1. V&A East Storehouse av Diller Scofidio + Renfro, London
På V&A East Storehouse är själva samlingen huvudattraktionen. Detta nationella museum öppnar en värld av skatter – från porslin och giftpilar till textilier och tiaror – och bjuder in besökare att komma nära. Smart inhyst i den enorma hangaren som en gång var sändningscentrum för OS 2012 känns det som ett Amazonlager fyllt med globala underverk. Här ger sig gästerna ut på en resa av ”kuraterad överträdelse” genom ett immersivt konstkabinett.
2. Ismaili Centre av Farshid Moussavi, Houston, USA
Detta nya sociala och kulturella centrum för Houstons ismailitiska gemenskap – öppet för alla – tolkar om islamisk arkitektur för vår tid. Det skapar ett lugn, erfarenhetsdrivet utrymme som påminner om minimalistisk konst. Vackert hantverk och inbjudande beskriver arkitekten Farshid Moussavi det som ”en förnyelse snarare än en reproduktion”. Designen utforskar genomtänkt geometri och rum, placerad i ett frodigt trädgårdslandskap.
3. Hans Hollein Transforms, Centre Pompidou, Paris
När Centre Pompidou stänger för en femårig renovering hyllade dess sista arkitekturutställning den österrikiske arkitekten Hans Hollein. En postmodern provokatör verkade Hollein inom avantgardet i femtio år och designade allt från smyckenbutiker till pneumatiska strukturer. Han är berömd för att ha föreställt sig arkitektur reducerad till piller som kunde skapa rumsliga och sinnliga upplevelser – helt utan att behöva bygga.
4. Space House: Squire & Partners, London
Richard ”Överste” Seifert, en gång betraktad som en arkitektonisk skurk, var känd för monumentala kontorsbyggnader som Londons Centre Point och Tower 42. Nu väcker hans obekymrat modernistiska verk ny uppskattning. Ombyggnaden av Space House på Kingsway ger nytt liv åt ett av hans distinkta ”majskolvstorn”, med 90% av originalstrukturen bevarad och restaurerad.
5. The Craft of Carpentry, Japan House, London
Verktygen och teknikerna inom japanskt snickeri förvandlade källargalleriet på Londons Japan House till ett träunderland av mejslar, sågar, fogar och intrikata konsoler. Utställningen hyllade mästersnickare med nästan religiös vördnad och visade upp skickligheten bakom sekler av träarkitektur. Fogningstekniker bar poetiska namn som ”myrornas huvud”, ”snäckmun” och ”fogad gåshals”.
6. Gradel Quadrangles, New College, Oxford, av David Kohn
David Kohns vilt eklektiska bostäder för New College i Oxford blandar influenser från Tolkien, Gaudí och till och med Teletubbies. Med rabarber- och vaniljsåsfärgad sten, ett slingrande tak av polygonala fjäll och ett knubbigt torn utsirat med pangoliner, mullvadar och mal, är det en design man antingen älskar eller hatar – men studenterna verkar älska den. Mer än bara dekoration belyser utsirningarna dessa hotade arter samtidigt som de ger stil åt Oxfords siluett.
7. Design and Disability på V&A, London
Denna livfulla utställning på V&A (till 15 februari) visar att design ledd av funktionsnedsättning går långt bortom ramper. Den presenterar uppfinningsrika, njutningsfokuserade skapelser som självdragande skor och en handsfri vibrator, och hyllar uppfinningsrikedom och glädje. Att designa för funktionsnedsatta människor hanteras ofta som en universallösning, en kryssrutsuppgift. Denna genomtänkta utställning belyser dock områdets mångfald och bredd, med ett välkommet och försenat fokus på design skapad av funktionsnedsatta själva – som har mycket att lära oss alla.
8. Kharkiv Architectural Guide av Ievgeniia Gubkina
Charkiv har utvecklats från en kosackisk militärfästning till en legendarisk modernistisk stad. Nu ligger den i Ryska federationens skottlinje i det pågående kriget mot Ukraina, med 8 000 byggnader skadade eller förstörda under de senaste tre åren. Färdigställd bara två månader före invasionen kombinerar denna ”anti-guidebok” personlig reflektion med analytisk stringens. Den håller Charkivs arkitektoniska skatter – inklusive konstruktivistiska mästerverket Derzhprom-byggnaden – levande i människors medvetanden som en vision för stadens framtid efter kriget.
9. Khudi Bari Prototype Housing, Bangladesh, av Marina Tabassum
Som svar på klimatdriven fördrivning i Bangladesh samarbetade Marina Tabassum med drabbade samhällen för att skapa ett praktiskt, prisvärt modulärt bostadssystem. Designen har en robust, motståndskraftig bambustomme med stålanslutningar, byggd för att tåla vind- och vattenpåverkan. Wellpappstak förenklar transport och underhåll, medan fasader kan tillverkas av lokalt tillgängliga material. Hela modulen kan snabbt monteras eller demonteras av bara tre personer med grundläggande verktyg.
