Oubliez ces drames d'époque faiblement éclairés où des femmes misérables sans électricité sanglotent en silence dans des corsets serrés et effleurent accidentellement des mains à la lueur des bougies. Quand il s'agit de cinéma lesbien, je préfère de loin les casseurs extravagants et les anti-héros butch et ténébreux. Après tout, quoi de plus intensément gay que de se lancer dans une vie criminelle avec quelqu'un que l'on vient de rencontrer ? Ma préférée de toutes est l'ancienne taularde fanfaronne devenue plombière, Corky, qui aide à sauver Violet de son mari mafieux dans le classique culte de 1996, Bound. On rencontre Corky pour la première fois attachée dans un placard littéral, mais la métaphore ne se déroule pas comme on pourrait s'y attendre. Elle est sans remords et visible à une époque où peu de films exploraient la queerness. Elle arbore un tatouage de labrys, passe son temps libre à boire de la bière dans des bars louches, et finit par s'enfuir vers le coucher du soleil avec sa nouvelle complice dans un vieux pick-up Chevy. Le charme simple de Corky en tant que cœur à prendre queer était en quelque sorte en avance sur son temps, et son influence magnétique apparaît partout, de Bottoms à Love Lies Bleeding. — El Hunt
Eric Hunter, Edge of Seventeen
Le protagoniste de cette comédie romantique sous-estimée peut être assez maladroit : un adolescent de l'Ohio en banlieue essayant désespérément d'adopter le look de Boy George dans le bar gay local (ça ne marche pas) et conduisant des kilomètres pour surprendre une aventure d'un soir afin de voir si elle est toujours intéressée. Il ne s'agit pas de honte ou d'auto-dérision — c'est plein du charme classique du Nouveau Cinéma Queer des années 90 qui ne prenait pas la peine de s'expliquer. Mais c'est le désordre d'Eric qui le rend si réel. Le génie du scénario autobiographique de Todd Stephens, situé dans les années 80, réside dans la façon dont il associe les doubles renaissances des personnes queer : le coming-out et le passage à l'âge adulte. Eric ne se contente pas de comprendre la vie au-delà de sa famille ; il crée activement son apparence et son comportement au sein de sa nouvelle famille choisie. De manière sincère et modeste, et grâce à la performance tendre de Chris Stafford, le film capture l'ivresse de la découverte de soi, passant de l'obsession pour un groupe pop de niche à la construction d'une vie qui correspond à ce fantasme. — Juan A Ramirez
Frank Dillard, Mrs Doubtfire
Quand je pense à Mrs Doubtfire, je ne me souviens pas seulement de l'accent écossais approximatif et hilarant de Robin Williams, mais aussi de la voix rauque d'Harvey Fierstein. Dans le film de 1993, Fierstein joue Frank Dillard, le frère gay flamboyant de Daniel Hillard (Williams), un père divorcé légèrement maniaque qui monte un numéro de drague élaboré en tant que femme âgée pour passer plus de temps avec ses enfants. Frank est un maquilleur qui aide son frère à se transformer à l'aide de perruques, prothèses, maquillage et une garde-robe de collants et de cardigans. Je me souviens avoir trouvé révolutionnaire qu'un film comme celui-ci existe en 1993 — une époque de panique morale autour du VIH/SIDA — et mette en scène un personnage gay qui n'était ni triste ni tragique. (Frank était dans une relation heureuse avec un homme que ses nièces et neveux appelaient adorablement "Tante Jack.") C'était aussi radicalement silencieux que le frère gay soit "l'expert" dans cette situation, chargé d'aider son frère à s'adapter à la féminité. Mrs Doubtfire est un film sur les relations familiales tendues, mais fabriquer des prothèses sur mesure pour aider ton frère à se transformer en une vieille femme britannique ? C'est ça, le véritable amour. — Louis Staples
Divine, Pink Flamingos
Peu de personnages à l'écran sont aussi susceptibles de s'imprimer hardiment sur vos globes oculaires que la Divine au front haut (mais sans vergogne vulgaire), aux cheveux en ruche et à la robe sirène. Connue aujourd'hui comme la pièce maîtresse flamboyante de la "Trilogie des ordures" de John Waters, Divine est le personnage drag de Harris Glenn Milstead, qui a fait irruption dans la scène contre-culturelle de Baltimore à la fin des années 1960. Ici, elle détient le titre de "personne la plus sale vivante", à la fois au figuré et au littéral : une meurtrière et voleuse menant une joyeuse bande de marginaux, de déviants et de voyous lors d'une véritable tournée de vulgarité, avec des arrêts macabres incluant des piles d'œufs, des bébés volés et des excréments. Les ennuis arrivent quand deux imbéciles méchants, les Marbles (David Lochary et Mink Stole), complotent pour détrôner Divine de son trône immonde et revendiquer le titre pour eux-mêmes. Mais ils ne peuvent égaler sa pure outrance, et aucun personnage depuis n'a pu le faire non plus — Pink Flamingos porte toujours la couronne de la notoriété cinématographique.
