I et forsøk på å oppnå realisme, visste Timothée Chalamet hva scenen krevde. «Jeg kommer virkelig opp i ansiktet på fyren og prøver virkelig å gjøre ham sint på meg,» husket hovedrolleinnehaveren nylig fra innspillingen av Josh Safdies Marty Supreme. «Jeg sa til Josh: 'Han blir ikke sint på meg, han blir ikke sint på meg.'»
Men det viste seg at den navnløse statisten hadde fulgt med. Chalamet la til: «Jeg gjorde et nytt opptak, og så sa fyren: 'Jeg satt akkurat i fengsel i 30 år. Du vil virkelig ikke kødde med meg. Du vil ikke se meg sint.' Jeg sa til Josh: 'Herregud, hvem har du satt meg opp mot, mann?'»
Svaret var at Safdie hadde castet en ikke-skuespiller – en av mange som har roller i Marty Supreme, en fiksjonalisert hyllest til bordtennisspilleren Marty Reisman fra midten av 1900-tallet. På samme måte brukte Paul Thomas Anderson mennesker uten tidligere skuespillererfaring i sin komedie-actionspenningsfilm One Battle After Another.
Safdie og Anderson følger i en lang tradisjon av regissører som bruker ikke-profesjonelle for å oppnå et autentisitetsnivå basert på levd erfaring og fysisk tilstedeværelse, snarere enn teaterteknikk. Praksisen har spent fra tidlig sovjetisk film og italiensk neorealisme til et kortvarig opptreden av Donald Trump i Home Alone 2.
One Battle After Another har mange store navn – Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Benicio Del Toro, Teyana Taylor – men også en slående cameo av James Raterman, en pensjonert spesialagent fra Secret Service og Department of Homeland Security Investigations. Raterman ble oppdaget av Anderson etter å ha deltatt i The Trade, en dokumentarserie om opiodkrisen og menneskehandel.
Til tross for manglende skuespillererfaring, kastet han seg helt inn i rollen som oberst Danvers. «Det er en jobb og man må jobbe med det,» sier Raterman per telefon fra Columbus, Ohio. «Det gode med meg og Paul er at han er så samarbeidsvillig. Han lot meg sammen med de andre skuespillerne improvisere.»
«Dette er et av de beste skuespillerådene jeg har fått, og jeg fikk det av Mr. Anderson. Han sa: 'Jim, når du leser manuset, ikke fokuser på ordene på papiret; fokuser på hva det er jeg trenger at du gjør i det øyeblikket.' Ærlig talt, jeg kunne sannsynligvis ha gått på filmskole og studert i årevis og kanskje fått det samme rådet, men når det kommer fra noen som Paul Thomas Anderson, setter det deg i en annen tankegang.»
Raterman har bare ros for hvordan de profesjonelle skuespillerne på One Battle After Another tok ham inn i flokken. «Dette er fantastiske A-liste skuespillere som ikke har noe problem med å ta deg under vingene sine og behandle deg som et familiemedlem og ønske at du skal heve deg på en slik måte at hele prosjektet heves.»
«Du følte deg aldri som en fremmed, du føler deg aldri som en utenforstående, og det startet på toppen. Det startet med Paul Thomas Anderson, og det er slik han er, så alle følger hans ledelse. Jeg vet ikke om alle har samme opplevelse, men de behandlet meg som et familiemedlem fra dag en til og med i dag. Det var en utrolig, morsom, gledelig opplevelse. Vi lo, vi ble knyttet til hverandre, inngikk noen utrolige vennskap.»
One Battle After Another har også Paul Grimstad, en musiker, forfatter og professor i humaniora ved Yale University. I årevis unngikk han å jobbe foran kamera etter en tidlig rolle i hans romkamerat Ronald Bronsteins indie-film Frownland. Men så ga Bronstein Grimstads navn til castingdirektør Cassandra Kulukundis, som umiddelbart så en naturlig sammenheng med karakteren Howard Sommerville.
Grimstad, 52, fortalte avisen New York Times at «skuespill var utrolig morsomt» og sa at årene som universitetsforeleser hjalp ham å forberede seg til rollen. Foreleserjobben var ideell forberedelse. «Det er et element av verbal prestasjon i undervisning. Jeg snakker ikke om overdrivende showmanship, men en viss måte å bringe en bok til live på.»
Grimstad opptrer også i Marty Supreme, en film som hovedsakelig utspiller seg i New York på begynnelsen av 1950-tallet. Rolleinnehaverne inkluderer ikke-skuespillere som supermarkedmagnaten John Catsimatidis, tidligere basketballspillere George Gervin og Tracy McGrady, essayist og romanforfatter Pico Iyer, skuespillforfatter David Mamet, motedesigner Isaac Mizrahi, Shark Tank-fast deltaker Kevin O'Leary og den franske lineartisten Philippe Petit.
