Vergessen Sie die düster beleuchteten Historienfilme, in denen elende Frauen ohne Strom leise in engen Korsetts schluchzen und sich versehentlich bei Kerzenlicht die Hände berühren. Wenn es um lesbisches Kino geht, bin ich viel mehr für übertriebene Heist-Caper und grüblerische, butchige Antihelden zu haben. Schließlich, was könnte intensiver schwul sein, als mit jemandem, den man gerade erst kennengelernt hat, in ein Leben voller Verbrechen einzutauchen? Mein absoluter Favorit ist die selbstbewusste Ex-Sträfling und Klempnerin Corky, die Violet in dem Kultklassiker **Bound** von 1996 hilft, vor ihrem Mafiaboss-Ehemann zu fliehen. Wir treffen Corky zum ersten Mal gefesselt in einem wortwörtlichen Schrank, aber die Metapher spielt sich nicht so ab, wie man erwarten würde. Sie ist unentschuldigt und sichtbar zu einer Zeit, als nur wenige Filme Queerness überhaupt erforschten. Sie zeigt ein Labrys-Tattoo, verbringt ihre Freizeit damit, Bier in schmuddeligen Spelunken zu trinken, und fährt schließlich mit ihrem neuen Partner-in-Crime in einem heruntergekommenen Chevy Pickup in den Sonnenuntergang. Der einfache Charme von Corky als queere Herzensbrecherin war irgendwie ihrer Zeit weit voraus, und ihr magnetischer Einfluss zeigt sich überall, von **Bottoms** bis **Love Lies Bleeding**. — El Hunt
Eric Hunter, **Edge of Seventeen**
Der Hauptdarsteller dieser unterschätzten romantischen Komödie kann ziemlich unbeholfen sein: ein Teenager aus der Vorstadt von Ohio, der seine besten Boy-George-Looks in der örtlichen Schwulenbar ausprobiert (sie funktionieren nicht) und Meilen weit fährt, um einen einmaligen One-Night-Stand zu überraschen, um zu sehen, ob er noch interessiert ist. Es geht nicht um Scham oder Selbstverspottung – es ist voller des klassischen Charmes des Neuen Queeren Kinos der 90er, das sich nicht die Mühe machte, sich zu erklären. Aber Erics Chaos ist es, was es so echt wirken lässt. Die Genialität von Todd Stephens' autobiografischem, in den 80ern spielenden Drehbuch liegt darin, wie es die doppelte Wiedergeburt queerer Menschen paart: das Coming-out und das Erwachsenwerden. Eric findet nicht nur sein Leben jenseits seiner Familie heraus; er erschafft aktiv, wie er aussehen und sich verhalten wird, innerhalb seiner neuen, selbstgewählten Familie. Auf seine aufrichtige, bescheidene Art und durch Chris Staffords zärtliche Darstellung fängt der Film den Nervenkitzel der Selbstentdeckung ein, von der Besessenheit von einem Nischen-Pop-Act bis zum Aufbau eines Lebens, das dieser Fantasie entspricht. — Juan A Ramirez
Frank Dillard, **Mrs Doubtfire**
Wenn ich an **Mrs Doubtfire** denke, erinnere ich mich nicht nur an Robin Williams' urkomischen, inkonsistenten, schottisch angehauchten Akzent, sondern an die kratzige Stimme von Harvey Fierstein. In dem Film von 1993 spielt Fierstein Frank Dillard, den flamboyanten schwulen Bruder von Daniel Hillard (Williams), einem leicht manischen geschiedenen Vater, der eine aufwändige Drag-Show als ältere Frau inszeniert, um mehr Zeit mit seinen Kindern verbringen zu können. Frank ist ein Maskenbildner, der seinem Bruder mit Perücken, Prothesen, Make-up und einer Garderobe aus Strumpfhosen und Strickjacken bei der Verwandlung hilft. Ich erinnere mich, dass ich es bahnbrechend fand, dass ein solcher Film 1993 existierte – einer Zeit der moralischen Panik um HIV/AIDS – und einen schwulen Charakter zeigte, der nicht traurig oder tragisch war. (Frank war in einer glücklichen Beziehung mit einem Mann, den seine Nichten und Neffen liebevoll "Tante Jack" nannten.) Es war auch leise radikal, dass der schwule Bruder in dieser Situation der "Experte" war, der damit beauftragt war, seinem Bruder zu helfen, in die Weiblichkeit zu passen. **Mrs Doubtfire** ist ein Film über angespannte Familienbeziehungen, aber maßgeschneiderte Prothesen herzustellen, um deinem Bruder zu helfen, sich in eine ältere britische Frau zu verwandeln? Das ist wahre Liebe. — Louis Staples
Divine, **Pink Flamingos**
Wenige Leinwandfiguren sind so wahrscheinlich, sich kühn auf deine Augäpfel zu stempeln wie die hochgestirnte (aber unverfroren niederklassige), bienenkorbfrisierte, meerjungfrauenartig ausgestellte Divine. Heute bekannt als das flamboyante Herzstück von John Waters' "Trash-Trilogie", ist Divine das Drag-Persona von Harris Glenn Milstead, der Ende der 1960er Jahre in Baltimores Gegenkulturszene einbrach. Hier trägt sie den Titel der "schmutzigsten Person, die lebt", sowohl im übertragenen als auch im wörtlichen Sinne: eine Mörderin und Diebin, die eine fröhliche Bande von Außenseitern, Abweichlern und Schurken auf eine wahre Tour der Vulgarität führt, mit grausigen Zwischenstopps, die Berge von Eiern, gestohlene Babys und Fäkalien beinhalten. Ärger kommt auf, als zwei böse Narren, die Marbles (David Lochary und Mink Stole), planen, Divine von ihrem üblen Thron zu stoßen und den Titel für sich zu beanspruchen. Aber sie können es nicht mit ihrer schieren Ungeheuerlichkeit aufnehmen, und seitdem hat es auch kein Charakter mehr geschafft – **Pink Flamingos** trägt immer noch die Krone der filmischen Berüchtigtheit.
