Sechzehn ist das perfekte Alter, um einen Film zu sehen – man ist genau an der Schwelle zwischen kindlicher Staunen und einer Art Reife. So alt war ich, als ich zum ersten Mal **Der talentierte Mr. Ripley** sah, Anthony Minghellas atemberaubende, wunderschön düstere Verfilmung von Patricia Highsmiths scharfzüngigem Roman aus dem Jahr 1955. Ich war zwar schon seit Jahren ein Filmfan, aber seine elegante Bedrohlichkeit, seine von Gewalt durchzogene Schönheit, packte mich wie nichts zuvor. Es ist alles andere als ein Feelgood-Film – hier geht es um queeres Verlangen und Einsamkeit, die in Mord ausarten. Doch selbst heute, wenn ich ihn mir ansehe (was ich vielleicht zu oft tue), spüre ich immer noch diesen puren Nervenkitzel, wie Kunst einen jungen Geist öffnet.
Minghella, der 2008 verstarb, war ein Meister des Stils und schuf vollkommen glaubwürdige Visionen der Vergangenheit. Sein Können zeigt sich am stärksten in **Ripley**, das die Zuschauer auf eine Grand Tour durch das Italien der Mitte des 20. Jahrhunderts mitnimmt – seine sonnenverwöhnte Küstenentspannung und seine angespannten, grauen Kopfsteinpflasterstraßen. Tom Ripley, ein niedrig geborener Trickbetrüger, der nach Italien geschickt wird, um einen widerspenstigen Schifffahrtserben nach Hause zu holen, ist genau wie wir voller Ehrfurcht vor dem Land. So sehr, dass wir uns fast unbehaglich dazu hinreißen lassen, für Tom Partei zu ergreifen, während seine Machenschaften immer dunkler werden.
Gabriel Yareds Filmmusik – mal unheilvoll, mal verspielt, mit verführerischer Klarinette und unheilverkündendem Glockenspiel – umhüllt uns, während Tom immer tiefer in seine Lügen versinkt und ahnungslose Erben und Dilettanten mit sich in den Abgrund reißt. Es ist Spannung auf höchstem Niveau, aber der Film vibriert auch mit einer tieferen, traurigeren Unterströmung. Unter seiner polierten Oberfläche verbirgt sich ein schonungsloser, überraschend einfühlsamer Blick auf das Leben mit verborgenem Verlangen und das Streben nach einer goldenen Welt, die das wahre Ich wahrscheinlich ablehnen würde.
Es überrascht nicht, dass ich, der ich im Sommer 1999 gerade erst geoutet war, etwas zutiefst Resonantes in diesem Film fand. Aber das war nicht alles. Es war die elektrische Energie von Minghellas makelloser Regie, die mit einer Besetzung von baldigen Superstars arbeitete – die, so würde ich argumentieren, nie besser waren.
Wenige andere junge, heterosexuelle männliche Schauspieler im Hollywood der 1990er Jahre hätten das Selbstvertrauen gehabt, diese mehrdeutige queere Figur mit der Präzision und Furchtlosigkeit zu spielen, die Matt Damon in die Rolle einbrachte. Jude Law ist ein Sonnengott, direkt vom Olymp hereingestrahlt, perfekt verhasst und magnetisch als Dickie Greenleaf. Philip Seymour Hoffman ist eine urkomisch üble Präsenz als der flegelhafte Freddie Miles. Gwyneth Paltrow ist sowohl aristokratisch als auch bemitleidenswert als Dickies Verlobte Marge, deren Weltgewandtheit und Wärme Tom Ripleys Grausamkeit nichts entgegenzusetzen haben. Und dann ist da noch die großartige Cate Blanchett, die als Meredith Logue jede Szene stiehlt, eine sozial unbeholfene Textilerbin, die unwissentlich Toms Täuschungen unterstützt, von der Intrige begeistert ist und dabei leichtsinnig ihr eigenes Herz riskiert.
Es war alles so aufregend mitanzusehen, mit sechzehn, als ich gerade erst herauszufinden begann, was ich an Schauspielern und Filmen liebte. Und vielleicht, als auch Hollywood sich neu erfand. **Der talentierte Mr. Ripley** hätte auf der falschen Seite dieses Kulturwandels landen können; es ist die Art von Hollywood-Film, die wir heute selten sehen – klug, künstlerisch und trotz seines historischen Settings und der Dreharbeiten vor Ort mit bescheidenem Budget. Diese Art von Film ist seit **Ripley** größtenteils verschwunden. Aber damals fühlte es sich wie eine Brücke in die Zukunft an – zumindest für mich.