Catsimatidis, 77, sier: «Josh Safdie sier han møtte meg eller så meg da jeg stilte til borgermestervalg i 2013, og jeg var det du kaller en New York-karakter, og han lette etter karakterer. Siden jeg er en New York-karakter, kvalifiserer jeg vel. Replikene jeg brukte er ting jeg gjør i virkeligheten, så jeg spilte ikke: det var meg.»
Han reflekterer: «Jeg likte det. De jobbet med meg til midnatt. De gjorde en scene 20 ganger. Josh Safdie var en flott regissør. Han er en perfeksjonist, og jeg setter pris på noen som vil ha perfeksjon.»
Petit, som gikk på line mellom tvillingtårnene i World Trade Center i New York i 1974, sier: «Mange regissører er interessert i det jeg vil kalle friskheten til ikke-skuespillere. Svært ofte, når du tar en ikke-skuespiller i stedet for en filmstjerne til en film, har ikke den ikke-skuespilleren treningen, og noe av det kan være negativt. Men jeg liker også veldig godt å la en fullstendig nybegynner gjøre noe viktig. Det er noen ganger en åpenbaring.»
McGrady, 46, som spilte for lag inkludert Orlando Magic og Houston Rockets, legger til via e-post: «Jeg tror vi bringer noe ekte. Det er en autentisitet som kommer fra folk som har levd et annet liv og bringer den energien naturlig. For meg er jeg bare meg selv og bringer mine egne erfaringer til rollen. Noen ganger tilfører den råheten noe spesielt (forhåpentligvis).»
Gervin, 73, en tidligere San Antonio Spurs-spiller med kallenavnet «Iceman», sier: «Jeg møtte Josh, regissøren, for noen år siden på et kortshow. Vi håndhilste og snakket, og før jeg vet ordet av det, får jeg en telefon fra studioet om at Josh vil at jeg skal spille en rolle i filmen.»
Gervin spiller Lawrence, eieren av en bordtennisklubb i Midtown Manhattan. Han sier om Safdie: «Han er veldig nøye med hvem han velger. Han sa: 'Da jeg møtte George Gervin, var George så varm at han fikk meg til å føle at han kunne drive et barnehjem.' Han vet at jeg har to charterskoler, så jeg er rundt barn hele tiden og utdanner dem. Tok han en sjanse? Sannsynligvis, men han hadde kontroll på hva som kom inn og ut, og jeg er glad han hadde den typen tillit til meg.»
Gervin fant ut at filmproduksjon innebærer lange dager. «Jeg kom til settet klokken tre om ettermiddagen og var ikke ferdig før rundt fire om morgenen. Jeg var ikke vant til den typen utholdenhet, men det tok meg bare en dag å gjøre den lille delen jeg hadde i filmen. Man har en annen respekt for noen som Timothée, som er hovedpersonen, og han var oppe i 12 timer sammen med meg. Man må være mentalt og fysisk sterk for å oppnå det han gjorde. Jeg er virkelig imponert over hva som går med til å lage filmer.»
Safdie så for seg Lawrences klubb som et trygt sted for misfits, noe som ga castingdirektør Jennifer Venditti muligheten til å studere 1950-talls fotografier og fortelle historien gjennom ansikter. Hennes arbeid på Marty Supreme har blitt kortlistet til den nye Oscar-kategorien Beste Casting.
Venditti, som begynte med street casting for 25 år siden mens hun var i motebransjen, er en langvarig samarbeidspartner med både Josh Safdie og hans filmskaperbror, Benny. Hun castet tidligere basketballspiller Kevin Garnett som seg selv i Safdie-brødrenes kriminalthriller fra 2019, Uncut Gems.
Hun sier per telefon: «En av våre signaturgrep er denne ideen om at vi ønsker å gjenskape livets kinematografi. Noen ganger... Jeg elsker skuespillere og karakterer, men noen ganger innenfor skuespillerpoolen kan vi ikke finne den spesifikke teksturen som trengs for å bygge autentisiteten i verdenen vi utforsker.» Venditti legger til: «Vi prøver alltid å skape denne alkymien mellom utrolige skuespillere som vet hvor en scene er på vei, og disse ville, utrente menneskene som kan tilføre tekstur og mystikk fordi de ikke vet hvor scenen er på vei. Det er spenningen mellom disse to tingene som skaper spenningen i Joshs filmer. Det er slik vi ser verden og hvordan vi ønsker å se den på skjermen.»
Hvordan reagerer etablerte skuespillere generelt? «Først, hvis du er en veldig trent skuespiller, kan det være alarmerende – som, vent, denne personen følger ikke reglene eller snakker over meg. Men Josh er en så fantastisk regissør som skaper et så trygt miljø at de stoler på ham, og de innser da at den typen villhet faktisk forbedrer deres prestasjon.»
