Voici la traduction du texte en français :
David Hockney a changé le monde simplement en le regardant. Son art était une célébration de la pure joie visuelle — un long et délicieux festin du regard. C'était quelqu'un qui trouvait l'émerveillement dans des fleurs dans un vase et des autoroutes ensoleillées, et qui ne cessait d'imaginer de nouvelles façons de capturer ces trésors éphémères en images. Il ne lui est jamais venu à l'esprit que sa façon de voir était révolutionnaire. Tout ce qui l'importait, c'était la vérité. Mais personne avant lui n'avait capturé l'apparence et la sensation du monde moderne avec une telle acceptation. Il possède la même perfection simple que les Beatles — tout comme ils ont capturé le son du monde moderne, lui en a capturé l'image.
Ce qui est le plus révélateur chez Hockney, c'est qu'il aimait Los Angeles. Là où d'autres voyaient un chaos insensé, lui voyait la liberté et la possibilité sous un ciel bleu sans jugement. Des maisons basses aux portes-fenêtres qui brillaient vide, de grands palmiers élancés aux tout petits sommets, l'éclaboussure blanche d'un plongeur frappant l'eau — la Californie de Hockney est une vision du paradis. Il est le Matisse du pop art, et Un Plus Grand Éclaboussement est la réponse des années 1960 au manifeste du plaisir de Matisse de 1904, Luxe, Calme et Volupté.
Le pop art avait souvent un côté sombre, aussi large qu'une Chevrolet. La plupart de ses grandes figures — Richard Hamilton, Andy Warhol, Gerhard Richter — n'étaient pas des fans mais des critiques froids de la nouvelle société de consommation occidentale qui prenait forme vers 1960. Puis vint Hockney. Ayant grandi dans le paysage industriel noirci de fumée de Bradford, il devint un jeune artiste libre à la fois de nostalgie et de snobisme. Ses premières œuvres, réalisées lorsqu'il était étudiant au Royal College of Art de Londres, acceptent la vie moderne non pas avec ironie ou idéologie, mais simplement parce que c'était sa vie : des lampes de bureau à la danse en passant par la douche, pourquoi ne montrerait-il pas comment sa génération vivait ?
Être gay faisait simplement partie de la vérité qu'il vivait et peignait. Ce n'était pas un problème, et il serait contrarié si on se souvenait de lui comme du « premier artiste ouvertement gay de Grande-Bretagne ». C'est précisément sa représentation détendue et sereine d'une sexualité qui était illégale dans la Grande-Bretagne du début des années 1960 qui rend son art si subversif sans effort. De son tableau éclaboussant de 1960-1961 Doll Boy, qui avoue sa passion pour Cliff Richard (« très attirant, très sexy »), à un calme portrait de 1968 d'un couple mature et confiant, Christopher Isherwood et Don Bachardy, le développement artistique de Hockney durant cette décennie révolutionnaire consiste en grande partie à trouver le style approprié pour montrer la vie gay telle qu'elle est.
Pourtant, Hockney n'est jamais simplement un participant au nouveau monde libre et épanoui qu'il cherchait dans le Londres swinging — et qu'il a trouvé en Californie. Il est aussi un observateur, et un observateur très conscient de lui-même. Lorsqu'il visita les États-Unis pour la première fois en 1961, il fit un compte rendu comique du voyage dans une série d'estampes inspirées de La Carrière du libertin de William Hogarth. Le Libertin aux lunettes et à l'air efflanqué est Hockney lui-même, à la fois fasciné et perplexe devant l'Amérique alors qu'il découvre qu'il existe une scène gay et se retrouve entouré de clones en jean écoutant de la pop musique au casque (c'était il y a près de 60 ans : Hockney imaginait déjà la façon dont nous vivons aujourd'hui, même à cette époque).
À la fin des années 1960, un calme étrange s'empara de ses peintures alors qu'il devenait plus ouvertement l'observateur, le spectateur. La solitude du regard est le thème de ce qui est peut-être son plus grand tableau, Portrait d'un artiste (Piscine avec deux personnages). C'est certainement le plus cher, vendu en 2018 pour 90,3 millions de dollars. Dans cette immense toile de 1972 — une œuvre presque mystiquement rayonnante — un jeune homme en veste rose se tient près d'une piscine extérieure, regardant un nageur dont la chair pâle scintille sous une eau turquoise translucide. Pour donner le genre de détail potinier que Hockney en est venu à détester, l'homme près de la piscine est Peter Schlesinger, et le tableau capture la fin de leur relation — un traumatisme qui lui confère une autorité douloureuse.
Visions du paradis… Hockney chez lui à Malibu, Californie, en 1991. Photographie : Paul Harris/Getty Images
Mais même si regarder peut être un acte solitaire, c'est aussi une joie. C'est presque gênant d'admettre que, malgré toute la tension psychologique dans ce tableau, le paysage lumineux et fondu des collines colorées et baignées de soleil au-delà de la piscine est tout aussi fascinant. De telles vues captivaient Hockney, et son art partage cet émerveillement. Certaines de ses œuvres les plus mémorables sont de simples natures mortes : son tableau de 1972 Mont Fuji et Fleurs, ou sa belle étude d'une délicate théière en porcelaine posée contre une mer bleue agitée et houleuse, Petit-déjeuner à Malibu, dimanche 1989.
