영화 초기에는 무성 영화에 라이브 피아니스트나 오르가니스트가 연주를 하며 관객의 경험에 음악이 필수적이었습니다. 그러나 동기화된 사운드가 도입되기 전까지 관객이 일관된 음악 연출을 경험할 수는 없었습니다.
이러한 변화는 1926년작 <돈 후안>에서 비롯된 것으로 여겨집니다. 이 무성 영화는 현대적 의미의 진정한 사운드트랙은 아니었지만, 워너 브라더스가 비타폰 시스템을 사용해 영상과 함께 녹음된 디스크를 재생했습니다. 같은 방식이 1927년 최초로 대사까지 동기화한 <재즈 싱어>에도 적용되었습니다. 디스크 재생 방식이 불안정했기 때문에, 영화계는 곧 사운드를 필름 자체에 직접 인쇄하는 방식으로 전환하며 본격적인 사운드트랙이 탄생했습니다.
우리가 아는 영화 음악은 1930년대 초 빠르게 발전했는데, 이는 오페라, 교향곡, 뮤직홸에서 비롯된 스타일과 서사적 영향을 가져온 유럽 출신 이민 작곡가들 덕분이 컸습니다. 팀팬 앨리와 브로드웨이의 작곡가들도 뒤따라와 수십 년간 할리우드를 정의할 음악적 기반을 풍부하게 했습니다. 현재, 거의 한 세기가 지난 지금도 영화 음악 사운드트랙의 기본 역할과 기능은 크게 변하지 않았습니다. 하지만 어떤 음악이 예술 형식을 발전시키고 우리가 영화를 듣는 방식을 바꾸었을까요?
<일출>(1927)
독일 표현주의 감독 F.W. 무르나우가 할리우드에서 만든 이 오스카 수상작은 자막을 사용해 후기 무성 영화로 분류되지만, 폭스의 혁신적인 무비톤 시스템을 통해 동기화된 음향 효과와 음악을 선보였습니다. 처음으로 영화 사운드가 필름에 직접 인쇄되어 관객이 쇼팽이나 구노 같은 작곡가의 녹음 음악을 들을 수 있게 했습니다.
<킹콩>(1933)
오스트리아 출신 작곡가 맥스 스타이너가 이 클래식으로 영화 음악의 기능을 정교화했습니다. 서사, 구조, 배경, 감정을 형성하기 위해 오케스트라를 세심하게 사용한 것이 영화의 임팩트에 핵심이었습니다. <킹콩>은 이후 모든 교향악적 할리우드 영화 음악의 기초를 마련했으며 그 영향력은 지속되고 있습니다.
<시민 케인>(1941)
이 영화는 오슨 웰스의 감독 데뷔작이자 작곡가 버나드 허먼의 첫 영화 음악이었습니다. 둘 다 뉴욕 라디오 드라마 경력을 가지고 있었습니다. 할리우드에서 허먼은 주로 유럽 출신 작곡가들 사이에서 두각을 나타냈습니다. <시민 케인>을 위해 그는 전형적인 "할리우드" 교향악 스타일을 피하고 분위기와 정서를 강조하는 독특한 사운드 세계를 창조했습니다.
<흑판의 싸움>(1955)
이 영화는 전통적인 교향악 영화 음악에 처음으로 큰 타격을 입혔습니다. MGM은 빌 헤일리와 그의 코멧츠의 "Rock Around the Clock"을 도심 학교의 반항적 청소년 이야기의 주제곡으로 사용 허가했습니다. 이 곡의 인기는 우려하는 부모들 사이에 소동을 일으켰고, 전 세계적 히트를 기록하며 스튜디오에 영화 마케팅에 음악을 활용할 수 있음을 보여주었습니다. 이는 재즈 음악의 길을 열었습니다.
<금지된 행성>(1956)
BBC 라디오포닉 워크숍보다 수년 전, 선구자 루이스와 비비 배런 부부는 자기 테이프를 사용해 실험적 사운드를 창조하고 있었습니다. 할리우드가 이미 테레민(디미트리 티옴킨 같은 작곡가들이 사용) 같은 전자 악기를 다루었지만, <금지된 행성>은 획기적으로 완전히 전자 음악으로 구성된 사운드트랙을 선보였습니다. <지구가 멈추는 날>(둘 다 1951)과 버나드 허먼의 음악은 혁신적 사운드를 사용했습니다. 그러나 <금지된 행성>을 위해 루이스와 비비 배런은 최초의 완전 전자 영화 음악을 만들었습니다. 음향 효과와 음악의 조합은 관객을 놀라게 하고 즐겁게 하며 새로운 세대의 작곡가들에게 영감을 주었습니다.
1960년대가 되면 팝 음악과 재즈가 영화 사운드트랙에 완전히 스며들었고, 작곡가 헨리 맨시니가 그 최고의 옹호자 중 한 명이었습니다. <티파니에서 아침을>(1961)에서 맨시니는 히트곡 "Moon River"뿐만 아니라 시대를 완벽하게 담아낸 음악을 만들어 제작자들을 기쁘게 했습니다. 맨시니는 전통적 멜로디와 현대적 경쾌한 사운드를 융합한 "교향악적 팝"에 감각이 있었습니다. <하타리!>(1962), <샤레이드>(1963), <핑크 팬더>(1963) 같은 영화의 음악은 모두 이러한 음악적 융합의 혜택을 받았습니다.