Miriam Balanescu
Barbara Covett, Notes on a Scandal
Bien qu'il soit toujours réconfortant de voir des personnages queer qui pourraient nous représenter dans nos moments les plus tendres et vulnérables, il y a aussi quelque chose d'excitant à les voir nous parler dans nos pires moments. Déguisé en film de prestige pour les Oscars de Searchlight, Notes on a Scandal de 2006 était en fait une petite surprise dépravée — un thriller sombrement drôle et totalement cinglant sur un personnage qui pourrait, entre de mauvaises mains, être un cliché grotesque : la lesbienne plus âgée, amère et sexuellement frustrée. Mais avec les mots nettement méchants mais spécifiques de Patrick Marber et une Judi Dench au meilleur de sa forme, plus libre que jamais, dans le rôle principal (l'actrice l'a un jour qualifié de l'un de ses rôles préférés), l'enseignante refoulée et méprisée Barbara Covett était à la fois entièrement, offensivement non censurée et, parfois, désarmante et pathétiquement relatable. Ses actions et ses journaux intimes peuvent être moralement indéfendables (même si tomber amoureuse et en rut de Cate Blanchett est compréhensible pour nous tous), mais la tragédie de ne jamais accepter qui et ce que vous êtes en tant que personne queer — et comment cela peut aigrir chaque désir et impulsion — reste puissamment cuisante jusqu'à la fin amère et rafraîchissante cynique du film. Barbara est peut-être la pire d'entre nous, mais cela ne la rend pas moins réelle.
Benjamin Lee
Helen Cooper, Kissing Jessica Stein
Kissing Jessica Stein est l'un de mes films queer préférés — et pas à cause du personnage titre Jessica (elle est mignonne, mais trop fade à mon goût). Au lieu de cela, c'est son intérêt amoureux vif et pétillant, Helen, qui vivra à jamais dans mon Panthéon personnel des femmes fictives. Quand on rencontre Helen, elle ne porte pas seulement un blazer à rayures en similicuir, mais on la voit revenir d'une partie de jambes en l'air avec l'un de ses multiples petits amis pour croiser le regard d'une invitée lesbienne butch et potiner avec ses amis gays. Bref, elle vit la vie dont je rêve. Helen est directe, sexuellement épanouie, et s'étoufferait probablement avec son martini si quelqu'un l'appelait "matériau d'épouse". Elle est là, elle est queer, et elle n'a jamais rentré dans les limites de la monogamie hétérosexuelle. Elle rappelle que, contrairement aux vieux stéréotypes selon lesquels les femmes bisexuelles essaient juste de plaire aux hommes, la bisexualité est la perturbation ultime du statu quo.
