Szesnaście lat to idealny wiek na oglądanie filmów – jest się wtedy zawieszonym między szeroko otwartym zachwytem a czymś w rodzaju dojrzałości. Właśnie tyle miałem lat, kiedy po raz pierwszy zobaczyłem **Talentowanego pana Ripleya** – oszałamiającą, pięknie mroczną adaptację powieści Patricii Highsmith z 1955 roku, którą w 1999 roku zrealizował Anthony Minghella. Do tego czasu od lat kochałem kino, ale jego eleganckie złowrogie piękno, piękno naznaczone przemocą, chwyciło mnie tak, jak nic wcześniej. To film daleki od optymizmu – to opowieść o queerowym pragnieniu i samotności, które przeradzają się w morderstwo. Ale nawet teraz, gdy go oglądam (co robię, być może zbyt często), wciąż czuję tę surową radość, jaką daje sztuka otwierająca młody umysł.
Minghella, który zmarł w 2008 roku, był mistrzem stylu, tworzył w pełni wiarygodne wizje przeszłości. Jego umiejętności najpełniej rozbłyskują w **Ripleym**, który zabiera widzów w wielką podróż po Włoszech połowy XX wieku – po ich nasłonecznionym, beztroskim wybrzeżu i napiętych, szarych, brukowanych uliczkach. Tom Ripley, nisko urodzony oszust wysłany do Włoch, aby sprowadzić do domu zbuntowanego następcę fortuny żeglugowej, jest pełen podziwu dla tego kraju, tak jak my. Tak bardzo, że niemal z niepokojem kibicujemy Tomowi, gdy jego knowania stają się coraz mroczniejsze.
Ścieżka dźwiękowa Gabriela Yareda – to raz złowieszcza, raz frywolna muzyka z uwodzicielskim klarnetem i złowróżbnym dzwonkiem – otacza nas, gdy Tom coraz głębiej pogrąża się w swoich kłamstwach, wciągając za sobą niczego niepodejrzewających spadkobierców i dyletantów. To suspens najwyższej klasy, ale film niesie też ze sobą głębszy, smutniejszy podtekst. Pod jego wypolerowaną powierzchnią kryje się surowe, zaskakująco pełne empatii spojrzenie na życie ze skrywanym pragnieniem i sięganie po złoty świat, który prawdopodobnie odrzuciłby twoje prawdziwe ja.
Nic dziwnego, że ja, który właśnie wyszedłem z szafy latem 1999 roku, znalazłem w tym filmie coś głęboko rezonującego. Ale nie chodziło tylko o to. Chodziło o elektryzującą energię nienagannej reżyserii Minghelli, współpracującego z obsadą gwiazd, które wkrótce miały stać się wielkie – i które, jak sądzę, nigdy nie były lepsze.
Nieliczni inni młodzi, heteroseksualni aktorzy w Hollywood lat 90. mieliby pewność siebie, by zagrać tę dwuznaczną queerową postać z precyzją i odwagą, jaką do roli wniósł Matt Damon. Jude Law jest bogiem-słońcem z Olimpu, idealnie wstrętny i magnetyczny jako Dickie Greenleaf. Philip Seymour Hoffman jest przezabawnie ohydny jako gburowaty Freddie Miles. Gwyneth Paltrow jest arystokratyczna i godna pożałowania jako narzeczona Dickiego, Marge, której wyrafinowanie i ciepło nie są match dla okrucieństwa Toma. I jest wspaniała Cate Blanchett, która kradnie każdą scenę jako Meredith Logue, społecznie nieporadna dziedziczka fortuny tekstylnej, która nieświadomie wspiera oszustwa Toma, podekscytowana intrygą, lekkomyślnie ryzykując własne serce.
W wieku 16 lat, kiedy dopiero zaczynałem odkrywać, co kocham w aktorach i filmach, było to tak ekscytujące. I może wtedy Hollywood też się przeobrażało. **Talentowany pan Ripley** mógł znaleźć się po niewłaściwej stronie tej zmiany kulturowej; to rodzaj filmu hollywoodzkiego, który rzadko dziś widzimy – inteligentny, artystyczny i o skromnym budżecie, pomimo historycznego settingu i zdjęć plenerowych. Taki rodzaj filmu w dużej mierze zniknął po premierze **Ripleya**. Ale wtedy wydawało się, że to most do przyszłości – przynajmniej dla mnie.