10. Intelligens: 19:e arkitekturbiennalen
Denna utgåva av Venedigs arkitekturbiennal, kuraterad av den italienske arkitekten och teknikentusiasten Carlo Ratti, var en blandad upplevelse – som dessa evenemang ofta är. Mitt i en kaotisk mängd idéer och installationer – från 3D-utskrift med bakterier till framtiden för rymddräkter – var framstående bidrag svåra att identifiera. Ändå gjorde Estlands kritik av kitschig klädsel, Polens utforskande av vidskepelse i arkitektur och Bahrains argument att klimatkomfort är en form av social rättvisa alla intryck. – Catherine Slessor
Årets bästa design, utvald av designers
Kusheda Mensah x Hem: Palma Pouf
Utvald av Shawn Adams, medgrundare av POoR Collective
Under Köpenhamns 3daysofdesign-festival lanserade Hem en mycket efterlängtad puff av designern Kusheda Mensah – en betydande milstolpe för det svenska möbelmärket. Detta är Hems första samarbete med en svart designer, vilket belyser både Mensahs växande inflytande och märkets engagemang för större representation inom samtida design. Puffen hade redan skapat buzz för sin genomtänkta form och kulturella relevans, vilket gjorde dess debut till ett av festivalens mest omtalade ögonblick.
Wuka Wearable Hot-Water Bottle
Utvald av Anoushka Rodda, medgrundare av Templo Branding Agency
Jag vill lyfta fram den nya Wuka-bärbara värmeflaskan eftersom den speglar hur mycket saker förändras inom kvinnors hälsa. Idag finns det fler praktiska produkter som verkligen gör våra liv lättare. Jag minns att jag bar tjocka, kliande bindor och hade fruktansvärda smärtor när jag fick min mens första gången. Det är långt ifrån de genomtänkta, syftesdrivna produkter som finns tillgängliga nu.
Frances Priests keramiksamling: Motif | Line | Colour
Utvald av Adam Nathaniel Furman, designer och författare
Frances Priests nya samling kärl, som visas på hennes soloutställning på Blackwell House i Cumbria, består av eteriska kolonner som är hopknipna i topp och botten. De är dekorerade med täta, genomskinliga motiv som glider över keramikytorna som spöklika kvarlevor av höstlöv. Verken verkar vara i rörelse, men är så sköra att de nästan bleknar till genomskinlighet. Jag har länge beundrat Priests verk, och jag lovar att alla som möter dem kommer att fängslas. Alla som ser hennes kärl i verkligheten kommer att bli djupt förälskade.
Noah Davis-utställning på Barbican, London
Utvald av Lewis Dalton Gilbert, kurator och kreativ chef för A Vibe Called Tech
Jag hade turen att se Noah Davis målningar på galleriet han skapade, The Underground Museum i LA. Vad jag inte var beredd på var den genomtänkta designen av denna utställning (av studiorna Freehaus och A Practice for Everyday Life). Den förde Davis verk till liv och skildrade hans idéer, äventyr och konst på ett känsligt sätt. Jag kommer alltid att sjunga hans lov från taken, men mindre sägs om kraften i stor utställningsdesign.
Showtown-museet, Blackpool
Utvald av Amber Butchart, kurator och modehistoriker
Jag är ett stort fan av kusten, och Blackpool är en av mina favoritplatser. I år besökte jag Showtown – museet som hyllar underhållningsarvet i denna glitterglamour-älskande stad. Det är ett fantastiskt besök för alla som är intresserade av Blackpools rika historia av magi, cirkus, illumineringar och dans, och är särskilt bra för familjer. Museets design låter besökare få en glimt bakom kulisserna av allt från Punch and Judy-puppföreställningar till stadens berömda dragcabaret, Funny Girls. Jag är förälskad i deras samling clownkostymer, som inkluderar exempel av den renommerade franske kostymören Gérard Vicaire.
Alice Gommes textilarkiv på Twos, London
Utvald av Tamsin Clark, chef för Tenderbooks, bokhandel och evenemangsutrymme
Under tre dagar i april visade det lilla butiksutrymmet Twos på Hackney Road ett urval av extraordinära kläder från Alice Gommes textilarkiv till försäljning. Hennes samling av sällsynta plagg och reparerade textilier hittades på europeiska lumpgårdar, och att se dessa räddade kläder på nära håll var anmärkningsvärt. Jag fann mig själv lägga märke till små detaljer i nötheten på en krage eller förblekningen i ett mönster. Detta var en möjlighet att titta på det förbisedda. Som Gomme förklarade i ett medföljande publikation: ”Att titta på dessa bitar hjälper oss att koppla till det förflutna. Varje bit, varje reparation bär på ett minne.”