운명의 장난으로 <2001: 스페이스 오디세이>(1968)는 역사상 가장 뛰어나고 영향력 있는 영화 사운드트랙 중 하나를 선사했습니다. 작곡가 알렉스 노스가 스탠리 큐브릭의 SF 걸작을 위해 오리지널 음악을 썼지만, 감독은 임시로 사용한 클래식 곡들을 좋아하게 되어 결국 이를 폐기했습니다. 노스에게는 동정이 가지만, 리게티, 리하르트 슈트라우스, 하차투리안, 요한 슈트라우스 2세의 음악이 강력하게 혼합되지 않은 큐브릭의 난해한 영화는 상상하기 어렵습니다.
<스타 워즈> 이전에 조지 루카스는 <아메리칸 그라피티>(1973)로 또 다른 히트를 기록했습니다. 이 영화는 캘리포니아 청소년들이 록앤롤을 듣고, 자동차 경주를 하며, 삶과 사랑에 대해 고민하는 하룻밤을 담았습니다. 당시의 40곡 이상의 신중하게 배치된 노래들이 자동차 라디오와 다이너에서 흘러나오며, 영화의 인기와 차트 1위 사운드트랙 앨범은 노래 중심 사운드트랙의 새로운 물결을 일으켰습니다.
루카스의 <아메리칸 그라피티>가 교향악 영화 음악에 도전했다면, 그의 1977년 SF 대히트 <스타 워즈: 새로운 희망>은 이를 부활시켰습니다. 스티븐 스필버그의 추천으로 루카스는 지나간 시대에 대한 애정 어린 오마주로 의도된 작품에 음악을 쓸 작곡가 존 윌리엄스를 접근했습니다. 윌리엄스는 홀스트, 월튼, 콘골드를 장난스럽게 오마주하는 구식 교향악 음악을 만들어 결국 할리우드와 관객이 교향악단을 다시 사랑하게 만들었습니다.
한스 짐머는 할리우드 영화 음악을 혁신했으며, <크림슨 타이드>(1995)는 그 변화의 정점을 나타냅니다. 이 영화는 그의 시그니처가 될 거대하고 강력한 사운드를 선보였습니다. 전자 음악이 항상 짐머 예술의 중심이었지만, 여기서 들을 수 있듯이 라이브 오케스트라와 합창단의 감정적 무게와의 융합은 독보적인 그의 것이 되었고, 이를 통해 현대 할리우드 영화 음악의 사운드가 탄생했습니다.
마이클 비크는 4월 9일부터 12일까지 열리는 런던 사운드트랙 페스티벌의 예술 감독입니다.
자주 묻는 질문
물론입니다. 초보자부터 고급까지 다양한 질문을 다루도록 설계된, '영화를 듣는 방식을 바꾼 10가지 사운드트랙: 개척자, 트럼펫, 테레민' 주제에 관한 FAQ 목록입니다.
일반/초보자 질문
1. 이 목록은 실제로 무엇에 관한 것인가요?
새로운 악기, 녹음 기술, 또는 작곡 스타일을 도입하여 영화에서 음악과 사운드가 사용되는 방식을 영구적으로 바꾼 10가지 특정 영화 사운드트랙에 관한 것입니다.
2. 제목에 개척자, 트럼펫, 테레민이 언급된 이유는 무엇인가요?
이들은 다루어진 혁신의 예시입니다.
3. 테레민이 무엇이며, 영화에 중요한 이유는 무엇인가요?
테레민은 물리적 접촉 없이 연주되는 최초의 전자 악기 중 하나입니다. 그 으스스하고 요동치는 소리는 1950년대 공상과학의 대명사가 되어, 영화 제작자가 특정 분위기를 창조하기 위해 비전통적 사운드를 사용할 수 있음을 보여주었습니다.
4. 상황을 바꾼 사운드트랙의 명확한 예를 하나 들어줄 수 있나요?
네, <죠스>입니다. 존 윌리엄스는 상어를 나타내기 위해 튜바와 더블 베이스로 연주되는 간단한 두 음 모티프를 사용했습니다. 이는 미니멀한 리듬 아이디어가 전통적 멜로디 음악보다 더 공포스럽고 상징적일 수 있음을 증명했습니다.
5. 이러한 변혁적 사운드트랙을 이해하는 이점은 무엇인가요?
영화를 더 적극적으로 들을 수 있게 도와줍니다. 음악이 어떻게 감정을 조작하고, 긴장을 고조시키며, 그 자체로 캐릭터가 되는지 알아차리기 시작하면, 영화를 예술 형식으로 더 깊이 감상할 수 있게 됩니다.
중급/고급 질문
6. 테레민 외에 영화 사운드트랙의 다른 주요 악기 혁신은 무엇인가요?
멜로트론, 온드 마르트노의 으스스한 사용, 완전한 신시사이저의 통합, 그리고 영화 세계를 정의하기 위한 비서구 악기의 사용 등이 있습니다.
