Cuando Willem Dafoe asumió como director creativo de la Bienal de Teatro de Venecia el año pasado, moldeó el programa en torno a sus propios intereses. Eligió compañías de teatro experimental que lo habían influenciado como joven actor y actuó en una extraña y bastante rígida obra para dos personas de Richard Foreman, que implicaba leer notas aleatorias de tarjetas de índice. Se sentía menos vanguardista y más nostálgico.
La edición número 54 de este año es, afortunadamente, muy diferente. El programa de Dafoe es amplio y abierto al exterior, con una verdadera variedad cultural y una interesante mezcla de tradiciones teatrales. La programación se extiende desde Europa hasta Indonesia (incluyendo Bajo el Volcán de Yusril Katil) y la India (Danza Traviesa de Sharmila Biswas). Espectáculos como Mugen Noh Othello de Satoshi Miyagi, que fusiona el teatro Noh con Shakespeare, y Gritos de Christos Stergioglou y Alex Drakos Ktistakis, que combina teatro físico con narración musical y temas modernos con el drama griego antiguo, están llenos de una audaz hibridación.
Lo único rígido del programa de este año es su título, Alter Native, que Dafoe dice que se refiere a "encuentros entre culturas – momentos en los que lo familiar entra en diálogo contigo y se convierte en un catalizador para la transformación". Si eso suena elevado y confuso sobre el papel, tiene un propósito real en la práctica.
Un tema recurrente recorre el programa de Dafoe: dar voz a los marginados y centrarse en historias menos escuchadas. Emma Dante, una célebre dramaturga siciliana que ha creado obras sobre marginados y excluidos sociales, recibe este año el León de Oro por su trayectoria, lo que en sí mismo se convierte en una declaración audaz.
Y la última producción de Davide Iodice encarna este enfoque de la manera más monumental. Iodice es un dramaturgo italiano que anteriormente ha realizado espectáculos en un hospital psiquiátrico, una prisión de mujeres y un refugio para personas sin hogar. Su nueva obra, Promemoria, es fácilmente lo más destacado de la programación de este año.
Lleva al público al interior del San Giobbe, un hogar de ancianos en Venecia. Caminamos por sus pasillos e interactuamos con 21 residentes que tienen deterioro cognitivo, Alzheimer o ya no son completamente autosuficientes. Los cuidadores están a su lado, junto con nueve actores que actúan a su alrededor. Escuchamos sus historias y los vemos bailar.
El espectáculo es el resultado de un proceso de taller de un año y un proyecto de ternura extrema – aunque no es tan implacable como la obra Care de Alexander Zeldin, ambientada en un asilo de ancianos, que actualmente se presenta en el Young Vic de Londres.
Cuando se le pregunta sobre su preferencia por lo optimista y esperanzador, Iodice dice que el dolor está presente de maneras no dichas: "Lo que más me impactó de estos actores extraordinarios fue su increíble apego a la vida, un fuerte deseo de ser parte de ella incluso en una condición de vulnerabilidad extrema – una fuerza que da fuerza. Busqué rendir homenaje a esta fuerza amable y gentil. La fragilidad, el dolor, la enfermedad, la emergencia están presentes en cada rincón del pasillo, en los olores, en los sonidos incesantes de los equipos médicos en funcionamiento, en las campanas que piden ayuda, en el movimiento constante de médicos y enfermeras, en la vida cotidiana de este lugar. Sin embargo, incluso en este lugar, la humanidad logra mantener tenazmente su belleza, por residual que sea. Es esta belleza la que siempre me interesa."