**Miriam Balanescu**
**Barbara Covett, Notes on a Scandal**
Während es immer herzerwärmend ist, queere Charaktere zu sehen, die uns in unserer zartesten und verletzlichsten Form repräsentieren könnten, hat es auch etwas Aufregendes, sie zu beobachten, wie sie zu uns in unserer boshaftesten Form sprechen. Getarnt als prestigeträchtiger Oscar-Köderfilm von Searchlight, war **Notes on a Scandal** von 2006 tatsächlich eine verdorbene kleine Überraschung – ein düster-komischer und völlig vernichtender Thriller über eine Figur, die in den falschen Händen ein groteskes Klischee hätte sein können: die verbitterte, sexuell frustrierte ältere Lesbe. Aber mit den scharf boshaften und dennoch spezifischen Worten von Patrick Marber und einer nie besser aufgelegten, freieren Judi Dench in der Hauptrolle (die Schauspielerin nannte es einmal eine ihrer Lieblingsrollen), war die unterdrückte und verachtete Schullehrerin Barbara Covett sowohl völlig, anstößig unzensiert als auch, zeitweise, entwaffnend und erbärmlich nachvollziehbar. Ihre Handlungen und Tagebücher mögen moralisch unhaltbar sein (auch wenn es für uns alle verständlich ist, sich in Cate Blanchett zu verlieben und sie zu begehren), aber die Tragödie, sich nie damit abgefunden zu haben, wer und was man als queerer Mensch ist – und wie das jedes Verlangen und jeden Impuls vergiften kann – bleibt bis zum bitteren, erfrischend zynischen Ende des Films kraftvoll bissig. Barbara mag die Schlimmste von uns sein, aber das macht sie nicht weniger real.
**Benjamin Lee**
**Helen Cooper, Kissing Jessica Stein**
**Kissing Jessica Stein** ist einer meiner Lieblings-Queer-Filme – und nicht wegen der Titelfigur Jessica (sie ist süß, aber zu schlicht für meinen Geschmack). Stattdessen ist es ihre scharfe, pfiffige Liebespartnerin Helen, die für immer in meiner persönlichen Ruhmeshalle fiktionaler Frauen leben wird. Als wir Helen kennenlernen, trägt sie nicht nur einen Kunstleder-Nadelstreifenblazer, sondern wir sehen sie auch von einem Schäferstündchen mit einem ihrer mehreren Freunde zurückkehren, um sich mit einer butchigen lesbischen Gast zu verständigen und mit ihren schwulen Freunden zu tratschen. Kurz gesagt, sie lebt mein Traumleben. Helen ist direkt, sexuell selbstbestimmt und würde wahrscheinlich an ihrem Martini ersticken, wenn jemand sie "Ehefrau-Material" nennen würde. Sie ist hier, sie ist queer, und sie hat nie in die Grenzen der heterosexuellen Monogamie gepasst. Sie ist eine Erinnerung daran, dass Bisexualität, entgegen alter Stereotype, dass bisexuelle Frauen nur versuchen, Männern zu gefallen, die ultimative Störung des Status quo ist.
