Avec le temps, j'ai réalisé que le grand don de Joni est de saisir les façons complexes dont les gens ruminent et, en essayant de créer des liens, communiquent entre eux", a-t-elle répondu, mentionnant les classiques de Mitchell **Blue** et **Hejira**. Elle a ajouté que ma référence à Janet Jackson lui avait fait penser à Prince, dont l'album préféré de Mitchell était **The Hissing of Summer Lawns** de 1975, un joyau expérimental incompris à l'époque. "C'est son album le plus 'vibe' et celui où elle utilise pleinement son don pour la critique sociale", a déclaré Ann.
Elle a raison – l'album est plein d'atmosphère, et après quelques écoutes à la maison, il accompagne parfaitement une promenade par une journée d'hiver fraîche. Mon premier coup de cœur est le titre avant-pop "The Jungle Line", qui utilise une forme primitive d'échantillonnage pour créer un tourbillon enivrant de batteries distordues et de percussions synthétiques. Sur le plan lyrique, c'est un collage abstrait de la vie urbaine moderne et de la politique de l'industrie musicale, délivré dans un style à moitié chanté que je reconnais chez Laura Marling. J'entends aussi Kim Gordon dans les tons détachés de "Harry's House", une chanson sur les tensions domestiques, et "Shadows and Light", très synthétique, me rappelle Prince à l'époque de **Purple Rain**.
Je dois admettre que la partie centrale de l'album – le jazzy "Edith and the Kingpin" et la douceur orchestrale de "Shades of Scarlett Conquering" – ne m'accroche pas pleinement. À la maison, j'essaie le **Blue** plus émotionnellement direct, et il s'adapte instantanément au crépuscule. Quand l'émotion brute de "River" me frappe, je manque de pleurer dans mon Baileys. Comme l'a dit Q-Tip sur "Got 'Til It's Gone" : "Joni Mitchell ne ment jamais."
Les voix aiguës de Kendrick Lamar me font grimacer. Plus tôt cette année, après avoir écrit une critique tiède des trois concerts de Drake au festival Wireless, ses fans m'ont à plusieurs reprises accusé d'être un supporter de Kendrick Lamar, essayant d'attiser la rivalité entre les deux rappeurs. Rien n'est plus éloigné de la vérité : je suis fan de la musique de Drake depuis que je téléchargeais des mixtapes sur DatPiff, et je n'ai jamais pu supporter la musique de Lamar. Il y a une raison simple : sa voix. Je la trouve incroyablement nasillarde et grinçante, et elle déclenche souvent ma misophonie – une faible tolérance à certains sons.
Dernièrement, cependant, j'ai pensé que je devais réévaluer ma relation avec Lamar et dépasser ma réaction à son registre aigu. J'apprécie un large éventail de musique noire, alors comment puis-je refuser catégoriquement d'écouter quelqu'un considéré comme l'une des plus grandes figures du hip-hop, dont les paroles conscientes et la représentation de la vie en quartier défavorisé lui ont valu un Pulitzer ? J'ai été très impressionné par sa performance à la mi-temps du Super Bowl, notamment son contrôle respiratoire impeccable et la mise en scène intelligente et le commentaire social.
Je me tourne vers un de mes proches amis, Der...Rien, un superfan de Lamar qui l'a découvert à l'apogée des blogs de hip-hop lorsqu'il s'appelait encore K.Dot, et qui comprend que Lamar n'est pas pour tout le monde. "J'ai été attiré par lui parce que j'ai trouvé ses paroles très complexes", dit-il. "C'était comme un puzzle à résoudre, alors j'écoutais avec Genius ouvert pour les décrypter." Pour Rien, il y a aussi une connexion personnelle. "Son histoire a vraiment résonné en moi, surtout 'Good Kid, MAAD City', car le titre seul évoquait la difficulté d'essayer de développer une boussole morale quand on est entouré par la culture des gangs."
Alors, par où dois-je commencer avec Lamar pour tenir ma résolution ? Rien recommande les titres moins connus, m'envoyant une playlist éclectique. Je commence par "Black Boy Fly", qui résonne immédiatement avec mes propres expériences de grandir en quartier défavorisé, rêvant d'échapper à son environnement – notamment l'idée que la réussite ne passait que par le sport ou le rap : "Shooting hoops or live on the stereo like Top 40". Puis il y a "ADHD" de son premier album **Section.80**, qui capture la sensation de surstimulation et l'effet d'engourdissement de grandir dans le chaos.
Mais c'est le morceau de 12 minutes "Sing About Me, I'm Dying of Thirst" qui me touche vraiment émotionnellement. À ma surprise, je trouve la modulation vocale de Lamar cinématographique et introspective plutôt que dérangeante, ajoutant une complexité authentique à un titre partiellement narré du point de vue d'un ami assassiné. Rien me dit que même un critique notoire de Lamar et vlogueur a pleuré en l'écoutant. Je comprends. J'ai l'impression d'être sur un chemin spirituel menant à une conversion.
