David Hockney a schimbat lumea doar privind-o. Arta sa a fost o celebrare a bucuriei vizuale pure—o lungă și încântătoare sărbătoare a văzului. A fost cineva care a găsit minunăție în flori într-o vază și în autostrăzi însorite și care s-a gândit constant la noi modalități de a capta astfel de comori efemere în imagini. Nu părea să-i treacă prin minte că felul său de a vedea era revoluționar. Tot ce-l interesa era adevărul. Dar nimeni nu mai capturase înainte aspectul și senzația lumii moderne cu atâta acceptare. El are aceeași perfecțiune simplă ca și Beatles—așa cum ei au captat sunetul lumii moderne, el i-a captat imaginea.
Cel mai grăitor lucru despre Hockney este că a iubit Los Angeles-ul. Acolo unde alții ar fi văzut un haos fără minte, el a văzut libertate și posibilitate sub un cer albastru nejudecător. Case joase cu uși de terasă care sclipeau gol, palmieri înalți și subțiri cu coroane mici, stropul alb al unui scafandru lovind apa—California lui Hockney este o viziune a paradisului. El este Matisse al artei pop, iar A Bigger Splash este răspunsul anilor 1960 la manifestul plăcerii al lui Matisse din 1904, Luxe, Calme et Volupté.
Arta pop avea adesea o latură sumbră, la fel de largă ca un Chevrolet. Cele mai multe dintre marile sale figuri—Richard Hamilton, Andy Warhol, Gerhard Richter—nu erau fani, ci critici reci ai noii societăți de consum occidentale care se contura în jurul anului 1960. Apoi a venit Hockney. Crescând în peisajul industrial înnegrit de fum din Bradford, a devenit un tânăr artist liber atât de nostalgie, cât și de snobism. Lucrările sale timpurii, realizate când era student la Royal College of Art din Londra, acceptă viața modernă nu cu ironie sau ideologie, ci pur și simplu pentru că era viața lui: de la lămpi de birou la dans și la făcut duș, de ce n-ar arăta cum trăiește generația sa?
Faptul că era gay era doar o parte din adevărul pe care l-a trăit și l-a pictat. Nu era o mare problemă, și s-ar fi supărat dacă l-am fi amintit ca „primul artist britanic declarat gay”. Tocmai portretizarea sa relaxată și netulburată a unei sexualități care era ilegală în Marea Britanie de la începutul anilor 1960 face ca arta sa să fie atât de subversivă fără efort. De la pictura sa spectaculoasă din 1960–61, Doll Boy, care mărturisește pasiunea sa pentru Cliff Richard („foarte atrăgător, foarte sexy”), până la un portret calm din 1968 al unui cuplu matur și încrezător, Christopher Isherwood și Don Bachardy, dezvoltarea artistică a lui Hockney în timpul acelui deceniu revoluționar este în mare măsură despre găsirea stilului potrivit pentru a arăta viața gay așa cum este.
Totuși, Hockney nu este niciodată doar un participant în lumea nouă, liberă și împlinită pe care a căutat-o în swinging London—și pe care a găsit-o în California. El este și un observator, și unul extrem de conștient de sine. Când a vizitat pentru prima dată SUA în 1961, a realizat o înregistrare comică a călătoriei într-o serie de printuri modelate după The Rake's Progress a lui William Hogarth. Rake-ul cu ochelari și slăbănog este însuși Hockney, atât fascinat cât și nedumerit de America, pe măsură ce descoperă că există o scenă gay și ajunge înconjurat de clone în blugi care ascultă muzică pop la căști (asta era acum aproape 60 de ani: Hockney înfățișa deja modul în care trăim acum, chiar și atunci).
Până la sfârșitul anilor 1960, o liniște stranie a pus stăpânire pe picturile sale, pe măsură ce a devenit mai deschis observatorul, privitorul. Singurătatea privirii este tema a ceea ce poate fi cea mai mare pictură a sa, Portrait of an Artist (Pool with Two Figures). Este cu siguranță cea mai scumpă, vândută în 2018 pentru 90,3 milioane de dolari. În această pânză imensă din 1972—o lucrare aproape mistic de strălucitoare—un tânăr într-o jachetă roz stă lângă o piscină în aer liber, privind un înotător a cărui carne palidă pâlpâie sub apa turcoaz translucidă. Pentru a da genul de detaliu bârfitor pe care Hockney a ajuns să-l urască, bărbatul de lângă piscină este Peter Schlesinger, iar pictura capturează sfârșitul relației lor—o traumă care îi conferă o autoritate dureroasă. Viziuni ale paradisului… Hockney acasă în Malibu, California, în 1991. Fotografie: Paul Harris/Getty Images
Dar chiar dacă privitul poate fi un act solitar, este și o bucurie. Este aproape jenant să recunoști că, în ciuda întregii tensiuni psihologice din această pictură, peisajul strălucitor, topit, al dealurilor colorate și îmbibate de soare dincolo de piscină este la fel de hipnotizant. Astfel de priveliști l-au captivat pe Hockney, iar arta sa împărtășește acea minunăție. Unele dintre cele mai memorabile lucrări ale sale sunt naturi statice simple: pictura sa din 1972 Mount Fuji and Flowers, sau frumosul său studiu al unui ceainic fragil de porțelan așezat pe fundalul unei mări albastre agitate și învolburate, Breakfast at Malibu, Sunday 1989.