**Megan Wallace**
**Albert Goldman, The Birdcage**
Es gibt einen Moment in **The Birdcage**, als Armand (Robin Williams) versucht, seinem Partner Albert (Nathan Lane) beizubringen, Senf "wie ein Mann" auf Toast zu streichen – ihn mit zusammengebissenen Zähnen zu verschmieren, anstatt mit zarten Handbewegungen. Albert scheitert urkomisch, sticht durch den Toast und verfällt in Hysterie. Das Paar, verzweifelt bemüht, den ultra-konservativen zukünftigen Schwiegereltern ihres Sohnes zu beweisen, dass Albert nur ein Onkel ist, erkennt schnell, dass dieser Plan zum Scheitern verurteilt ist. Es ist eine perfekte Szene, die die Absurdität performativer Männlichkeit und die Genialität Alberts einfängt. Eine alternde Drag Queen mit tadellosem Geschmack, Albert ist nie die Zielscheibe des Witzes. Stattdessen spielt Lane ihn mit einer solch unverfrorenen Selbstsicherheit, dass er die Quelle fast jedes Lachens in Mike Nichols' temporeicher Komödie der Irrungen ist. Albert beherrscht jeden Raum, selbst wenn er in Perücke und Perlen gekleidet ist und versucht, als Mutter seines Sohnes durchzugehen. Es war der erste Film, den ich sah, der zwei Männer zeigte, die glücklich zusammenlebten. Während sie ihre Beziehung für den Großteil des Films verstecken müssen, beweist jede erneute Sichtung, dass ihre Bindung das Authentischste im Film ist – und das meiste Chaos ist nur Drama von Heterosexuellen, das sie aufräumen müssen.
Shrai Popat
Megan Bloomfield, But I’m a Cheerleader
Bild im Vollbildmodus anzeigen: Natasha Lyonne in But I’m a Cheerleader. Foto: Everett Collection Inc/Alamy
Jamie Babbits entzückend campy Satire auf Konversionstherapie wird von Natasha Lyonnes treffsicherer Darstellung der Megan Bloomfield getragen, die sich verzweifelt wünscht, normal zu sein, trotz ihrer offensichtlichen Queerness. Megan gibt sich große Mühe, eine Highschool-Cheerleaderin zu sein und ihren gutaussehenden Freund zu küssen, aber es passt einfach nicht. Eines Tages inszeniert ihre Familie eine Intervention und schickt sie in das urkomischste ineffektive Konversionslager, das man sich vorstellen kann. Was Bloomfield zum Strahlen bringt, ist ihre Unschuld – buchstäblich jeder erkennt, dass sie eine Lesbe ist, bevor sie es selbst tut – und das befeuert die völlige Lächerlichkeit, die **But I’m a Cheerleader** so unvergesslich macht. Es gibt reichlich davon: RuPaul als Lageraufseherin, die ein T-Shirt mit der Aufschrift "Straight is Great" trägt, aber offensichtlich selbst schwul ist, obsessive Hingabe an Geschlechterrollen in der Hoffnung, dass genug Rosa ein Mädchen hetero macht, und Megan selbst, die im Konversionslager lesbische Liebe findet. Ein wunderbarer Bonus zu Lyonnes Darstellung ist, dass sie 25 Jahre später wieder ikonisch geworden ist, diesmal für ihre leise queere Rolle als Charlie Cale in der laufenden Serie **Poker Face**, die uns einen Einblick gibt, was aus einer älteren Megan hätte werden können.
Veronica Esposito
Sérgio, O Fantasma
Bild im Vollbildmodus anzeigen: Ricardo Meneses in O Fantasma. Foto: Everett Collection Inc/Alamy
Sérgio ist ein Müllmann mit dem Körper des Heiligen Sebastian und dem Sexualtrieb eines läufigen Hundes. Er ist ganz Instinkt und stolz darauf, streift nachts durch die Außenbezirke Lissabons, wühlt im Müll eines sexy Bikers, hat (ungefilmten) Sex mit Fremden in einem Gimp-Anzug und würgt sich beim Masturbieren mit einem Duschkabel. Erregt ihn die Erinnerung an den letzten One-Night-Stand oder das Gefühl, an der Leine zu sein? Die düster beleuchteten Straßen der Stadt mögen nicht wie die schönste Kulisse erscheinen, aber in den Händen von Regisseur João Pedro Rodrigues kann eine Hintergasse, die von den Bremslichtern eines Müllwagens beleuchtet wird, wie ein Gemälde aussehen. Ich liebe **O Fantasma** für sein völlig ungeschöntes Porträt von Langeweile und sozialer Distanzierung bei einem wahren Außenseiter, der sich weigert, sich anzupassen. Der Pride Month ist eine gute Zeit für queere Menschen, sich daran zu erinnern, dass wir das nicht müssen.