Prosessen fungerer begge veier, bemerker Venditti. «Scenepartneren gjør disse virkelige menneskene gode. Timothée er i hver scene, viser opp med sin dedikasjon, fokus og mestringsnivå. De blir så gode fordi de er i en scene med noen som krever det av dem, og de reiser seg for å møte hverandre.»
Bruken av ikke-skuespillere går tilbake til tidlige sovjetiske filmer som Sergei Eisensteins Panserkrysseren Potemkin og Oktober på 1920-tallet. Italienske neorealistiske filmer som Vittorio De Sicas Sykkeltyvene brukte ofte ikke-skuespillere for å representere arbeiderklassen, og dubbet ofte dialogen deres med profesjonelle stemmeskuespillere i postproduksjon for å sikre klarhet og følelsesmessig kontroll.
Bemerkelsesverdige amerikanske og britiske eksempler inkluderer De beste år, med Harold Russell, en veteran fra andre verdenskrig som mistet begge hendene; Dødens mark med Haing S. Ngor, en kambodsjansk lege og overlevende fra folkemord uten skuespillererfaring; og United 93, der ekte flybesetning, flygeledere og militært personell spilte seg selv.
Catherine O'Rawe, forfatter av The Non-Professional Actor: Italian Neorealist Cinema and Beyond og professor i italiensk film og kultur ved University of Bristol, sier: «Den ikke-profesjonelle er en så interessant figur. Den tvinger oss til å se på spørsmålet om hva skuespill er, hva prestasjon er. Er det bare å stå opp og si en replikk? Hva bringer godt skuespill med seg? Noen av ikke-skuespillerne i italienske etterkrigsfilmer var ikke nødvendigvis det vi vil tenke på som glimrende skuespillere, men hadde et fantastisk ansikt som regissøren elsket.»
Men praksisen har også vært kontroversiell. Fire år gamle Victoire Thivisol vant prisen for beste skuespillerinne ved Venezia filmfestival i 1996 for sin rolle i Ponette, en film om et barn som har mistet moren sin. O'Rawe sier: «Hennes prestasjon var så gripende at hun vant denne prisen. Regissøren hentet den på hennes vegne og ble bøtt ut av kritikere og publikum fordi det ble sett på som en fornærmelse mot yrket: hvis en fireåring kan gjøre dette, hva er da skuespillerkunsten verdt?»
I 2018 gjorde Yalitza Aparicio sin skuespillerdebut i Alfonso Cuaróns drama Roma, og fikk en Oscar-nominasjon for beste skuespillerinne. O'Rawe kommenterer: «Hun var en total ikke-skuespiller, og det var en kilde til stor fascinasjon i pressen. Men noen ganger er folk litt ukomfortable med at noen uten trening kan bli nominert til priser fordi, for profesjonelle skuespillere, kan det føles som: 'Hvorfor har vi brukt livet vårt på å trene og studere prestasjon hvis noen bare kan gå av gata og vinne en Oscar?'»
Imidlertid finner disse tilfeldige stjernene ofte det umulig å bygge en varig karriere. De kan bli dratt inn i rampelyset ved Oscar-utdelingen, bare for å bli stående uten et sikkerhetsnett når produksjonssyklusen er over. Bransjen kan falle for et «uberørt» ansikt for et enkelt prosjekt, men den tilbyr sjelden infrastrukturen eller den pågående støtten som trengs for en vedvarende karriere. O'Rawe observerer: «Disse debattene har dukket opp på forskjellige tidspunkter, men det er alltid denne underliggende spenningen – både en følelse av bitterhet og realiteten at bransjen kan omfavne noen kortvarig, men den vil ikke opprettholde dem.
Vi har sett så mange tilfeller der skuespillere, etter ett gjennombrudd – noen ganger til og med etter å ha vunnet en pris – finner seg selv ute av stand til å få arbeid fordi de mangler formell trening, ikke har tilknytninger i filmbransjen, eller ikke har agenter eller managere som støtter dem. Det kan være utrolig vanskelig å bygge eller opprettholde en varig karriere.»
Vanlige spørsmål
Vanlige spørsmål Jeg spilte ikke, det var meg Virkelige mennesker som stjeler rampelyset
Q1 Hva betyr «Jeg spilte ikke, det var meg» egentlig?
A Det er en frase som fremhever når ikke-skuespillere leverer så autentiske, kraftfulle prestasjoner i filmer eller TV-serier at de blir store priskandidater, ofte i konkurranse med trente profesjonelle skuespillere.
Q2 Hvorfor skjer dette så mye denne pris-sesongen?
A Noen få nøkkelgrunner: 1 Strømmetjenester og studioer investerer
