Solía pensar que Joni Mitchell era un gusto adquirido. La escuché por primera vez en 1997, cuando su voz fue sampleada en el coro de "Got 'Til It's Gone" de Janet Jackson. Los créditos de la canción me enseñaron de dónde venía ese sample; antes de eso, pensaba que "Big Yellow Taxi" era originalmente de Amy Grant. La segunda vez que escuché una de sus canciones fue cuando Travis versionó la hermosa "River" como lado B.
Mitchell siempre me pareció un poco demasiado "adulta" para mí, o demasiado folk, o demasiado jazz. Como Bob Dylan —otro artista legendario con el que nunca conecté del todo—, había descartado su voz como algo que tenías que aprender a apreciar. Mi hogar de la infancia estaba lleno de Michael Jackson, TLC y Meat Loaf, y en mi adolescencia me incliné por cantautoras como Alanis Morissette, que canalizaban mi angustia.
Compartí esta historia de fondo algo vergonzosa con la autora Ann Powers, cuyo libro **Traveling: On the Path of Joni Mitchell** cuenta una historia similar. "Con el tiempo, llegué a darme cuenta de que el gran don de Joni es capturar las formas enredadas en que las personas rumian y, tratando de hacer conexiones, se comunican entre sí", respondió, mencionando los clásicos de Mitchell **Blue** y **Hejira**. Añadió que mi referencia a Janet Jackson le hizo pensar en Prince, cuyo álbum favorito de Mitchell fue **The Hissing of Summer Lawns** de 1975, una joya experimental que fue incomprendida al principio. "Es su álbum más 'vibrero' y en el que emplea plenamente su don para la crítica social", dijo Ann.
Tiene razón: el álbum está lleno de atmósfera, y después de escucharlo varias veces en casa, acompaña perfectamente un paseo en un día invernal y fresco. Mi favorito inicial es la canción avant-pop "The Jungle Line", que utiliza una forma temprana de sampling para crear un torbellino embriagador de baterías distorsionadas y percusión sintetizada. En cuanto a la letra, es un collage abstracto de la vida urbana moderna y la política de la industria musical, entregado en un estilo medio cantado que reconozco de Laura Marling. También escucho a Kim Gordon en los tonos distantes de "Harry's House", una canción sobre tensión doméstica, y "Shadows and Light", cargada de sintetizadores, me recuerda a Prince durante su era **Purple Rain**.
Tengo que admitir que la sección media del álbum —el jazzy "Edith and the Kingpin" y la suavidad orquestal de "Shades of Scarlett Conquering"— no me atrapa del todo. En casa, pruebo con el **Blue** más emocionalmente directo, y encaja instantáneamente con el anochecer. Cuando la emoción cruda de "River" golpea, casi lloro en mi Baileys. Como dijo Q-Tip en "Got 'Til It's Gone": "Joni Mitchell nunca miente".
Me crispan los vocales agudos de Kendrick Lamar. A principios de este año, después de escribir una reseña tibia de los tres shows de Drake en el festival Wireless, sus fans repetidamente me acusaron de ser partidario de Kendrick Lamar, intentando avivar la disputa entre los dos raperos. Nada más lejos de la verdad: he sido fan de la música de Drake desde que descargaba mixtapes de DatPiff, y nunca he podido soportar la música de Lamar. Hay una razón simple: su voz. La encuentro increíblemente nasal y chirriante, y a menudo desencadena mi misofonía —una menor tolerancia a ciertos sonidos.
Últimamente, sin embargo, he estado pensando que necesito reevaluar mi relación con Lamar y superar mi reacción a su tono más agudo. Aprecio una amplia gama de música negra, así que ¿cómo puedo negarme rotundamente a escuchar a alguien considerado una de las mayores figuras del hip-hop, cuyas letras conscientes y retrato de la vida en los barrios marginales le valieron un Pulitzer? Me impresionó mucho su actuación en el medio tiempo del Super Bowl, especialmente su control de la respiración impecable y la puesta en escena inteligente y el comentario social.