Megan Wallace
Albert Goldman, The Birdcage
Il y a un moment dans The Birdcage où Armand (Robin Williams) essaie d'apprendre à son partenaire, Albert (Nathan Lane), à étaler de la moutarde sur du pain grillé "comme un homme" — en l'étalant les dents serrées au lieu de gestes délicats. Albert échoue de manière hilarante, transperçant le pain et tombant dans l'hystérie. Le couple, désespéré de convaincre les futurs beaux-parents ultra-conservateurs de leur fils qu'Albert est juste un oncle, réalise rapidement que ce plan est peut-être voué à l'échec.C'est une scène parfaite qui capture l'absurdité de la masculinité performative et le génie d'Albert. Une drag queen vieillissante au goût impeccable, Albert n'est jamais la cible de la blague. Au lieu de cela, Lane le joue avec une confiance si inébranlable qu'il est la source de presque tous les rires dans la comédie d'erreurs au rythme effréné de Mike Nichols. Albert commande chaque pièce, même lorsqu'il est habillé d'une perruque et de perles, essayant de se faire passer pour la mère de son fils. C'était le premier film que j'ai vu montrant deux hommes vivant heureux ensemble. Bien qu'ils doivent cacher leur relation pendant la majeure partie du film, chaque revisionnage prouve que leur lien est la chose la plus authentique du film — et la plupart du chaos n'est que du drame de personnes hétéros qu'ils sont obligés de nettoyer.
Shrai Popat
Megan Bloomfield, But I’m a Cheerleader
Voir l'image en plein écran : Natasha Lyonne dans But I’m a Cheerleader. Photographie : Everett Collection Inc/Alamy
La satire délicieusement campy de Jamie Babbit sur la thérapie de conversion est ancrée par la performance parfaite de Natasha Lyonne dans le rôle de Megan Bloomfield, qui désespère d'être normale malgré son évidente queerness. Megan essaie dur d'être une pom-pom girl au lycée et d'embrasser son beau petit ami, mais ça ne colle tout simplement pas. Un jour, sa famille organise une intervention et l'envoie dans le camp de conversion le plus hilaramment inefficace imaginable. Ce qui fait briller Bloomfield, c'est son innocence — littéralement tout le monde réalise qu'elle est lesbienne avant elle — et cela alimente l'absurdité totale qui rend But I’m a Cheerleader si inoubliable. Il y en a plein : RuPaul en tant que responsable du camp portant un T-shirt "Straight is Great" mais étant clairement gay lui-même, une dévotion obsessionnelle aux rôles de genre dans l'espoir qu'assez de rose rendra une fille hétéro, et Megan elle-même trouvant l'amour lesbien pendant qu'elle est au camp de conversion. Un merveilleux bonus à la performance de Lyonne est que 25 ans plus tard, elle est redevenue iconique, cette fois pour son rôle discrètement queer de Charlie Cale dans la série en cours Poker Face, nous donnant un aperçu de ce qu'une Megan plus âgée aurait pu devenir.
Veronica Esposito
Sérgio, O Fantasma
Voir l'image en plein écran : Ricardo Meneses dans O Fantasma. Photographie : Everett Collection Inc/Alamy
Sérgio est un éboueur avec le corps de Saint Sébastien et la libido d'un chien en chaleur. Il est tout instinct et en est fier, rôdant dans les faubourgs de Lisbonne la nuit, fouillant les poubelles d'un motard sexy, ayant des relations sexuelles (non simulées) avec des étrangers en combinaison en latex, et s'étranglant avec un cordon de douche en se masturbant. Est-il excité par le souvenir de la conquête de la nuit dernière ou par la sensation d'être en laisse ? Les rues faiblement éclairées de la ville ne semblent peut-être pas le cadre le plus beau, mais entre les mains du réalisateur João Pedro Rodrigues, une ruelle éclairée par les feux de freinage d'un camion poubelle peut ressembler à un tableau. J'aime O Fantasma pour son portrait complètement sans fard de l'ennui et du détachement social chez un véritable marginal qui refuse de s'intégrer. Le Mois des Fiertés est un bon moment pour que les personnes queer se souviennent que nous n'avons pas à le faire.
