Ich hielt Joni Mitchell lange für einen erworbenen Geschmack. Zum ersten Mal hörte ich sie 1997, als ihre Stimme im Refrain von Janet Jacksons "Got 'Til It's Gone" gesamplet wurde. Der Songcredit lehrte mich, woher dieses Sample stammte; vorher dachte ich, "Big Yellow Taxi" stamme ursprünglich von Amy Grant. Das zweite Mal hörte ich einen ihrer Songs, als Travis den wunderschönen "River" als B-Seite coverte.
Mitchell schien mir immer ein bisschen zu "erwachsen", zu folkig oder zu jazzig. Wie Bob Dylan – ein weiterer legendärer Künstler, mit dem ich nie richtig warm wurde – hatte ich ihre Stimme als etwas abgetan, das man erst schätzen lernen musste. Mein Elternhaus war erfüllt von Michael Jackson, TLC und Meat Loaf, und als Teenager neigte ich zu Singer-Songwritern wie Alanis Morissette, die meinen Weltschmerz kanalisierten.
Diese etwas peinliche Vorgeschichte teilte ich der Autorin Ann Powers mit, deren Buch **Traveling: On the Path of Joni Mitchell** eine ähnliche Geschichte erzählt. "Mit der Zeit erkannte ich, dass Jonis große Gabe darin liegt, die verworrenen Wege einzufangen, auf denen Menschen grübeln und, in dem Versuch, Verbindungen herzustellen, miteinander kommunizieren", antwortete sie und erwähnte Mitchells Klassiker **Blue** und **Hejira**. Sie fügte hinzu, dass meine Erwähnung von Janet Jackson sie an Prince erinnerte, dessen liebstes Mitchell-Album **The Hissing of Summer Lawns** von 1975 war, ein experimentelles Juwel, das zunächst missverstanden wurde. "Es ist ihr stimmungsvollstes Album und das, in dem sie ihre Gabe zur Gesellschaftskritik voll einsetzt", sagte Ann.
Sie hat recht – das Album ist voller Atmosphäre, und nach ein paar Anläufen zu Hause begleitet es perfekt einen Spaziergang an einem klaren Wintertag. Mein erster Favorit ist der Avant-Pop-Track "The Jungle Line", der eine frühe Form des Samplings nutzt, um einen berauschenden Wirbel aus verzerrten Trommeln und synthetischem Perkussion zu erzeugen. Textlich ist es eine abstrakte Collage aus modernem Stadtleben und Musikindustriepolitik, vorgetragen in einem halb gesungenen Stil, den ich von Laura Marling kenne. Ich höre auch Kim Gordon in den distanzierten Tönen von "Harry's House", einem Song über häusliche Spannungen, und der synthielastige "Shadows and Light" erinnert mich an Prince während seiner **Purple Rain**-Ära.
Ich muss zugeben, dass der Mittelteil des Albums – der jazzige "Edith and the Kingpin" und die orchestrale Weichheit von "Shades of Scarlett Conquering" – mich nicht ganz packt. Zu Hause probiere ich das emotional direktere **Blue**, und es passt sofort zur Abenddämmerung. Als die rohe Emotion von "River" einschlägt, muss ich mich fast in meinen Baileys ausweinen. Wie Q-Tip in "Got 'Til It's Gone" sagte: "Joni Mitchell lügt nie."
Mir läuft es kalt den Rücken herunter bei Kendrick Lamars hohen Gesang. Anfang dieses Jahres, nachdem ich eine lauwarme Kritik über Drakes drei Wireless-Festivalauftritte geschrieben hatte, beschuldigten mich seine Fans wiederholt, ein Kendrick-Lamar-Unterstützer zu sein, der die Fehde zwischen den beiden Rappern anheizen wolle. Nichts könnte weiter von der Wahrheit entfernt sein: Ich bin seit dem Herunterladen von Mixtapes von DatPiff ein Fan von Drakes Musik, und ich habe Lamars Musik noch nie ertragen können. Es gibt einen einfachen Grund: seine Stimme. Ich finde sie unglaublich nasal und kreischend, und sie löst oft meine Misophonie aus – eine geringere Toleranz gegenüber bestimmten Geräuschen.
