Det finns en målning jag ofta tänker på—Madonna del Parto, ett mästerverk från 1460 av Piero della Francesca, som visas i ett litet museum i Monterchi i Toscana. Den föreställer Jungfru Maria, höggravid, med två änglar vid sina sidor. I generationer har lokala kvinnor vördat den som en beskyddare av fertilitet och förlossning. Under andra världskriget konfronterade de till och med män som de trodde var nazister och försökte stjäla den. Senare, 1954, protesterade de mot planerna att flytta den till Florens genom att lägga sig på gatan för att blockera dess bortforsling.
Jag tänkte på dessa kvinnor igår när jag gick genom Jenny Savilles utställning på National Portrait Gallery och såg hur renässanskonsten format hennes verk. Savilles fascination för de gamla mästarna började i barndomen, tack vare en konsthistorikerfarbror som tog med henne till Venedig. Den påverkan är tydligast i hennes moderskapsmålningar—råa, kraftfulla bilder av henne med sina barn, som ekar Leonardos och Michelangelos verk. Man kan nästan se deras madonnor i de virvlande skisserna runt hennes figurer. En av hennes mest slående verk, Pietà I, en studie i kol och pastell, växte fram ur hennes djupa engagemang för Michelangelos Nedtagningen.
Jag oroar mig för att jag kanske förlorar dig i konsthistorisk terminologi, så låt oss återvända till de protesterande kvinnorna i Monterchi. I mina tidiga tjugoårsåldrar kunde jag inte fatta att man kunde bry sig så mycket om en renässansmålning att man lade sig på gatan för den. Då lämnade religiös konst mig kall—förmodligen för att jag inte växte upp med tro. För mig var det bara stela Jesusbarn och människor som knäböjde i vördnad. Jag förstod dess historiska betydelse—perspektivets födelse!—och pluggade pliktskyldigt på Titian och Michelangelo, klarade till och med en muntlig examen om Leonardos verk. Men givet valet föredrog jag alltid abstrakt och samtida konst. En Rothko eller Joan Mitchell talade till mig på sätt som renässansmålningar aldrig gjorde.
Jag visste att problemet var jag—jag förstod det bara inte. Den där mystiska gnistan som vissa konstverk har, hur den resonerar, undgick mig. När jag stod i Savilles utställning år senare, omgiven av hennes moder-och-barn-verk, insåg jag att min avkoppling inte bara handlade om religion—utan om livserfarenhet. Vid 23 års ålder, efter att ha överlevt ett mordförsök, skiftade min smak mot barocken (pretentiöst, kanske, men trauma formar oss, ofta genom konst—tänk på detta som min death metal-fas). Jag släpade min dåvarande pojkvän genom Roms kyrkor för att se Caravaggios; jag stod framför Artemisia Gentileschis Judit dödar Holofernes på Uffizierna och kände hennes raseri.
Jag grät inte på Savilles utställning, men jag var nära framför Aleppo, hennes Pietà för Syriens barn.
När jag var yngre kändes allvar outhärdligt sårbart, så som många i tjugoårsåldern gömde jag min naivitet bakom cynisk distans. Men livet händer—ibland hemska saker—och att bli äldre gör det lättare att bry sig djupt utan skam. Då undvek jag den känslomässiga tyngden av vissa upplevelser—inte bara död, utan allt som hade med moderskap att göra. Jag ville inte bege mig dit.
Sen, ungefär när jag började tänka på att skaffa barn, fann jag mig själv dragen till målningar av Bebådelsen—det ögonblicket då ängeln Gabriel berättar för Maria att hon ska föda ett barn. Om man bortser från tron på jungfrufödseln, började konsten själv röra mig på sätt jag inte förväntat mig. Tanken på att fånga den känslan—ögonblicket när man inser att livet är på väg att förändras helt—fascinerade mig plötsligt. Det blev ännu mer gripande när jag upptäckte att jag var gravid.