Acudo a un amigo cercano mío, Der... Rien, un superfan de Lamar que lo descubrió durante el apogeo de los blogs de hip-hop cuando aún usaba el nombre K.Dot, y aprecia que Lamar no sea para todos. "Me atrajo porque encontré sus letras bastante estratificadas", dice. "Eran como un rompecabezas para descifrar, así que escuchaba con Genius abierto para interpretarlas". Para Rien, también hay una conexión personal. "Realmente resoné con su historia, especialmente 'Good Kid, MAAD City', porque solo el título hablaba de la lucha por desarrollar una brújula moral cuando estás rodeado por la cultura de pandillas".
Entonces, ¿por dónde debería empezar con Lamar para cumplir mi resolución? Rien recomienda los temas menos conocidos, enviándome una lista de reproducción muy variada. Empiezo con "Black Boy Fly", que inmediatamente resuena con mis propias experiencias al crecer en el centro de la ciudad, soñando con escapar de tu entorno —particularmente la noción de que el éxito solo llegaba a través del deporte o el rap: "Shooting hoops or live on the stereo like Top 40". Luego está "ADHD" de su álbum debut **Section.80**, que captura la sensación de sobreestimulación y el efecto adormecedor de crecer en medio del caos.
Pero es el tema de 12 minutos "Sing About Me, I'm Dying of Thirst" el que realmente me conmueve emocionalmente. Para mi sorpresa, encuentro la entrega vocal cambiante de Lamar cinematográfica y exploratoria en lugar de discordante, añadiendo una auténtica complejidad a una canción narrada en parte desde la perspectiva de un amigo asesinado. Rien me dice que incluso un notorio crítico y vlogger de Lamar lloró al escucharla. Lo entiendo. Siento que estoy en un camino espiritual que conduce hacia la conversión.
Mi primer encuentro con la música verdaderamente inclasificable de Diamanda Galás fue en el Royal Festival Hall de Londres en 2012 —una actuación que me conmovió hasta las lágrimas pero que no me aclaró nada sobre su lugar en el panteón de artistas de vanguardia del siglo XX. Al menos empecé de la manera correcta: experimentar su multifacética mezzosoprano en persona es la mejor introducción, según el devoto Luke Turner, cofundador del sitio web musical the Quietus. "Cuando la he visto en vivo, he llorado y el tiempo se vuelve extraño", dice.
¿Por qué no había vuelto a Galás después de ese espectáculo? En teoría, ella ofrece mucho de lo que me gusta: extraña, imperiosa, glam, políticamente radical —y, con esas increíbles cuerdas vocales, fusionando ópera con escalas modales de Oriente Medio e intensidad de black metal. Pero admito que realmente no entiendo la ópera ni los estilos operísticos. Mi cerebro está sintonizado con la repetición, y la música de Galás exige que me siente y escuche atentamente.
"Ella es el tipo de artista en la que tienes que concentrarte —no es música de fondo", aconseja Luke. Una vez entrevistó a Galás a principios de la década de 2000 y se preparó pasando un fin de semana inmerso en sus discos. Desafortunadamente, "fue cuando me estaba separando de mi entonces esposa, en un piso medio vacío —fue un verdadero lavado psíquico. Pero fue bueno; funcionó".
Intento concentrarme en los elementos que me atraen: notas de blues, gótico, punk, free jazz y composición experimental. A lo largo de su carrera de 50 años, ha colaborado con John Paul Jones de Led Zeppelin en **The Sporting Life** (un suave no por mi parte, como detractor comprometido de Zep) y con el innovador compositor Iannis Xenakis en **N'Shima**, una pieza abstracta para mezzosopranos, trompas, trombones y violonchelo (un enorme sí, con mi sombrero de lector de **Wire**).