În ambele piese, scene delicate de natură statică sunt plasate alături de imagini vaste și impresionante ale naturii. Este genul de joc de istoria artei—aici, punându-l pe Chardin împotriva lui Turner sau Hokusai—pe care Hockney îl putea realiza fără efort, deoarece era atât de curios despre cum stilurile în schimbare ale artei modelează modul în care vedem lumea. Nu era nimic naiv în realismul său. Unul dintre cei mai mari eroi ai săi a fost Picasso. Nu numai că și-a imaginat o întâlnire între cei doi într-o imitație strălucită a propriului stil grafic al lui Picasso, dar, într-un experiment departe de șevaletul său, a încercat să aplice perspectivele cubiste schimbătoare ale lui Picasso fotografiei. Aranjamentele sale foto stratificate, care încearcă să captureze multiplele priviri și viziuni fragmentate prin care vedem cu adevărat lumea, sunt printre cele mai ușor de recunoscut lucrări ale sale.
Hockney m-a plimbat odată printr-o expoziție Caravaggio la National Gallery pentru a explica de ce credea că pictorul trebuie să fi folosit un fel de cameră timpurie. Apoi, la casa sa din Londra, a scos un sul japonez pentru a arăta cum arta peisagistică orientală folosește perspective mobile, care se desfășoară, îmbrățișând scara lumii mult mai mult decât perspectiva cu un singur punct care a obsedat arta occidentală. Argumentul său era fascinant, la fel și sulul—care nu era un original, ci o copie. Cu alte cuvinte, îl prețuia nu pentru raritatea sa, ci pentru utilitatea sa.
Vizualizați imaginea la dimensiune completă
Ia loc … Hockney fumând lângă două lucrări. Fotografie: J-P/Photo Credit: Jean-Pierre Gonçalves de Lima
Casa lui Hockney din Bridlington era, de asemenea, frumos, dar simplu decorată. Nu și-a folosit averea pentru a trăi luxos, ci pentru a munci și a cerceta. Era o modestie și o directețe în el care erau profund emoționante. A devenit faimos pentru refuzul său încăpățânat de a renunța la fumat, dar, ca nefumător, pot confirma că, atunci când m-a condus odată prin Yorkshire, a folosit o scrumieră high-tech care îi ținea fumul pentru el. Era un libertarian politicos.
Acest caracter transpare în public și l-a făcut pe Hockney o celebritate. A atins un fel de popularitate pe care artiștii britanici mai tineri nu au atins-o, mai degrabă asemănătoare cu cea a lui David Attenborough sau a reginei. David Hockney a fost autenticul—un mare artist și o mare ființă umană.
Întrebări Frecvente
Iată o listă de întrebări frecvente despre David Hockney și despre cum lucrarea sa a captat esența lumii moderne, scrisă într-un ton natural, cu răspunsuri clare.
Întrebări pentru Începători
1 Cine este David Hockney
David Hockney este un celebru artist britanic cunoscut mai ales pentru picturile sale vibrante, desenele și colajele foto. Este o figură majoră a artei pop încă din anii 1960.
2 De ce spun oamenii că Hockney a captat esența lumii moderne
S-a concentrat pe lucrurile care definesc viața modernă: piscine strălucitoare, arhitectura elegantă a Californiei, ascensiunea fotografiei și modul în care vedem lumea prin ecrane și tehnologie. Lucrarea sa pare proaspătă și specifică epocii sale.
3 Care este cea mai faimoasă pictură a lui Hockney
Portrait of an Artist este cea mai iconică lucrare a sa. Înfățișează un bărbat într-o jachetă roz privind în jos la un înotător într-o piscină. Captează perfect timpul liber și stilul Californiei anilor 1970.
4 A pictat Hockney doar piscine
Nu, dar piscinele sunt o temă recurentă. A pictat, de asemenea, peisaje, portrete, naturi statice și a folosit tehnologii noi precum copiatoare, faxuri și iPad-uri pentru a crea artă.
5 Ce înseamnă un festin pentru ochi în acest context
Înseamnă că arta sa este bogată vizual, colorată și plăcută de privit. Folosește culori vii și îndrăznețe și perspective inteligente care te fac să vrei să explorezi fiecare detaliu.
Întrebări de Nivel Intermediar
6 Cum a folosit Hockney fotografia pentru a capta lumea modernă
A creat fotocolaje în care a făcut multe fotografii Polaroid ale unei scene din unghiuri diferite și apoi le-a aranjat într-o grilă. Aceasta imită modul în care ochii noștri se mișcă și văd lumea—nu ca o singură imagine, ci ca o serie de priviri.
7 Ce rol a jucat tehnologia în arta lui Hockney
Hockney a îmbrățișat instrumente noi. A folosit un copiator pentru a face printuri stratificate, un fax pentru a trimite desene în întreaga lume și, mai târziu, un iPad pentru a picta direct pe un ecran. Aceasta arată cum instrumentele moderne devin parte din modul în care creăm și vedem.
8 Cum s-a schimbat stilul lui Hockney când s-a mutat în California
Mutându-se din Anglia în însorita California