Som barn hade jag kopierat ängeln från Fra Angelicos Bebådelse från en av min mors böcker, helt ignorerande Maria. Men år senare, när jag stod framför målningen i Florens som vuxen, var allt jag kunde se uttrycket i hennes ansikte. Att se konst i verkligheten gör skillnad, men jag misstänker att hormoner också spelar roll.
I sommar upptäckte en nära vän att hon var gravid—så snabbt att hon var lika chockad som jag hade varit. Jag skickade henne en bild av den målningen och skämtade att Maria "ser ut som om hon ska kräkas". Kanske har jag fortfarande en bit kvar att gå i att släppa mitt motstånd mot uppriktighet, men jag skulle inte byta min nuvarande jag mot min yngre, mer cyniska version. Jag föredrar att vara den person som, precis efter förlossningen, grät framför en madonnamålning av Raphael—oavsett hur pinsamt det var.
Jag grät inte på Jenny Savilles utställning, men jag var nära framför Aleppo, hennes Pietà för Syriens barn. Målningen verkade hålla all sorg och smärta från mödrar i Gaza som förlorat barn till Israels våld. Det fick mig att inse att kvinnorna i Monterchi inte bara skyddade ett mästerverk—de skyddade varandra, och sina barn, som de såg det.
Att tillåta sig att bli rörd av konst innebär också att öppna sig för andras smärta—till och med vara villig att ta risker för dem. Att lägga sig på gatan, med andra ord.
Rhiannon Lucy Cosslett är en kolumnist på The Guardian. Hennes roman Female, Nude, om konst, kroppen och kvinnlig sexualitet, kommer att publiceras 2026.
VANLIGA FRÅGOR
### **Vanliga frågor om "Jag trodde aldrig renässanskonst betydde något för mig. Sedan förändrades livet—och jag förstod dess sanna kraft."**
#### **Enkla frågor**
**1. Vad är huvudpoängen med Rhiannon Lucy Cossletts artikel?**
Artikeln utforskar hur renässanskonst, som först verkade irrelevant, blev djupt meningsfull för författaren under en personlig kris, och avslöjar dess emotionella och psykologiska kraft.
**2. Varför brydde sig inte författaren om renässanskonst förut?**
Hon såg den som avlägsen, gammal och frånkopplad från det moderna livet—tills personliga svårigheter fick henne se dess tidlösa teman om lidande, skönhet och motståndskraft.
**3. Hur hjälpte renässanskonst författaren?**
Den gav tröst, perspektiv och en känsla av samhörighet med mänskliga upplevelser över tid, vilket hjälpte henne att hantera svåra känslor.
**4. Vad är ett exempel på renässanskonst som nämns i artikeln?**
Författaren nämner verk som Michelangelos *Pietà*, som föreställer Maria som håller den döde Kristus, en symbol för sorg och medkänsla.
**5. Behöver man vara konstexpert för att uppskatta renässanskonst?**
Nej—författaren visar att personlig koppling är viktigare än teknisk kunskap.
#### **Medelsvåra frågor**
**6. Hur relaterar renässanskonst till moderna svårigheter?**
Den behandlar universella teman—kärlek, förlust, tro, lidande—vilket gör den relevant än idag.
**7. Kan konst verkligen hjälpa till med emotionell läkning?**
Ja, som författaren upplevde, kan konst erbjuda tröst, reflektion och ett sätt att bearbeta känslor.
**8. Vad skiljer renässanskonst från andra stilar?**
Den betonar realism, mänsklig känsla och religiös/mytologisk berättande, ofta med djup symbolisk betydelse.
**9. Hur kan jag börja uppskatta renässanskonst om den känns tråkig eller föråldrad?**
Leta efter verk som resonerar med dina egna upplevelser, läs deras historier eller besök ett museum.
**10. Förändrades författarens syn på konst permanent?**
Ja—hon ser den nu som en källa till styrka och samhörighet snarare än bara historiska artefakter.
#### **Avancerade frågor**
**11. Hur kopplar artikeln renässanskonst till psykisk hälsa?**
Den antyder att engagemang i konst kan vara terapeutiskt, och erbjuda ett sätt att bearbeta smärta och hitta mening.
