Той беше върховният синтезатор.
Дейвид Хокни не се появи от нищото като напълно оформен артистичен феномен. Творчеството му обедини толкова много от това, което е било преди и се е случвало около него. Той взе идеи от минимализма и абстракцията, смеси ги с традиционния портрет и филтрира всичко през поп и концептуалното изкуство от 60-те години на XX век. Дължеше много на други художници, но комбинира всички тези влияния в нещо толкова просто, непосредствено, лесно за разбиране и приветливо, че се превърна в нещо напълно ново.
Той беше герой от работническата класа.
Момчета от работническата класа от Брадфорд не ходеха в художествени училища. Просто не беше нещо, което хората правеха. Това беше за другите. Но Хокни беше роден да предизвиква очаквания. Той каза пред Guardian през 2015 г.: „Когато отидох в художественото училище, една съседка каза: „Някои хора в художественото училище изобщо не работят. Мързеливи гадове.“ А аз казах: „О, аз ще работя, не се притеснявай.“ И той работеше, непрестанно, неудържимо, чак до самия край.
Той промени начина, по който гледаме на перспективата.
Хокни виждаше традиционната перспектива – където всички линии водят до една единствена, отдалечена точка на изчезване – не само като ограничаваща и скучна, но и като напълно нереалистична. Той вярваше, че не виждаме света като замръзнал и неподвижен; зрението ни е активно и постоянно се променя. Неговото решение беше обратната перспектива: той премести точката на изчезване зад зрителя или я раздели в множество посоки. Резултатът понякога е замайващ, странен и смущаващ, но много по-близо до това как наистина виждаме света.
Той преодоля пропастта между фотографията и живописта.
Фотографията беше централна за творчеството на Хокни в продължение на десетилетия. В по-късните си години той директно включваше снимки в картините си, но най-добрата му работа с този медиум бяха неговите колажи. Той правеше множество снимки на един и същ обект от различни ъгли (често с Polaroid), създавайки калейдоскопични гледки към света около него. Снимките повлияха на начина, по който рисуваше, а живописта му повлия на фотографията му. В крайна сметка двата медиума почти се сляха в един.
Той направи пейзажа монументален.
Йоркшир стана муза на Хокни в средата на 2000-те години и той отново и отново се връщаше към хълмистите хълмове около Бридлингтън. През 2007 г. гората в Уолдгейт го вдъхнови да избута пейзажната живопис до абсолютния ѝ предел. Той искаше да нарисува провинцията в мащаб, обикновено запазен за големите, важни теми в изкуството: история, библейски сцени, национално освобождение. Получените картини бяха огромни, иновативни и почти шокиращи опити да издигне ежедневните сцени до монументални висоти.
Той беше технологичен новатор.
Не се колебаеше да прегърне новите технологии и в по-късните си години се отдаде на iPad с ентусиазъм. Рисуването директно с дигитален стилус или пръст му позволяваше да работи бързо и директно. Много критици мразеха творбите, направени на iPad, оплаквайки се от „загубата на ръката на художника“ или наричайки ги „необяснимо разхвърляни“. Но невероятното е, че дори в този нов, дигитален, непознат медиум, творбите му са незабавно разпознаваеми. Няма значение дали е на iPad – все още изглежда като Хокни.
Той определи начина, по който виждаме Лос Анджелис.
Трябваше момче от най-дълбоки Западен Йоркшир, за да улови наистина слънчевата, влажна красота на Лос Анджелис. Хокни се премества в Калифорния през 1964 г. и прекарва следващите няколко десетилетия, създавайки силно стилизирани, изключително готини визии за живота сред палмите, басейните и постмодерната архитектура на Холивуд и околностите му. Когато мислим за Ел Ей и как изглежда, ние го виждаме през очите на Хокни.
Портретите му правеха звездите да изглеждат човешки.