Oríkì: Material Affirmations in Three Acts monografi av Nifemi Marcus-Bello
Utvald av Andu Masebo, produktdesigner
Döpt Oríkì efter den yorubanska seden av lovpoesi, sammanföll den första monografin om den nigerianskfödde konstnären Nifemi Marcus-Bello med hans soloutställning på Tiwani Contemporary, Nigeria. Den mainstream designvärldens kanon har länge centrerats kring ”västvärlden” – dess rörelser, dess narrativ och dess inflytande på vår kollektiva fantasi. I Nifemis arbete finner jag en djup betydelse i hans fokus på sitt födelseland. För mig signalerar hans arbete en förändring i kulturen: ett ögonblick när världens ögon vänder sig mot nya kreativitetscentra, som utvidgar själva idén om var designledarskap kan uppstå, och förändrar hur designhistoria kommer att skrivas i framtiden.
Le Corbusiers chefsbord i The Electric Kiln-utställningen, London
Utvald av Emma Glynn, kreativ chef, Wedgwood
Denna inbodd utställning fanns i en byggnad som en gång var den brittiske keramikern Emmanuel Coopers studio och hem, nu restaurerad, ägd och bebodd av kuratorn Rajan Bijlani. Varje verk hade sin egen tysta briljans, från Lucie Rie till Frank Auerbach, men Le Corbusiers chefsbord stannade kvar hos mig länge efteråt. Konstruktionen är så perfekt avvägd att den förankrar hela rummet; dess lugna auktoritet, precision och renhet i syfte är en sann bedrift inom design. De anmärkningsvärda verken i denna utställning var så syftesfullt kuraterade att de kändes som en del av livsrummet. Hela upplevelsen var ett privilegium – ett intimt och inspirerande möte. Ibraaz, en ny kulturinstitution i London, har öppnat denna höst till stor berömmelse. Grundad av Kamel Lazaar Foundation – en ideell organisation med rötter i Tunisien och över hela Mellanöstern och Nordafrika – erbjuder den ett mycket behövligt utrymme i staden för konst och idéer från den globala majoriteten. Inhyst i en byggnad med Grade II-listed-status i Fitzrovia, omdesignad av arkitekten Sumayya Vally, drar platsen inspiration från diasporiska utrymmen i London. Ursprungligen byggd i början av 1900-talet har byggnaden varit en synagoga, en bostad, en klubb och nu ett kulturcentrum. Den erbjuder en plats för konstnärer och tänkare att mötas, utbyta idéer och bygga kontakter. Ibraaz lanserades med verk av konstnären Ibrahim Mahama, baserat på hans forskning om Ghanas postkoloniala historia, och dess kommande program inkluderar föreläsningar, visningar, musik och residens.
Under årets Milan Design Week fängslade Loewe publiken med en utställning av 25 tekannor beställda från ledande konstnärer världen över. En, av den japanske keramikern Takayuki Sakiyama, såg ut som om den var hälld från mjukglass. En annan, av den spanska designern Patricia Urquiola, liknade en klumpig ekorre, avsedd att hållas i svansen. En tredje, från Pritzker Architecture Prize-vinnaren Wang Shu, var en mintgrön kuboid med ett avskuret hörn som fungerade som pip. Dessa lekfulla och förbryllande kärl var genomgående briljanta och visade upp före detta kreativa direktören Jonathan Andersons talang för att sammanföra samtida hantverk. Mitt bland ambitiösa, storskaliga installationer på designveckor världen över framhävde utställningen det bestående värdet av små, exceptionellt hantverksmässiga föremål.
En anmärkningsvärd offentlig staty av den brittiska konstnären och stenhuggaren Marcia Bennett-Male hyllar Mary Woolaston. Enligt legenden var Mary en svart kvinna som skötte en brunn på 1600-talets King’s Cross, känd för sina järnhaltiga vatten, som hon delade som en form av helande. Hennes historia har ofta förbisetts på grund av bristen på svarta arbetarklasshistorier. Nu står hennes staty i Calthorpe Community Garden i Camden, den tidigare platsen för brunnen. Designad för att inspirera till gemensamt helande och påminna oss om vår delade mänsklighet är verket en del av Black Mary Project, ett initiativ ägnat att hedra Mary och hennes arv.
Arkitekten och skulptören Carlos H Matos skapade Seat for Surrender för grupputställningen A Stubborn Man and a Hermit Walk Into a Bar, som hölls i den mexikanske arkitekten och muralmålaren Juan O’G
