Her er oversettelsen til norsk:
David Hockney forandret verden bare ved å se på den. Kunsten hans var en feiring av ren visuell glede – en lang, henrykt fest av å se. Han var en som fant undring i blomster i en vase og solbelyste motorveier, og som stadig tenkte ut nye måter å fange slike flyktige skatter på i bilder. Det så aldri ut til å falle ham inn at hans måte å se på var revolusjonerende. Alt han brydde seg om var sannhet. Men ingen hadde noensinne fanget den moderne verdens utseende og følelse med en slik aksept før. Han har den samme enkle perfeksjonen som The Beatles – akkurat som de fanget lyden av den moderne verden, fanget han dens utseende.
Det mest avslørende ved Hockney er at han elsket Los Angeles. Der andre kunne se et tankeløst kaos, så han frihet og muligheter under en fordomsfri blå himmel. Lave hus med terrassedører som glitret tomt, høye tynne palmer med bittesmå topper, det hvite sprutet fra en stuper som treffer vannet – Hockneys California er et syn av paradis. Han er popkunstens Matisse, og A Bigger Splash er 1960-tallets svar på Matisses manifest for nytelse fra 1904, Luxe, Calme et Volupté.
Popkunsten hadde ofte en dyster side, bred som en Chevrolet. De fleste av dens store skikkelser – Richard Hamilton, Andy Warhol, Gerhard Richter – var ikke fans, men kalde kritikere av det nye vestlige forbrukersamfunnet som tok form rundt 1960. Så kom Hockney. Han vokste opp i det sotsvarte industrielle landskapet i Bradford og ble en ung kunstner fri for både nostalgi og snobberi. Hans tidlige verk, laget da han var student ved Royal College of Art i London, aksepterer det moderne livet ikke med ironi eller ideologi, men rett og slett fordi det var hans liv: fra skrivebordslamper til dansing til å ta en dusj – hvorfor skulle han ikke vise hvordan hans generasjon levde?
Å være homofil var bare en del av sannheten han levde og malte. Det var ikke en stor sak, og han ville bli opprørt om vi husket ham som «Storbritannias første åpent homofile kunstner». Det er nettopp hans avslappede og ubesværede fremstilling av en seksualitet som var ulovlig i Storbritannia på begynnelsen av 1960-tallet, som gjør kunsten hans så uanstrengt subversiv. Fra hans sprudlende maleri Doll Boy fra 1960–61, som bekjenner hans lidenskap for Cliff Richard («veldig attraktiv, veldig sexy»), til et rolig portrett fra 1968 av et modent og selvsikkert par, Christopher Isherwood og Don Bachardy, handler Hockneys kunstneriske utvikling i løpet av det revolusjonerende tiåret i stor grad om å finne den rette stilen for å vise homofilt liv som det er.
Likevel er Hockney aldri bare en deltaker i den nye, frie, oppfylte verdenen han søkte i swingende London – og fant i California. Han er også en observatør, og en svært selvbevisst en. Da han først besøkte USA i 1961, laget han en komisk beretning om turen i en serie trykk modellert etter William Hogarths The Rake's Progress. Den brillekledde, magre Rake er Hockney selv, både fascinert og forvirret av Amerika mens han oppdager at det finnes et homomiljø og ender opp omgitt av jeans-ikledde kloner som hører på popmusikk med hodetelefoner (dette var nesten 60 år siden: Hockney avbildet allerede måten vi lever nå på, selv den gang).
Ved slutten av 1960-tallet tok en uhyggelig stillhet over maleriene hans, ettersom han ble mer åpent observatøren, tilskueren. Ensomheten i å se er temaet i det som kanskje er hans største maleri, Portrait of an Artist (Pool with Two Figures). Det er utvilsomt hans dyreste, solgt i 2018 for 90,3 millioner dollar. I dette enorme lerretet fra 1972 – et nesten mystisk strålende verk – står en ung mann i en rosa jakk ved siden av et utendørsbasseng og ser på en svømmer hvis bleke kjøtt flimrer under gjennomsiktig turkis vann. For å gi den slags sladderaktige detalj som Hockney kom til å hate, er mannen ved bassenget Peter Schlesinger, og maleriet fanger slutten på forholdet deres – et traume som gir det smertefull autoritet.
Men selv om det å se kan være en ensom handling, er det også en glede. Det er nesten pinlig å innrømme at til tross for all den psykologiske spenningen i dette maleriet, er det glødende, smeltende landskapet av de fargerike, solfylte åsene bortenfor bassenget like fascinerende. Slike syn fengslet Hockney, og kunsten hans deler den undringen. Noen av hans mest minneverdige verk er enkle stilleben: hans maleri Mount Fuji and Flowers fra 1972, eller hans vakre studie av en skjør porselens tekanne satt mot et brusende, hevende blått hav, Breakfast at Malibu, Sunday 1989.