In letzter Zeit denke ich jedoch, dass ich meine Beziehung zu Lamar neu bewerten und über meine Reaktion auf seine hohe Tonlage hinwegkommen muss. Ich schätze ein breites Spektrum schwarzer Musik, wie kann ich also jemanden, der als eine der größten Figuren des Hip-Hop gilt und dessen bewusste Texte und Darstellung des Innenstadtlebens ihm einen Pulitzer einbrachten, rundweg ablehnen? Ich war sehr beeindruckt von seiner Super-Bowl-Halftime-Show, besonders von seiner makellosen Atemkontrolle und der cleveren Inszenierung und Gesellschaftskritik.
Ich wende mich an einen engen Freund von mir, Der...Rien, einen Lamar-Superfan, der ihn während der Blütezeit der Hip-Hop-Blogs entdeckte, als er noch K.Dot hieß. Rien versteht, dass Lamar nicht für jeden ist. "Ich fühlte mich zu ihm hingezogen, weil ich seine Texte als sehr vielschichtig empfand", sagt er. "Sie waren wie ein Puzzle, das es zu lösen galt, also hörte ich sie mit geöffneter Genius-App, um sie zu entschlüsseln." Für Rien gibt es auch eine persönliche Verbindung. "Ich konnte mich wirklich mit seiner Geschichte identifizieren, besonders mit 'Good Kid, MAAD City', weil der Titel allein den Kampf beschreibt, einen moralischen Kompass zu entwickeln, wenn man von Gang-Kultur umgeben ist."
Wo sollte ich also mit Lamar anfangen, um meinen Vorsatz in die Tat umzusetzen? Rien empfiehlt die weniger bekannten Tracks und schickt mir eine umfangreiche Playlist. Ich beginne mit "Black Boy Fly", das sofort mit meinen eigenen Erfahrungen im Innenstadtaufwachsen und dem Traum, dieser Umgebung zu entkommen, resonierte – besonders mit der Vorstellung, dass Erfolg nur durch Sport oder Rap kam: "Shooting hoops or live on the stereo like Top 40". Dann ist da "ADHD" von seinem Debütalbum **Section.80**, das das Gefühl der Überreizung und die betäubende Wirkung des Aufwachsens im Chaos einfängt.
Doch erst der 12-minütige "Sing About Me, I'm Dying of Thirst" bewegt mich emotional wirklich. Zu meiner Überraschung empfinde ich Lamars wechselnden Gesangsvortrag als filmisch und suchend statt abstoßend, was dem Track, der teilweise aus der Perspektive eines ermordeten Freundes erzählt wird, eine authentische Komplexität verleiht. Rien erzählt mir, dass sogar ein notorischer Lamar-Kritiker und Vlogger beim Hören geweint habe. Ich verstehe es. Ich fühle mich, als wäre ich auf einem spirituellen Weg, der zur Bekehrung führt.
Meine erste Begegnung mit der wirklich unkategorisierbaren Musik von Diamanda Galás war 2012 in der Londoner Royal Festival Hall – eine Aufführung, die mich zu Tränen rührte, mich aber nicht schlauer darüber machte, welchen Platz sie im Pantheon der Avantgarde-Künstler des 20. Jahrhunderts einnimmt. Zumindest begann ich auf die richtige Weise: Ihre facettenreiche Mezzosopran-Stimme live zu erleben ist die beste Einführung, laut Luke Turner, Mitbegründer der Musikwebsite The Quietus und Galás-Verehrer. "Wenn ich sie live gesehen habe, war ich in Tränen aufgelöst, und die Zeit verläuft seltsam", sagt er.
Warum war ich nach dieser Show nicht zu Galás zurückgekehrt? Auf dem Papier bietet sie vieles von dem, was ich mag: schräg, herrisch, glamourös, politisch radikal – und mit dieser unglaublichen Stimme, die Oper mit mittelöstlichen Modalskalen und Black-Metal-Intensität verschmilzt. Aber ich gebe zu, dass ich Oper oder opernhaften Stil nicht wirklich verstehe. Mein Gehirn ist auf Wiederholung eingestellt, und Galás' Musik verlangt, dass ich mich hinsetze und genau zuhöre.
"Sie ist die Art von Künstlerin, bei der man sich konzentrieren muss – es ist keine Hintergrundmusik", rät Luke. Er interviewte Galás einmal in den frühen 2000ern und bereitete sich vor, indem er ein Wochenende lang in ihre Platten eintauchte. Leider "war es die Zeit, als ich mich von meiner damaligen Frau trennte, in einer halbleeren Wohnung – es war eine echte psychische Auswaschung. Aber es war gut; es hat funktioniert."