Owen Myers
Le Babadook, The Babadook
Voir l'image en plein écran : Le Babadook. Photographie : Atlaspix/Alamy
Cette année marque un grand 10e anniversaire pour la communauté LGBTQ+. En 2016, selon le folklore queer, Netflix a accidentellement mis l'horreur indépendante australienne The Babadook — un film sur une mère et son fils dont le chagrin après la mort du père du garçon se transforme en un monstre en haut-de-forme — dans sa section LGBTQ+. Une capture d'écran de cette prétendue erreur est devenue virale, et, comme ça, le personnage élégant mais terrifiant — quelque part entre Papa Lazarou de League of Gentlemen et un dessin d'Edward Gorey — est devenu un spectacle régulier dans les défilés de la Fierté dans le monde entier. Bien qu'il ne soit pas clair si Netflix était réellement en faute, ou si la capture d'écran était un faux basé sur un mème existant "le Babadook est gay", le fait demeure que les personnes queer ont adopté ce petit bonhomme bizarre.Comme tous les autres petits bonhommes bizarres avant lui, ils l'ont fait avec enthousiasme. Et que la réalisatrice Jennifer Kent l'ait voulu ou non, le Babadook est définitivement non-binaire, et définitivement dans un polycule avec Pennywise, le comte Orlok et cette créature du Labyrinthe de Pan avec des yeux sur les mains. — Eleanor Margolis
Questions Fréquemment Posées
Voici une liste de FAQ basée sur le thème des écrivains partageant leurs personnages de films LGBTQ préférés, couvrant les définitions, les idées et les conseils pratiques
Questions de Niveau Débutant
1 Que signifie "pure outrance" dans ce contexte
Cela signifie des personnages qui sont sans vergogne audacieux, flamboyants ou excentriques. Ils enfreignent les règles sociales non pas pour le choc, mais pour exprimer leur vrai moi avec confiance et joie
2 Pourquoi les écrivains se concentrent-ils sur les personnages de films LGBTQ
Parce que ces personnages font souvent face à des luttes et des triomphes uniques. Les écrivains les trouvent riches pour l'analyse — ils montrent comment l'identité, l'amour et la résilience se déroulent à l'écran, surtout lorsque les personnages défient les stéréotypes
3 Pouvez-vous donner un exemple d'un personnage LGBTQ "d'une pure outrance"
Un exemple classique est le Dr Frank-N-Furter de The Rocky Horror Picture Show. C'est un scientifique travesti qui est flamboyant, séduisant et complètement sans honte — un mélange parfait de camp et de rébellion
4 S'agit-il seulement de personnages drôles ou bruyants
Non. "Outrance" peut aussi signifier des personnages qui sont défiant eux-mêmes de manière discrète. Par exemple, Carol du film Carol est outrancière pour son époque — une femme riche des années 1950 qui risque tout pour une relation homosexuelle
Questions de Niveau Intermédiaire
5 Pourquoi les écrivains disent-ils que ces personnages sont importants pour la représentation LGBTQ
Parce qu'ils montrent qu'être queer ne se résume pas à souffrir. Ces personnages célèbrent la joie, le camp et la défiance. Ils rappellent au public que les personnes LGBTQ peuvent être puissantes, drôles et sans vergogne bizarres — pas seulement des figures tragiques
6 Quels problèmes courants les écrivains soulèvent-ils à propos de ces personnages
Parfois, les personnages outranciers peuvent devenir des caricatures unidimensionnelles. Les écrivains critiquent souvent quand la flamboyance d'un personnage est utilisée pour rire sans leur donner de profondeur ou une véritable histoire
7 Comment ces personnages aident-ils le public hétéro
Ils brisent les stéréotypes en montrant que les personnes LGBTQ sont complexes. Un personnage comme Priscilla, Reine du Désert enseigne que le drag et l'expression de genre peuvent être à la fois un art et une survie
8 Quel est un exemple moderne d'un personnage "d'une pure outrance"