Wenn der Film ein Relikt aus einer verlorenen Ära ist, was für ein Relikt ist er dann. Und wie eindringlich ist er mir geblieben, kehrte immer wieder zurück, während ich erwachsen wurde. Wenn ich ihn mir wieder ansehe, suche ich keinen Trost in Tom Ripley – ich sehne mich nicht einmal – nach einer Reise nach Italien – obwohl nicht mehr als sonst, nehme ich an. Worauf es mir wirklich ankommt und was ich in Erinnerung behalte, ist dieser Nervenkitzel, zu erkennen, dass Filme wie Ripley überhaupt existieren können und ich endlich bereit war, sie zu sehen und zu schätzen.
Deshalb ist Der talentierte Mr. Ripley auf seine schaurige und melancholische Art zu einem Feelgood-Film für mich geworden – und sicherlich auch für viele andere. Er steht für Hollywood auf seinem Höhepunkt: fesselnd, bewegend und mitreißend. So idealistisch es auch klingen mag, ich hoffe immer noch, dass irgendein mutiger neuer Regisseur von heute auf Minghellas Film, der jetzt fünfundzwanzig Jahre alt ist, zurückblicken und darin Inspiration finden könnte. In seiner sorgfältigen Handwerkskunst, seinem gekonnten Einsatz von Movie-Star-Charisma, seiner stillen Zuversicht, dass literarische Geschichten auch zutiefst körperliche und sinnliche Erfahrungen sein können. Wenn wir nicht alle nach Europa gehen können, um uns selbst zu finden, können wir wenigstens Ripley ansehen und uns im Dunkeln träumen lassen.
Der talentierte Mr. Ripley ist in den USA auf Paramount+ und dem Criterion Channel, in Großbritannien auf Amazon Prime und Paramount+ und in Australien auf Stan verfügbar.
Häufig gestellte Fragen
Natürlich. Hier ist eine Liste von FAQs darüber, warum Der talentierte Mr. Ripley ein viszerales, sinnliches Wunder und ein Feelgood-Film ist.
Allgemeine Einsteigerfragen
F: Moment, ist Der talentierte Mr. Ripley nicht ein Thriller über einen Mörder? Wie kann das ein Feelgood-Film sein?
A: Für viele liegt das Feelgood-Element nicht in der Moral der Handlung, sondern in der immersiven Wunscherfüllungsfantasie, in eine Welt voller Schönheit, Stil und gerissener Intelligenz zu entfliehen.
F: Was meinen Sie mit "viszeralen, sinnlichen Wundern"?
A: Es bezieht sich darauf, wie der Film direkt die Sinne anspricht. Man spürt fast die italienische Sonne, hört den Jazz und schmeckt den Glamour, was eine intensive emotionale und körperliche Erfahrung schafft.
F: Was ist der grundlegende Reiz des Films, wenn ich ihn noch nie gesehen habe?
A: Er ist ein Meisterwerk der Atmosphäre. Er versetzt einen ins Italien der 1950er Jahre mit atemberaubenden Bildern, einem hypnotischen Soundtrack und unglaublichen Kostümen, alles eingewickelt in eine spannende und fesselnde Geschichte.
F: Ist der Film gruselig oder übermäßig gewalttätig?
A: Es ist ein psychologischer Thriller, also ist er spannend und hat Momente der Gewalt, aber es ist kein Horrorfilm. Die Spannung entsteht durch die Charaktere und ihre Entscheidungen, nicht durch Blut oder Schockszenen.
Tiefgründige Fortgeschrittene Fragen
F: Wie nutzt der Film Ästhetik, um seine Feelgood-Qualität zu erzeugen?
A: Die luxuriösen Schauplätze, Jude Laws charismatische Leistung und die sorglose dargestellte Lebensweise wirken als eine Form des filmischen Eskapismus. Man genießt die Fantasie dieser Welt, auch wenn die düstere Handlung sich entfaltet.
F: Warum fühle ich mich mitschuldig oder feuere sogar Tom Ripley an, eine eindeutig unmoralische Figur?
A: Der Film wird aus seiner Perspektive gedreht. Wir erleben seine Begierden, seine Unsicherheiten und seine Ehrfurcht vor Dickies Welt. Das schafft eine seltsame Empathie, die seine verzweifelten Handlungen auf einer menschlichen Ebene nachvollziehbar macht.
F: Der Begriff "viszeral" impliziert oft Derbheit. Wie erreicht ein glamouröser Film das?
A: Die viszerale Reaktion kommt von den intensiven Emotionen – der Stich der Zurückweisung, die Panik, ertappt zu werden, der Nervenkitzel, damit durchzukommen, und die erdrückende Last des Neids. Die Schönheit kontrastiert mit diesen rohen Gefühlen.