Luke me dirige hacia la Galás industrial —particularmente **The Divine Punishment**, de una trilogía de discos sobre la crisis del SIDA lanzada en 1986, cuando la enfermedad todavía estaba muy estigmatizada y poco comprendida. "Creo que ella encontró la escena gótica increíblemente homofóbica", señala. Y esto es lo que importa: austero, inquietante y poderoso. Espeluznante, extraño, confrontacional y compositivamente fuera de lo común —es como la banda sonora de una película de terror de la vida real. Finalmente, me guía hacia su versión de 2008 de la canción folk apalache "O Death", donde sus vocales melismáticas que hacen temblar el suelo parecen canalizar algo antiguo y terrible, como Rosalía invocando a Cthulhu. ¿Qué más se puede pedir? — Chal Ravens
'¿Quién tiene tiempo para los 60 álbumes de Neil Young?'
En mi mente, Neil Young siempre ha estado en una categoría amorfa con músicos como Bob Dylan, Nick Drake y Leonard Cohen, vinculados solo por una vaga idea de cómo creo que suenan: anticuados, miserables y aburridos. Pero cada vez que digo esto en voz alta, alguien siempre salta en defensa de uno de ellos, y casi siempre es Neil Young. Mis encuentros con su música han sido agradables pero limitados —"On the Beach" a través de un antiguo novio, "Harvest Moon" a través de **Eat Pray Love**— y nunca he creído en el bombo. ¿Por qué no exploré más? Soy testarudo, sin duda, pero también porque Young tiene una discografía tan enorme: más de 60 álbumes, incluyendo bandas y proyectos paralelos. ¿Quién tiene el tiempo?
Pero con el espíritu de probar algo nuevo, me puse en contacto con John Mulvey, editor de **Mojo** y un fan comprometido de Neil Young, para ver si finalmente podía entender su atractivo. John destacó tres áreas clave en el vasto catálogo de Young: "los largos jams eléctricos y desquiciados", el lado folk más exitoso comercialmente, y la "Trilogía Ditch" de **Time Fades Away**, **On the Beach** y **Tonight’s the Night**. "Es una historia constantemente desenredada, caprichosa e hiperdetallada que puede ser muy adictiva", me dijo. "Pero obviamente necesitas un amor básico por lo que hace para que te atraiga en primer lugar". Con eso en mente, empecé con los clásicos: **Harvest** de 1972 y **Zuma** de 1975, un favorito entre varios de mis amigos.
Durante las siguientes semanas, guiado por las sugerencias de John, intenté escuchar repetidamente estos, además de otros diez álbumes en diferentes estilos y épocas. Los puse en el trabajo, en el autobús y mientras hacía recados; una vez, incluso escuché **After the Gold Rush** de camino a casa desde un club. Noté que las canciones se volvían más pegadizas a medida que se familiarizaban, e incluso anoté algunas para escucharlas en el futuro ("Tell Me Why", "Motion Pictures (For Carrie)", "Don’t Cry No Tears"). Aun así, se sentía como una tarea.
Como último intento, probé un enfoque lateral a través de la música "estilísticamente diversa y caótica de los años 80" de Young, que John pensó que podría alinearse más con mis gustos —como **Trans**, donde Young experimenta con un vocoder y electrónica. Disfruté de los enormes sintetizadores elevados en "Computer Age" y me sorprendió lo hipnótico que se volvió "Like an Inca" durante sus casi diez minutos de duración. John ciertamente tenía razón sobre su rango.
Todavía me quedan más de 40 discos de Neil Young por explorar, y aunque aún no me llamaría fan, ahora me siento mejor equipado para explicar por qué. Además, he recogido algunas canciones nuevas en el camino. — Safi Bugel
'Fingí que me gustaba Radiohead en la secundaria para impresionar a los chicos mayores'
Me encanta mucha música seriamente grave, pero sería exagerado llamarme una "persona seria" en cualquier sentido. Creo que esa es una de las razones, entre otras, por las que nunca he podido realmente entrar en Radiohead, una banda que siempre he visto como demasiado lúgubre y engreída. Lo más cerca que estuve fue en la secundaria, cuando descargué algunos álbumes por torrent para fingir creíblemente que me gustaban mientras salía con algunos chicos mayores. Con el tiempo, he dejado de lado mis complejos sobre parecer inteligente y en gran parte he renunciado a tratar de entender esta deidad de la música indie.