Портретът беше в сърцето на изкуството на Хокни от самото начало. Изображенията му на майка му са нежни и любящи, портретите му на любовници са интимни и сладки. Нямаше значение дали рисува Ротшилд, братовчед, поп звезда или студиен асистент, той се отнасяше към всички с еднаква грация. Към края някои от портретите станаха доста накъсани и на петна, но той никога не загуби способността си да предава дълбоката си любов към живописта и към хората, които рисуваше.
Той беше пионер на потапящото изкуство.
View image in fullscreen
Хора, разхождащи се вътре в гора на Хокни в изложбата David Hockney: Bigger & Closer (not smaller & further away) в Lightroom, Лондон. Снимка: David Hockney/PA
Потапящото изкуство се превърна в тенденция на момента в големите музеи в началото на 2020-те години и Хокни нямаше да остане назад. Той завладя лондонското пространство Lightroom с Bigger & Closer (not smaller & further away) през 2025 г., смесица от автобиографичен документален филм и дигитална художествена изложба. Точно както с неговите Polaroid и iPad, Хокни видя как новата технология може да промени перспективата и да промени колко близо могат да стигнат зрителите до изкуството.
Той прегърна театъра и операта.
Много простият, смел и цветен стил на Хокни беше идеално подходящ за сцената. Той проектира декорите за постановка на Ubu Roi в лондонския Royal Court Theatre през 1966 г. и се връща към театралния и оперен дизайн през цялата си кариера. Работил е по продукции на Tristan und Isolde, Turandot и The Magic Flute, наред с много други, всички изпълнени с неговите картини, оживени. Неговата характерна обратна перспектива привличаше зрителя право в сърцето на действието.
Той празнува своята сексуалност.
Най-ранните творби на Хокни бяха пълни с плътски, похотливи образи: огромни фалоси, тела, заплетени хаотично. Те бяха много неприлични и това беше смел ход за млад гей художник през 60-те години, дори в лондонския суинг. Сексуалността на Хокни винаги беше централна за творчеството му и това помогна да се проправи път за много други гей художници да се чувстват свободни да се изразяват.
Често задавани въпроси
Ето списък с 10 често задавани въпроса за изкуството на Дейвид Хокни, обхващащи как той промени изкуството със своите хиперстилизирани, ултра-готини визии.
1 Какво точно имате предвид под хиперстилизиран ултра-готин в творбите на Хокни
Това означава, че картините му не изглеждат като реалистични снимки. Вместо това те използват смели, плоски цветове, остри контури и опростени форми. Готината част идва от неговите теми – слънчеви басейни, модерна архитектура и хора, които изглеждат отпуснати и стилни.
2 Как Хокни промени начина, по който виждаме басейните в изкуството
Преди Хокни басейните рядко бяха основна тема. Той ги направи иконични, като рисува водата, използвайки система от къси, начупени сини линии. Това създаде блестяща, стилизирана повърхност, която се усещаше едновременно изкуствена и хипнотична, превръщайки обикновен басейн в символ на калифорнийската готина.
3 Защо изкуството на Хокни се усеща толкова различно от това на други съвременни художници
Той комбинира две неща, които обикновено не се смесват: техническото умение на класически художник с игривата поп енергия на комикс. Сцените му са перфектно композирани, но ярките цветове и плоската перспектива ги карат да се усещат като сън или филмов декор.
4 Каква беше голямата идея на Хокни за перспективата
Той отхвърли еднопосочната перспектива, която използваме в снимките. Вместо това той използва обратна перспектива или кубистични множество гледни точки. Например в картина на стая може да видите пода отгоре и стената отпред, което прави пространството да се усеща по-живо и по-малко като кутия.
5 Как използва колажа, за да промени живописта
Той правеше фотоколажи, наречени Joiners, където правеше десетки снимки с Polaroid на една сцена и ги сглобяваше като пъзел. Това разби единичния момент на много малки моменти, показвайки движение и течение на времето. Това директно повлия на начина, по който по-късно рисуваше, придавайки на сцените му фрагментирано, кинематографично усещане.
6 Кой е най-големият пример за неговата хиперстилизирана визия