Owen Myers
Der Babadook, Der Babadook
Bild im Vollbildmodus anzeigen: Der Babadook. Foto: Atlaspix/Alamy
Dieses Jahr feiert die LGBTQ+-Gemeinschaft ein großes 10-jähriges Jubiläum. Im Jahr 2016, so die queere Folklore, hat Netflix versehentlich den australischen Indie-Horrorfilm **Der Babadook** – einen Film über eine Mutter und ihren Sohn, deren Trauer über den Tod des Vaters des Jungen zu einem Monster mit Zylinder wird – in seine LGBTQ+-Sektion eingeordnet. Ein Screenshot dieses angeblichen Fehlers ging viral, und, schwupps, wurde die elegante, aber furchterregende Figur – irgendwo zwischen Papa Lazarou aus **League of Gentlemen** und einer Edward-Gorey-Zeichnung – zu einem regelmäßigen Anblick bei Pride-Paraden auf der ganzen Welt. Obwohl unklar ist, ob Netflix tatsächlich schuld war oder ob der Screenshot eine Fälschung war, die auf einem bestehenden "der Babadook ist schwul"-Meme basierte, bleibt die Tatsache, dass queere Menschen diesen seltsamen kleinen Kerl angenommen haben. Genau wie all die anderen seltsamen kleinen Kerle vor ihm, haben sie es mit Begeisterung getan. Und ob Regisseurin Jennifer Kent es beabsichtigt hat oder nicht, der Babadook ist definitiv nicht-binär und definitiv in einer Polycule mit Pennywise, Graf Orlok und dieser Kreatur aus Pans Labyrinth mit Augen auf den Händen. — Eleanor Margolis
**Häufig gestellte Fragen**
Hier ist eine Liste von FAQs basierend auf dem Thema der Autoren, die ihre Lieblings-LGBTQ-Filmfiguren teilen, einschließlich Definitionen, Einblicken und praktischen Erkenntnissen.
**Fragen für Anfänger**
1. **Was bedeutet "schiere Ungeheuerlichkeit" in diesem Zusammenhang?**
Es bedeutet Figuren, die unverfroren kühn, flamboyant oder exzentrisch sind. Sie brechen soziale Regeln nicht um des Schockwerts willen, sondern um ihr wahres Selbst mit Selbstvertrauen und Freude auszudrücken.
2. **Warum konzentrieren sich die Autoren auf LGBTQ-Filmfiguren?**
Weil diese Figuren oft einzigartige Kämpfe und Triumphe erleben. Autoren finden sie reichhaltig für Analysen – sie zeigen, wie Identität, Liebe und Widerstandsfähigkeit auf der Leinwand dargestellt werden, besonders wenn Figuren Stereotype trotzen.
3. **Können Sie ein Beispiel für eine "schier ungeheuerliche" LGBTQ-Figur nennen?**
Ein klassisches Beispiel ist Dr. Frank-N-Furter aus *The Rocky Horror Picture Show*. Er ist ein transvestitischer Wissenschaftler, der flamboyant, verführerisch und völlig schamlos ist – eine perfekte Mischung aus Camp und Rebellion.
4. **Geht es hier nur um lustige oder laute Figuren?**
Nein. "Ungeheuerlich" kann auch Figuren bedeuten, die auf leise Weise trotzig sie selbst sind. Zum Beispiel ist Carol aus dem Film *Carol* für ihre Zeit ungeheuerlich – eine wohlhabende Frau der 1950er Jahre, die alles für eine gleichgeschlechtliche Beziehung riskiert.
**Fragen für Fortgeschrittene**
5. **Warum sagen die Autoren, dass diese Figuren wichtig für die LGBTQ-Repräsentation sind?**
Weil sie zeigen, dass Queersein nicht nur Leiden bedeutet. Diese Figuren feiern Freude, Camp und Trotz. Sie erinnern das Publikum daran, dass LGBTQ-Menschen mächtig, lustig und unverfroren seltsam sein können – nicht nur tragische Gestalten.
6. **Welche häufigen Probleme weisen die Autoren in Bezug auf diese Figuren hin?**
Manchmal können ungeheuerliche Figuren zu eindimensionalen Karikaturen werden. Autoren kritisieren oft, wenn die Flamboyanz einer Figur für Lacher verwendet wird, ohne ihr Tiefe oder eine echte Geschichte zu geben.
7. **Wie helfen diese Figuren heterosexuellem Publikum?**
Sie bauen Stereotype ab, indem sie zeigen, dass LGBTQ-Menschen komplex sind. Eine Figur wie Priscilla, Königin der Wüste, lehrt, dass Drag und Geschlechtsausdruck sowohl Kunst als auch Überleben sein können.
8. **Was ist ein modernes Beispiel für eine "schier ungeheuerliche" Figur?**