Cuando me preguntaron si quería intentar una resolución de escucha, Radiohead parecía la elección obvia, y la obvia... El experto anterior que consulté fue mi amigo Jazz Monroe, un colega crítico musical y fanático certificado de Radiohead. Me hizo algunas preguntas: ¿Qué es lo más parecido a Radiohead que me gusta? No estaba seguro; mi novio sugirió a Cameron Winter, y todavía no estoy seguro de si estaba bromeando. ¿A quién prefiero entre REM, Pixies y Robert Wyatt? REM. ¿Cuál es mi álbum favorito de Bowie? Le dije **Hunky Dory** o **Blackstar**.
Un día después, Jazz me envió una lista de reproducción corta, asegurándome que "no era canónica" pero que podría mostrarme "un lado más simpático" de la banda. Conociendo mi profundo desdén por el poder corporativo y la élite adinerada, explicó: "Thom es uno de esos artistas que se enoja tan ingenuamente, tan infantilmente, ante la vista de una sonrisa corporativa o el sonido de una línea telefónica automatizada que se dedica a crear algo hermoso para contrarrestarlo". Encontré esa una razón muy convincente para hacer arte.
En realidad disfruté muchas de las canciones en la lista, especialmente las más orientadas al ritmo como "Weird Fishes", "Blow Out" y "Where I End and You Begin". Allí, sentí que la voz de Yorke estaba bien equilibrada por la batería, que alternaba entre contundente e hipnótica. Algunos elementos, como los sintetizadores trémulos en las canciones de **Hail to the Thief**, me parecieron un poco sobreutilizados —hasta que recordé que estos sonidos están en todas partes precisamente porque Radiohead ha sido tan influyente. Las canciones que toman mucho del jazz tendían a ser mis favoritas, lo que se alinea con el hecho de que genuinamente disfruto de The Smile, aunque eso no tenga mucho sentido ya que básicamente son Radiohead.
¿Profundizaré en su catálogo? Probablemente no. Me gustan lo suficiente estas canciones, pero no puedo quitarme la sensación de que ya he llenado cualquier vacío con forma de Radiohead en mi vida con otra música que cumple un propósito similar. Aun así, planeo escuchar algunos álbumes completos solo para estar seguro —en parte porque creo que **A Moon Shaped Pool** es un título de álbum precioso.
—Shaad D’Souza
Preguntas Frecuentes
Preguntas Frecuentes Nuestros Objetivos de Escucha 2026
Empezando Lo Básico
¿Qué son los objetivos de escucha 2026?
Son un desafío personal o comunitario para explorar activamente géneros musicales o artistas que históricamente has despreciado o ignorado, con el objetivo de ampliar tu gusto musical para 2026.
¿Por qué escucharía música que no me gusta?
El objetivo no es obligarte a que te guste, sino entenderla. Desarrolla empatía musical, rompe sesgos inconscientes y puede llevar a nuevos favoritos sorprendentes o una apreciación más profunda de la artisticidad.
¿No es esto solo tarea musical?
No debería sentirse como una obligación. Piensa en ello como una exploración aventurera, como probar una nueva cocina. El enfoque está en el descubrimiento con la mente abierta, no en pasar un examen.
¿Para quién es esto?
Para cualquiera. Desde oyentes casuales atrapados en una rutina de listas de reproducción hasta fans de música experimentados que quieren desafiar sus propias preferencias. Es especialmente valioso para críticos, creadores y mentes curiosas.
