Han var den ultimate syntetisøren.
David Hockney dukket ikke bare opp fra intet som et fullt utformet kunstnerisk vidunderbarn. Arbeidet hans samlet så mye av det som hadde kommet før, og det som skjedde rundt ham. Han tok ideer fra minimalisme og abstraksjon, blandet dem med tradisjonell portrettkunst, og filtrerte alt gjennom pop- og konseptkunstbevegelsene på 1960-tallet. Han skyldte mye til andre kunstnere, men han kombinerte alle disse påvirkningene til noe så enkelt, umiddelbart, lett å forstå og innbydende at det ble helt nytt.
Han var en arbeiderklassehelt.
Arbeiderklassegutter fra Bradford gikk ikke på kunstskole. Det var bare ikke noe folk gjorde. Det var for andre. Men Hockney var født til å trosse forventninger. Han sa til Guardian i 2015: «Da jeg begynte på kunstskole, sa en nabo: ’Noen av folkene på kunstskolen jobber ikke i det hele tatt. Late drittsekker.’ Og jeg sa: ’Å, jeg kommer til å jobbe, ikke bekymre deg.’» Og det gjorde han, ustanselig, ustopperlig, helt til det siste.
Han endret hvordan vi ser på perspektiv.
Hockney så på tradisjonelt perspektiv – der alle linjer fører til et enkelt, fjernt forsvinningspunkt – som ikke bare begrensende og kjedelig, men helt urealistisk. Han mente at vi ikke ser verden som frosset og stille; synet vårt er aktivt og stadig skiftende. Hans løsning var omvendt perspektiv: han flyttet forsvinningspunktet bak betrakteren eller splittet det i flere retninger. Resultatet er noen ganger svimlende, merkelig og urovekkende, men mye nærmere hvordan vi faktisk ser verden.
Han bygget bro mellom fotografi og maleri.
Fotografi var sentralt i Hockneys arbeid i flere tiår. I senere år inkluderte han direkte bilder i maleriene sine, men hans beste arbeid med mediet var kollasjene hans. Han tok flere bilder av samme motiv fra forskjellige vinkler (ofte med et Polaroid-kamera), og skapte kaleidoskopiske utsikter av verden rundt seg. Bildene påvirket hvordan han malte, og maleriet hans påvirket fotografiet hans. Til slutt ble de to mediene nesten ett.
Han gjorde landskap monumentalt.
Yorkshire ble Hockneys muse på midten av 2000-tallet, og han vendte igjen og igjen tilbake til de bølgende åsene rundt Bridlington. I 2007 inspirerte skogen i Woldgate ham til å presse landskapsmaleriet til dets absolutte grense. Han ønsket å male landsbygda i en skala som vanligvis er forbeholdt kunstens store, viktige emner: historie, bibelske scener, nasjonal frigjøring. De resulterende maleriene var enorme, nyskapende og nesten sjokkerende forsøk på å heve hverdagsscener til monumentale høyder.
Han var en teknologisk nyskaper.
Han var ikke sjenert for å omfavne ny teknologi, og i sine senere år tok han til seg iPad-en med entusiasme. Å male direkte med en digital penn eller fingeren tillot ham å jobbe raskt og direkte. Mange kritikere hatet iPad-arbeidene, og klaget over «tapet av kunstnerens hånd» eller kalte dem «uforklarlig rotete». Men det som er fantastisk, er at selv på dette nye, digitale, ukjente mediet, er verkene hans umiddelbart gjenkjennelige. Det spiller ingen rolle om det er en iPad – det ser fortsatt ut som Hockney.
Han definerte måten vi ser Los Angeles på.
Det krevdes en gutt fra dypeste West Yorkshire for virkelig å fange den solfylte, fuktige skjønnheten i Los Angeles. Hockney flyttet til California i 1964 og tilbrakte de neste tiårene med å skape høystiliserte, ultrakule visjoner av livet blant palmetrærne, bassengene og den postmoderne arkitekturen i Hollywood og omegn. Når vi tenker på LA og hvordan det ser ut, ser vi det gjennom Hockneys øyne.
Portrettene hans fikk stjerner til å se menneskelige ut.