Jeśli film jest reliktem minionej epoki, to co za relikt. I jak mocno ze mną pozostał, powracając raz po raz, gdy dorastałem. Kiedy go ponownie oglądam, nie szukam pociechy w Tomie Ripleyu – nawet nie pragnę… Podróży do Włoch – choć chyba nie bardziej niż zwykle. Tak naprawdę chodzi mi o to, i znajduję to we wspomnieniach, o tę ekscytację, gdy uświadamiam sobie, że filmy takie jak Ripley w ogóle mogą istnieć i że wreszcie byłem gotowy, by je oglądać i doceniać.
Dlatego **Talentowany pan Ripley** stał się dla mnie, na swój chłodny i melancholijny sposób, filmem feel-good – i z pewnością dla wielu innych również. Reprezentuje Hollywood u szczytu mocy: urzekające, poruszające i przenoszące w inny świat. Choć może to brzmieć idealistycznie, wciąż mam nadzieję, że jakiś odważny, nowy reżyser spojrzy dziś na film Minghelli, który ma już dwadzieścia pięć lat, i znajdzie w nim inspirację. W jego starannym rzemiośle, umiejętnym wykorzystaniu charyzmy gwiazd filmowych, w jego cichej pewności, że literackie opowieści mogą być również głęboko fizycznymi i zmysłowymi doświadczeniami. Jeśli nie wszyscy możemy pojechać do Europy, aby odnaleźć siebie, przynajmniej możemy obejrzeć **Ripleya** i pozwolić sobie pomarzyć w ciemności.
**Talentowany pan Ripley** dostępny jest w USA na Paramount+ i Criterion Channel, w Wielkiej Brytanii na Amazon Prime i Paramount+, a w Australii na Stan.
Często zadawane pytania
Oczywiście. Oto lista często zadawanych pytań na temat tego, dlaczego "Talentowany pan Ripley" jest zmysłowym cudem i filmem feel-good.
Ogólne | Podstawowe pytania
P: Zaraz, czy "Talentowany pan Ripley" nie jest thrillerem o mordercy? Jak to może być film feel-good?
O: Dla wielu osób element feel-good nie dotyczy moralności fabuły, ale immersyjnej fantazji spełnienia marzeń o ucieczce do świata piękna, stylu i sprytnej inteligencji.
P: Co masz na myśli mówiąc "zmysłowe cuda"?
O: Odnosi się to do tego, jak film przemawia bezpośrednio do twoich zmysłów. Niemal czujesz włoskie słońce, słyszysz jazz i smakujesz glamour, tworząc potężne emocjonalne i fizyczne doświadczenie.
P: Jaka jest podstawowa zaleta filmu, jeśli go nigdy nie widziałem/am?
O: To mistrzowska lekcja atmosfery. Przenosi cię do Włoch lat 50. z oszałamiającymi obrazami, hipnotyczną ścieżką dźwiękową i niesamowitymi kostiumami, wszystko owinięte w napiętą i urzekającą historię.
P: Czy film jest straszny lub nadmiernie brutalny?
O: To thriller psychologiczny, więc jest napięty i ma momenty przemocy, ale to nie jest film horrorowy. Napięcie wynika z postaci i ich wyborów, a nie z brutalności lub jumpscare'ów.
Głębsze | Zaawansowane pytania
P: W jaki sposób film wykorzystuje estetykę do stworzenia swojego feel-goodowego charakteru?
O: Luksusowe plenery, charyzmatyczna rola Jude'a Lawa i beztroski styl życia przedstawiony działają jako forma kinematograficznej eskapizacji. Cieszysz się fantazją tego świata, nawet gdy rozgrywa się mroczna fabuła.
P: Dlaczego czuję się współwinny/a lub nawet kibicuję Tomowi Ripleyowi, wyraźnie niemoralnej postaci?
O: Film jest kręcony z jego perspektywy. Doświadczamy jego pragnień, niepewności i podziwu dla świata Dickiego. To tworzy dziwną empatię, sprawiając, że jego desperackie działania wydają się relatywne na ludzkim poziomie.
P: Termin "zmysłowy" często implikuje ostrość. Jak glamouryczny film to osiąga?
O: Zmysłowa reakcja wynika z intensywnych emocji: żądła odrzucenia, paniki bycia przyłapanym na kłamstwie, podniecenia z bezkarności i miażdżącego ciężaru zazdrości. Piękno kontrastuje z tymi surowymi uczuciami.