Ma première rencontre avec la musique vraiment inclassable de Diamanda Galás a eu lieu au Royal Festival Hall de Londres en 2012 – une performance qui m'a ému aux larmes mais ne m'a pas éclairé sur sa place au panthéon des artistes avant-gardistes du XXe siècle. Au moins, j'ai bien commencé : expérimenter en personne son mezzo-soprano multifacette est la meilleure introduction, selon Luke Turner, adepte et cofondateur du site musical the Quietus. "Quand je l'ai vue en concert, j'ai versé des larmes, et le temps devient bizarre", dit-il.
Pourquoi n'étais-je pas retourné vers Galás après ce concert ? Sur le papier, elle offre beaucoup de ce que j'aime : étrange, impérieuse, glamour, politiquement radicale – et, avec ces incroyables cordes vocales, fusionnant l'opéra avec les gammes modales du Moyen-Orient et l'intensité du black metal. Mais j'avoue que je ne comprends pas vraiment l'opéra ou les styles lyriques. Mon cerveau est réglé sur la répétition, et la musique de Galás exige que je m'assoie et écoute attentivement.
"C'est le genre d'artiste où il faut se concentrer – ce n'est pas de la musique d'ambiance", conseille Luke. Il a interviewé Galás au début des années 2000 et s'est préparé en passant un week-end plongé dans ses disques. Malheureusement, "c'était quand je me séparais de ma femme de l'époque, dans un appartement à moitié vide – c'était un vrai lavage psychique. Mais c'était bon ; ça a marché."
J'essaie de me concentrer sur les éléments qui m'attirent : des notes de blues, gothique, punk, free jazz et de composition expérimentale. Au cours de ses 50 ans de carrière, elle a collaboré avec John Paul Jones de Led Zeppelin sur **The Sporting Life** (un doux non de ma part, en tant qu'anti-Zep convaincu) et avec le compositeur pionnier Iannis Xenakis sur **N'Shima**, une pièce abstraite pour mezzo-sopranos, cors, trombones et violoncelle (un énorme oui, avec mon chapeau de lecteur du **Wire**).
Luke m'oriente vers le Galás industriel – notamment **The Divine Punishment**, issu d'une trilogie de disques sur la crise du SIDA sortie en 1986, lorsque la maladie était encore fortement stigmatisée et mal comprise. "Je pense qu'elle a trouvé la scène gothique incroyablement homophobe", note-t-il. Et c'est le genre de chose : dépouillé, envoûtant et puissant. Effrayant, bizarre, provocateur et compositionnellement hors-norme – c'est comme la bande-son d'un film d'horreur réel. Enfin, il me guide vers sa version de 2008 de la chanson folk appalachienne "O Death", où ses vocals mélismatiques à faire trembler le sol semblent canaliser quelque chose d'ancien et de terrible, comme si Rosalía invoquait Cthulhu. Que demander de plus ? — Chal Ravens
'Qui a le temps pour les 60 albums de Neil Young ?'
Dans mon esprit, Neil Young a toujours été dans une catégorie floue avec des musiciens comme Bob Dylan, Nick Drake et Leonard Cohen, liés seulement par une vague idée de ce à quoi je pense qu'ils ressemblent : vieillots, misérables et ennuyeux. Mais chaque fois que je dis cela à voix haute, quelqu'un bondit toujours pour défendre l'un d'eux, et c'est presque toujours Neil Young. Mes rencontres avec sa musique ont été agréables mais limitées – "On the Beach" via un ancien petit ami, "Harvest Moon" via **Eat Pray Love** – et je n'ai jamais adhéré au battage médiatique. Pourquoi n'ai-je pas exploré davantage ? Je suis têtu, sans doute, mais aussi parce que Young a une discographie énorme : plus de 60 albums, y compris des groupes et des projets parallèles. Qui a le temps ?
Mais dans l'esprit d'essayer quelque chose de nouveau, j'ai contacté John Mulvey, rédacteur en chef de **Mojo** et fan inconditionnel de Neil Young, pour voir si je pourrais enfin comprendre son attrait. John a souligné trois domaines clés dans le vaste catalogue de Young : "les longues jams électriques échevelées", le côté folk plus commercialement réussi, et la "Ditch Trilogy" composée de **Time Fades Away**, **On the Beach** et **Tonight’s the Night**. "C'est une histoire constamment déroulante, capricieuse et hyper-détaillée qui peut être très addictive", m'a-t-il dit. "Mais évidemment, il faut un amour de base pour ce qu'il fait pour être attiré au départ." Avec cela à l'esprit, j'ai commencé par les classiques : **Harvest** de 1972 et **Zuma** de 1975, un favori parmi plusieurs de mes amis.