Portrettkunst var kjernen i Hockneys kunst helt fra begynnelsen. Bildene hans av moren er ømme og kjærlige, portrettene hans av elskere er intime og søte. Det spilte ingen rolle om han malte en Rothschild, sin fetter, en popstjerne eller en studioassistent – han behandlet alle med samme ynde. Mot slutten ble noen av portrettene ganske flekkete og klumpete, men han mistet aldri sin evne til å formidle sin dype kjærlighet til maleriet og til menneskene han malte.
Han var en pioner innen immersiv kunst.
Se bildet i fullskjerm
Mennesker som går inne i en Hockney-skog i utstillingen David Hockney: Bigger & Closer (not smaller & further away) på Lightroom, London. Foto: David Hockney/PA
Immersiv kunst ble trenden for øyeblikket på store museer tidlig på 2020-tallet, og Hockney hadde ikke tenkt å bli etterlatt. Han tok over Londons Lightroom-arena med Bigger & Closer (not smaller & further away) i 2025, en blanding av selvbiografisk dokumentar og digital kunstutstilling. Akkurat som med Polaroidene og iPadene sine, så Hockney hvordan ny teknologi kunne skifte perspektiv og endre hvor nært betraktere kunne komme kunsten.
Han omfavnet teater og opera.
Hockneys veldig enkle, dristige og fargerike stil var en perfekt passform for scenen. Han designet scenografien for en produksjon av Ubu Roi på Londons Royal Court Theatre i 1966, og vendte tilbake til teater- og operadesign gjennom hele karrieren. Han jobbet med produksjoner av Tristan und Isolde, Turandot og The Magic Flute, blant mange andre, alle fylt med maleriene hans brakt til live. Hans signatur omvendte perspektiv trakk betrakteren rett inn i hjertet av handlingen.
Han feiret sin seksualitet.
Hockneys tidligste verk var fulle av kjødelige, lystfulle bilder: store falloser, kropper sammenfiltret kaotisk. De var veldig grove, og det var et modig trekk for en ung homofil kunstner på 1960-tallet, selv i svingende London. Hockneys seksualitet var alltid sentral i arbeidet hans, og det bidro til å bane vei for mange andre homofile kunstnere til å føle seg frie til å uttrykke seg selv også.
Ofte stilte spørsmål
Her er en liste med 10 ofte stilte spørsmål om David Hockneys kunst som dekker hvordan han endret kunst med sine hyperstiliserte ultrakule visjoner
1 Hva mener du egentlig med hyperstilisert ultrakult i Hockneys arbeid
Det betyr at maleriene hans ikke ser ut som realistiske bilder I stedet bruker de dristige flate farger skarpe konturer og forenklede former Den kule delen kommer fra motivene hans solfylte svømmebassenger moderne arkitektur og mennesker som ser avslappede og stilige ut
2 Hvordan endret Hockney måten vi ser svømmebassenger på i kunst
Før Hockney var bassenger sjelden et hovedmotiv Han gjorde dem ikoniske ved å male vannet ved hjelp av et system av korte, krusete blå linjer Dette skapte en skimrende, stilisert overflate som føltes både kunstig og hypnotisk, og forvandlet et enkelt basseng til et symbol på California-kulhet
3 Hvorfor føles Hockneys kunst så annerledes fra andre moderne kunstnere
Han kombinerer to ting som vanligvis ikke blandes den tekniske ferdigheten til en klassisk maler med den lekne pop-energien til en tegneserie Scenene hans er perfekt komponert, men de lyse fargene og det flate perspektivet får dem til å føles som en drøm eller et filmsett
4 Hva var Hockneys store idé om perspektiv
Han avviste ettpunktsperspektivet vi bruker i bilder I stedet brukte han omvendt perspektiv eller kubistiske flere synsvinkler For eksempel i et rommaleri kan du se gulvet ovenfra og veggen rett forfra, noe som får rommet til å føles mer levende og mindre som en boks
5 Hvordan brukte han collage til å endre maleri
Han laget fotokollasjer kalt Joiners, der han tok dusinvis av Polaroid-bilder av én scene og satte dem sammen som et puslespill Dette brøt det ene øyeblikket opp i mange små øyeblikk, og viste bevegelse og tid som går Dette påvirket direkte hvordan han senere malte, og ga scenene hans en fragmentert, filmatisk følelse
6 Hva er det største eksemplet på hans hyperstiliserte visjon