Dans ces deux pièces, de délicates scènes de nature morte sont placées aux côtés d'images vastes et impressionnantes de la nature. C'est le genre de jeu d'histoire de l'art — ici, opposant Chardin à Turner ou Hokusai — que Hockney pouvait réaliser sans effort parce qu'il était si curieux de savoir comment les styles changeants de l'art façonnent notre façon de voir le monde. Il n'y avait rien de naïf dans son réalisme. L'un de ses plus grands héros était Picasso. Il a non seulement imaginé une rencontre entre eux deux dans une brillante imitation du propre style graphique de Picasso, mais aussi, dans une expérience loin de son chevalet, essayé d'appliquer les perspectives cubistes changeantes de Picasso à la photographie. Ses assemblages de photos en couches, qui visent à capturer les multiples regards et vues fragmentées à travers lesquels nous voyons vraiment le monde, comptent parmi ses œuvres les plus immédiatement reconnaissables.
Hockney m'a un jour emmené à une exposition Caravage à la National Gallery pour m'expliquer pourquoi il croyait que le peintre avait dû utiliser une sorte de caméra primitive. Puis, chez lui à Londres, il a sorti un rouleau japonais pour montrer comment l'art du paysage oriental utilise des points de vue changeants et déroulants qui embrassent l'échelle du monde bien plus que la perspective à point unique qui a obsédé l'art occidental. Son argument était fascinant, et le rouleau aussi — qui n'était pas un original mais une copie. En d'autres termes, il le valorisait non pour sa rareté mais pour son utilité.
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Asseyez-vous… Hockney fume près de deux œuvres. Photographie : J-P/Crédit photo : Jean-Pierre Gonçalves de Lima
La maison de Hockney à Bridlington était aussi joliment mais simplement décorée. Il n'utilisait pas sa richesse pour vivre luxueusement, mais pour travailler et faire des recherches. Il y avait chez lui une modestie et une franchise profondément émouvantes. Il est devenu célèbre pour son refus obstiné d'arrêter de fumer, mais en tant que non-fumeur, je peux confirmer que lorsqu'il m'a un jour conduit à travers le Yorkshire, il utilisait un cendrier high-tech qui gardait sa fumée pour lui. C'était un libertaire courtois.
Ce caractère transparaissait en public et a fait de Hockney une célébrité. Il a atteint une sorte de popularité que les jeunes artistes britanniques n'ont pas atteinte, plus proche de celle de David Attenborough ou de la reine. David Hockney était la vraie chose — un grand artiste et un grand être humain.
Questions fréquemment posées
Voici une liste de FAQ sur David Hockney et comment son travail a capturé l'essence du monde moderne, rédigée dans un ton naturel avec des réponses claires
Questions de niveau débutant
1 Qui est David Hockney
David Hockney est un célèbre artiste britannique surtout connu pour ses peintures vibrantes, ses dessins et ses photocollages. Il est une figure majeure du pop art depuis les années 1960.
2 Pourquoi dit-on que Hockney a capturé l'essence du monde moderne
Il s'est concentré sur les choses qui définissent la vie moderne : les piscines lumineuses, l'architecture élégante de la Californie, l'essor de la photographie et la façon dont nous voyons le monde à travers les écrans et la technologie. Son travail semble frais et de son époque.
3 Quel est le tableau le plus célèbre de Hockney
Portrait d'un artiste est son œuvre la plus emblématique. Elle montre un homme en veste rose regardant un nageur dans une piscine. Elle capture parfaitement les loisirs et le style de la Californie des années 1970.
4 Hockney a-t-il seulement peint des piscines
Non, mais les piscines sont un thème récurrent. Il a aussi peint des paysages, des portraits, des natures mortes et a utilisé de nouvelles technologies comme les photocopieurs, les télécopieurs et les iPads pour créer de l'art.
5 Que signifie « un festin pour les yeux » dans ce contexte
Cela signifie que son art est visuellement riche, coloré et joyeux à regarder. Il utilise des couleurs vives et audacieuses et des perspectives intelligentes qui vous donnent envie de continuer à explorer chaque détail.
Questions de niveau intermédiaire
6 Comment Hockney a-t-il utilisé la photographie pour capturer le monde moderne
Il a créé des photocollages où il prenait de nombreuses photos Polaroid d'une même scène sous différents angles, puis les disposait en grille. Cela imite la façon dont nos yeux bougent et voient réellement le monde — non pas comme un seul instantané, mais comme une série de regards.
7 Quel rôle la technologie a-t-elle joué dans l'art de Hockney
Hockney a adopté de nouveaux outils. Il a utilisé un photocopieur pour faire des impressions en couches, un télécopieur pour envoyer des dessins à travers le monde, et plus tard un iPad pour peindre directement sur un écran. Cela montre comment les outils modernes font partie de la façon dont nous créons et voyons.
8 Comment le style de Hockney a-t-il changé lorsqu'il a déménagé en Californie
En passant de l'Angleterre à la Californie ensoleillée