Au cours des semaines suivantes, guidé par les suggestions de John, j'ai essayé des écoutes répétées de ceux-ci, plus une dizaine d'autres albums à travers différents styles et époques. Je les ai écoutés au travail, dans le bus et en faisant des courses ; une fois, j'ai même écouté **After the Gold Rush** en rentrant d'une boîte de nuit. J'ai remarqué que les morceaux devenaient plus accrocheurs à mesure qu'ils me devenaient familiers, et j'en ai même noté quelques-uns pour des écoutes futures ("Tell Me Why", "Motion Pictures (For Carrie)", "Don’t Cry No Tears"). Pourtant, cela ressemblait à des devoirs.
En dernier recours, j'ai essayé une approche indirecte via la musique "stylistiquement diverse et chaotique des années 1980" de Young, que John pensait pouvoir correspondre davantage à mes goûts – comme **Trans**, où Young expérimente avec un vocoder et l'électronique. J'ai apprécié les énormes synthés planants sur "Computer Age" et j'ai été surpris par l'hypnotisme de "Like an Inca" sur sa durée de près de dix minutes. John avait certainement raison sur son éclectisme.
Il me reste plus de 40 disques de Neil Young à explorer, et bien que je ne me qualifierais pas encore de fan, je me sens maintenant mieux équipé pour expliquer pourquoi. De plus, j'ai récupéré quelques nouveaux morceaux en chemin. — Safi Bugel
'Je faisais semblant d'aimer Radiohead au lycée pour impressionner les plus grands'
J'aime beaucoup de musique grave et sérieuse, mais ce serait exagéré de me qualifier de "personne sérieuse" en aucun sens. Je pense que c'est une des raisons, entre autres, pour lesquelles je n'ai jamais vraiment pu accrocher à Radiohead, un groupe que j'ai toujours trouvé trop morose et prétentieux. Le plus proche que j'ai été, c'était au lycée, quand j'ai torrenté quelques albums pour prétendre crédiblement les aimer en traînant avec des plus grands. Avec le temps, j'ai abandonné mes complexes à paraître intelligent et j'ai largement renoncé à essayer de comprendre cette icône de la musique indie.
Quand on m'a demandé si je voulais essayer une résolution d'écoute, Radiohead semblait le choix évident, et l'expert évident... Le précédent expert que j'ai consulté était mon ami Jazz Monroe, un collègue critique musical et fanatique certifié de Radiohead. Il m'a posé quelques questions : Quelle est la chose la plus proche de Radiohead que j'aime ? Je n'étais pas sûr ; mon petit ami a suggéré Cameron Winter, et je ne suis toujours pas certain qu'il plaisantait. Qui je préfère entre REM, Pixies et Robert Wyatt ? REM. Quel est mon album préféré de Bowie ? Je lui ai dit soit **Hunky Dory** soit **Blackstar**.
Un jour plus tard, Jazz m'a envoyé une courte playlist, m'assurant que ce n'était "pas le canon" mais pourrait me montrer "un côté plus sympathique" du groupe. Connaissant mon profond mépris pour le pouvoir des entreprises et l'élite riche, il a expliqué : "Thom est un de ces artistes qui devient si naïvement, enfantinement en colère à la vue d'un sourire d'entreprise ou au son d'une ligne téléphonique automatisée qu'il se consacre à créer quelque chose de beau pour contrebalancer cela." J'ai trouvé cela une raison très convaincante de faire de l'art.
J'ai en fait apprécié beaucoup des chansons de la playlist, surtout les morceaux plus rythmés comme "Weird Fishes", "Blow Out" et "Where I End and You Begin". Là, j'ai senti que la voix de Yorke était bien équilibrée par la batterie, qui passait entre martèlement et hypnotisme. Certains éléments, comme les synthés tremblotants sur les morceaux de **Hail to the Thief**, semblaient un peu surutilisés – jusqu'à ce que je me souvienne que ces sons sont partout précisément parce que Radiohead a été si influent. Les chansons qui empruntent beaucoup au jazz avaient tendance à être mes préférées, ce qui correspond au fait que j'apprécie vraiment The Smile, même si cela n'a pas beaucoup de sens puisqu'ils sont essentiellement Radiohead.
Vais-je plonger plus profondément dans leur catalogue ? Probablement pas. J'aime assez bien ces chansons, mais je ne peux pas me débarrasser du sentiment que j'ai déjà comblé tout vide en forme de Radiohead dans ma vie avec d'autres musiques qui servent un but similaire. Pourtant, je prévois d'écouter quelques albums complets juste pour être sûr – en partie parce que je pense que **A Moon Shaped Pool** est un titre d'album magnifique.
— Shaad D’Souza
**Foire Aux Questions**
FAQs Nos Objectifs d'Écoute 2026
Commencer Les Bases
Que sont les objectifs d'écoute 2026 ?
C'est un défi personnel ou communautaire pour explorer activement des genres musicaux ou des artistes que vous avez historiquement détestés ou ignorés, visant à élargir vos goûts musicaux d'ici 2026.
Pourquoi écouterais-je de la musique que je n'aime pas ?
Le but n'est pas de vous forcer à l'aimer, mais de la comprendre. Cela développe l'empathie musicale, brise les préjugés inconscients et peut mener