Ich versuche, mich auf die Elemente zu konzentrieren, die mich ansprechen: Anklänge von Blues, Goth, Punk, Free Jazz und experimenteller Komposition. In ihrer 50-jährigen Karriere hat sie mit Led Zeppelins John Paul Jones an **The Sporting Life** zusammengearbeitet (ein sanftes Nein von mir, als überzeugter Zep-Hasser) und mit dem bahnbrechenden Komponisten Iannis Xenakis an **N'Shima**, einem abstrakten Stück für Mezzosoprane, Hörner, Posaunen und Cello (ein klares Ja, mit meiner **Wire**-lesenden Mütze auf).
Luke lenkt mich zur industriellen Galás – besonders zu **The Divine Punishment**, aus einer Trilogie von Platten über die AIDS-Krise, die 1986 veröffentlicht wurde, als die Krankheit noch stark stigmatisiert und wenig verstanden war. "Ich glaube, sie empfand die Goth-Szene als unglaublich homophob", bemerkt er. Und das ist der Stoff: spärlich, eindringlich und kraftvoll. Unheimlich, bizarr, konfrontativ und kompositorisch abseitig – es ist wie der Soundtrack zu einem realen Horrorfilm. Schließlich führt er mich zu ihrer Version des Appalachian-Folksongs "O Death" von 2008, bei der ihre bodenerschütternden, melismatischen Vocals etwas Uraltes und Schreckliches zu kanalisieren scheinen, wie Rosalía, die Cthulhu beschwört. Was will man mehr? — Chal Ravens
'Wer hat Zeit für Neil Youngs 60 Alben?'
In meinem Kopf war Neil Young immer in einer amorphen Kategorie mit Musikern wie Bob Dylan, Nick Drake und Leonard Cohen, verbunden nur durch eine vage Vorstellung davon, wie sie klingen: altmodisch, miserabel und langweilig. Aber wann immer ich das laut sage, springt immer jemand auf, um einen von ihnen zu verteidigen, und es ist fast immer Neil Young. Meine Begegnungen mit seiner Musik waren angenehm, aber begrenzt – "On the Beach" über einen alten Freund, "Harvest Moon" über **Eat Pray Love** – und ich habe den Hype nie mitgemacht. Warum habe ich nicht weiter recherchiert? Ich bin stur, keine Frage, aber auch, weil Young ein so riesiges Diskografie hat: über 60 Alben, inklusive Bands und Nebenprojekte. Wer hat die Zeit?
Aber im Geiste, etwas Neues zu versuchen, kontaktierte ich John Mulvey, Redakteur von **Mojo** und überzeugter Neil-Young-Fan, um zu sehen, ob ich seinen Reiz endlich verstehen könnte. John hob drei Schlüsselbereiche in Youngs riesigem Katalog hervor: "die langen, ausgefransten elektrischen Jams", die kommerziell erfolgreichere Folk-Seite und die "Ditch-Trilogie" aus **Time Fades Away**, **On the Beach** und **Tonight’s the Night**. "Es ist eine sich ständig entfaltende, launische und hyperdetaillierte Geschichte, die sehr süchtig machen kann", sagte er mir. "Aber offensichtlich braucht man eine grundlegende Liebe zu dem, was er tut, um überhaupt hineingezogen zu werden." Mit diesem Gedanken begann ich mit den Klassikern: **Harvest** von 1972 und **Zuma** von 1975, ein Favorit unter mehreren meiner Freunde.
In den nächsten Wochen, angeleitet von Johns Vorschlägen, versuchte ich, diese und etwa zehn weitere Alben aus verschiedenen Stilen und Epochen mehrfach zu hören. Ich spielte sie bei der Arbeit, im Bus und bei Besorgungen; einmal hörte ich sogar **After the Gold Rush** auf dem Heimweg von einem Club. Ich bemerkte, wie Tracks eingängiger wurden, je vertrauter sie wurden, und ich notierte mir sogar ein paar für zukünftiges Hören ("Tell Me Why", "Motion Pictures (For Carrie)", "Don’t Cry No Tears"). Trotzdem fühlte es sich wie Hausaufgaben an.
Als letzten Versuch probierte ich einen Umweg über Youngs "stilistisch vielfältige und chaotische 80er"-Musik, von der John dachte, dass sie mehr meinem Geschmack entsprechen könnte – wie **Trans**, wo Young mit einem Vocoder und Elektronik experimentiert. Ich genoss die riesigen, schwebenden Synths auf "Computer Age" und war überrascht, wie hypnotisch "Like an Inca" über seine fast zehnminütige Laufzeit wurde. John hatte sicherlich recht mit seiner Bandbreite.