I begge disse stykkene er delikate stillebenscener plassert ved siden av store, ærefryktinngytende bilder av naturen. Det er den slags kunsthistoriske lek – her som setter Chardin opp mot Turner eller Hokusai – som Hockney kunne gjennomføre uanstrengt fordi han var så nysgjerrig på hvordan kunstens skiftende stiler former måten vi ser verden på. Det var ingenting naivt ved realismen hans. En av hans største helter var Picasso. Han forestilte seg ikke bare et møte mellom dem to i en strålende imitasjon av Picassos egen grafiske stil, men prøvde også, i et eksperiment langt fra staffeliet, å anvende Picassos skiftende kubistiske perspektiver på fotografi. Hans lagdelte fotooppstillinger, som søker å fange de mange blikkene og fragmenterte synene som vi virkelig ser verden gjennom, er blant hans mest umiddelbart gjenkjennelige verk.
Hockney tok meg en gang rundt på en Caravaggio-utstilling i National Gallery for å forklare hvorfor han trodde maleren må ha brukt en slags tidlig kamera. Så, hjemme hos ham i London, tok han frem en japansk rull for å vise hvordan østlig landskapskunst bruker skiftende, utfoldende synsvinkler som omfavner verdens skala langt mer enn det enkeltpunktsperspektivet som har besatt vestlig kunst. Argumentet hans var fascinerende, og det samme var rullen – som ikke var et originalt, men en kopi. Med andre ord verdsatte han den ikke for dens sjeldenhet, men for dens nytteverdi.
Hockneys hus i Bridlington var også vakkert, men enkelt innredet. Han brukte ikke rikdommen sin til å leve luksuriøst, men til å arbeide og forske. Det var en beskjedenhet og direkthet over ham som var dypt rørende. Han ble berømt for sin sta nektelse av å slutte å røyke, men som ikke-røyker kan jeg bekrefte at da han en gang kjørte meg gjennom Yorkshire, brukte han et høyteknologisk askebeger som holdt røyken hans for seg selv. Han var en høflig libertarianer.
Den karakteren kom frem offentlig og gjorde Hockney til en kjendis. Han oppnådde en slags popularitet som yngre britiske kunstnere ikke har nådd, mer som David Attenborough eller dronningen. David Hockney var den ekte varen – en stor kunstner og et stort menneske.
Ofte stilte spørsmål
Her er en liste over vanlige spørsmål om David Hockney og hvordan arbeidet hans fanget essensen av den moderne verden, skrevet i en naturlig tone med klare svar
Nybegynnernivå Spørsmål
1 Hvem er David Hockney
David Hockney er en berømt britisk kunstner best kjent for sine livlige malerier tegninger og fotokollasjer Han har vært en sentral skikkelse innen popkunst siden 1960-tallet
2 Hvorfor sier folk at Hockney fanget essensen av den moderne verden
Han fokuserte på tingene som definerer det moderne livet lyse svømmebassenger elegant California-arkitektur fremveksten av fotografi og måten vi ser verden gjennom skjermer og teknologi Arbeidet hans føles friskt og av sin tid
3 Hva er Hockneys mest berømte maleri
Portrait of an Artist er hans mest ikoniske verk Det viser en mann i en rosa jakke som ser ned på en svømmer i et basseng Det fanger perfekt fritiden og stilen i 1970-tallets California
4 Malte Hockney bare bassenger
Nei men bassenger er et tilbakevendende tema Han malte også landskap portretter stilleben og brukte ny teknologi som kopimaskiner faksmaskiner og iPads for å skape kunst
5 Hva betyr en fest for øynene i denne sammenhengen
Det betyr at kunsten hans er visuelt rik fargerik og gledelig å se på Han bruker lyse dristige farger og smarte perspektiver som får deg til å ville utforske hver detalj
Mellomnivå Spørsmål
6 Hvordan brukte Hockney fotografi til å fange den moderne verden
Han skapte fotokollasjer der han tok mange Polaroid-bilder av én scene fra forskjellige vinkler og deretter arrangerte dem i et rutenett Dette etterligner hvordan øynene våre faktisk beveger seg og ser verden ikke som et enkelt øyeblikksbilde men som en serie blikk
7 Hvilken rolle spilte teknologi i Hockneys kunst
Hockney omfavnet nye verktøy Han brukte en kopimaskin for å lage lagdelte trykk en faksmaskin for å sende tegninger over hele verden og senere en iPad for å male direkte på en skjerm Dette viser hvordan moderne verktøy blir en del av hvordan vi skaper og ser
8 Hvordan endret Hockneys stil seg da han flyttet til California
Ved å flytte fra England til solfylte California