Ich habe noch über 40 Neil-Young-Platten zu erkunden, und obwohl ich mich noch nicht als Fan bezeichnen würde, fühle ich mich jetzt besser gerüstet, zu erklären, warum. Außerdem habe ich unterwegs ein paar neue Tracks mitgenommen. — Safi Bugel
'In der High School tat ich so, als ob ich Radiohead mag, um ältere Kids zu beeindrucken'
Ich liebe viel ernste Musik, aber es wäre übertrieben, mich in irgendeiner Weise als "ernste Person" zu bezeichnen. Ich denke, das ist einer der Gründe, warum ich nie wirklich in Radiohead reinkommen konnte, eine Band, die ich immer als zu trübsinnig und selbstwichtig empfand. Am nächsten kam ich in der High School, als ich ein paar Alben torrentete, um glaubwürdig so zu tun, als ob ich sie mag, während ich mit älteren Kids abhing. Im Laufe der Zeit habe ich meine Hemmungen, schlau zu wirken, abgelegt und größtenteils aufgegeben, diesen Indie-Musik-Gral verstehen zu wollen.
Als ich gefragt wurde, ob ich einen Hörvorsatz versuchen wolle, schien Radiohead die offensichtliche Wahl zu sein, und der offensichtliche... Der vorherige Experte, den ich konsultierte, war mein Freund Jazz Monroe, ein Musikjournalist und zertifizierter Radiohead-Fan. Er stellte mir ein paar Fragen: Was ist das Radiohead-Nächste, das ich mag? Ich war unsicher; mein Freund schlug Cameron Winter vor, und ich bin immer noch nicht sicher, ob er scherzte. Wen bevorzuge ich unter REM, Pixies und Robert Wyatt? REM. Was ist mein Lieblings-Bowie-Album? Ich sagte ihm entweder **Hunky Dory** oder **Blackstar**.
Einen Tag später schickte mir Jazz eine kurze Playlist und versicherte mir, sie sei "nicht kanonisch", könne mir aber "eine sympathischere Seite" der Band zeigen. In Kenntnis meiner tiefen Verachtung für Konzernmacht und die reiche Elite erklärte er: "Thom ist einer dieser Künstler, der beim Anblick eines Unternehmenslächelns oder dem Ton einer automatischen Telefonleitung so naiv, kindlich wütend wird, dass er sich der Schaffung von etwas Schönem widmet, um dem entgegenzuwirken." Ich fand das einen sehr überzeugenden Grund, Kunst zu machen.
Tatsächlich gefielen mir viele Songs auf der Playlist, besonders die rhythmusbetonteren Tracks wie "Weird Fishes", "Blow Out" und "Where I End and You Begin". Dort fühlte ich, dass Yorkes Stimme schön von den Drums ausbalanciert wurde, die zwischen hämmernd und hypnotisch wechselten. Einige Elemente, wie die wabernden Synths auf den **Hail to the Thief**-Tracks, wirkten etwas überstrapaziert – bis ich mich erinnerte, dass diese Sounds überall sind, gerade weil Radiohead so einflussreich war. Die Songs, die stark vom Jazz borgen, waren tendenziell meine Favoriten, was damit übereinstimmt, dass ich The Smile wirklich mag, auch wenn das nicht viel Sinn ergibt, da sie im Wesentlichen Radiohead sind.
Werde ich tiefer in ihren Katalog eintauchen? Wahrscheinlich nicht. Ich mag diese Songs gut genug, aber ich komme nicht von dem Gefühl los, dass ich etwaige Radiohead-förmige Lücken in meinem Leben bereits mit anderer Musik gefüllt habe, die einen ähnlichen Zweck erfüllt. Trotzdem plane ich, ein paar komplette Alben zu hören, nur um sicherzugehen – teilweise, weil ich **A Moon Shaped Pool** für einen wunderschönen Albumtitel halte.
— Shaad D’Souza
**Häufig gestellte Fragen**
FAQs Unsere Hörziele für 2026
Erste Schritte Die Grundlagen
Was sind die Hörziele für 2026?
Es ist eine persönliche oder gemeinschaftliche Herausforderung, aktiv Musikgenres oder Künstler zu erkunden, die man historisch abgelehnt oder ignoriert hat,