Gritos de Stergioglou y Ktistakis destila las voces de migrantes y aquellos esclavizados o desplazados a lo largo del tiempo, desde Hécuba después del saqueo de Troya hasta el día de hoy. Se presenta principalmente a través del canto y es escenificado por un conjunto de seis músicos e intérpretes en el lugar al aire libre Teatro Verde, que se asemeja a un anfiteatro y está ubicado en una isla frente al continente. Cobra vida en su canción más furiosa sobre la experiencia. Los migrantes que huyen de sus hogares a regañadientes, a menudo en circunstancias desesperadas, se encuentran con hostilidad y prejuicio en Occidente. "Tienes que entender: nadie pone a sus hijos en un bote a menos que el agua sea más segura que la tierra... nadie elige campos de refugiados o registros corporales", canta un intérprete en una pieza que se convierte más en un grito enérgico.
Miyagi da voz a un personaje marginado de Shakespeare en Mugen Noh Othello, que reinventa la obra para centrarse en Desdémona, la esposa asesinada de Otelo. Un artista experimental japonés que previamente ha reelaborado varios clásicos occidentales, utiliza el ritual del teatro Mugen-Noh, que se remonta al siglo XIII.
Miyagi explica que el personaje principal en Mugen-Noh es siempre un fantasma atrapado en una historia que se repite. El objetivo de este ritual dramático es liberar a esta figura sufriente de su purgatorio, en parte a través del acto mismo de contar historias: "Contar historias les ayuda a resolver su angustia". Para Miyagi, esto vincula la tradición Noh con los fantasmas de Shakespeare y su deseo de venganza en obras como Hamlet.
Un coro Noh reconocible, con tambores y percusión, cuenta la historia de fondo de Otelo, incluyendo sus hazañas heroicas en la guerra. Pero el enfoque está en el fantasma de Desdémona—un espíritu eternamente indignado por haber sido asesinada por su marido acusador por una aventura que nunca tuvo. Dado que apenas habla en la obra original de Shakespeare, esta reelaboración cambia completamente el enfoque de la historia. Ya no se trata de un héroe de guerra profundamente defectuoso y sus celos violentos, avivados por las astutas artimañas de Yago. En cambio, se trata de una esposa fiel y un espíritu agraviado, consumido por un sentido de injusticia y atrapado en su propia historia dolorosa. Ella, no Otelo, se convierte en el corazón trágico de la obra.
Miyagi no es el único que trae a los muertos de vuelta a la vida. Carta a los Ausentes de Dorcy Rugamba es una adaptación de su libro Hewa Rwanda, dedicado a su familia que murió en el genocidio ruandés de 1994. Sugiere que el teatro es un medio donde los muertos pueden renacer, y quería traer de vuelta a aquellos que murieron de una manera que no esté definida por sus asesinos. "El genocidio mata a las personas dos veces: primero mata el cuerpo, pero después, su propia existencia puede desaparecer en la forma en que cuentas su historia. Si ves películas y libros [sobre el genocidio], la violencia es tan dramática que se convierte en la historia del asesino. Para mí, es necesario encontrar una manera de dar a las víctimas su historia completa. Para que puedan convertirse en los personajes principales de la historia y dejar de ser solo sufrientes vistos únicamente a través de las horribles condiciones de sus muertes."
Varias obras tienen elementos inmersivos. En la pieza de Iodice, un máximo de 30 miembros del público por función se mueven por las habitaciones y jardines del hogar. Se convierten en participantes activos, invitados a un taller de arte para escuchar lo que los residentes han creado, o sentándose con un grupo de ancianas que ofrecen té y comparten recuerdos de sus antiguas vidas laborales y familias.
A menor escala está Ragada de Mario Banushi, la primera parte de una trilogía sin palabras sobre la pérdida familiar, la memoria y los rituales funerarios. Banushi, un dramaturgo griego de herencia albanesa, es visto por muchos como la nueva cara del teatro griego y es el ganador del León de Plata de este año en la bienal. La trilogía, titulada Romance Familiare (que incluye Adiós, Lindita y Taverna Miresia junto con esta primera parte), se presenta junta por primera vez en el festival. Ragada tiene lugar en lo que parece una sala de estar familiar, con los miembros del público sentados en un espacio que rodea la habitación, algunos en el suelo cerca de los actores. Quedé completamente atrapado en el intenso drama emocional que ocurría en un espacio tan pequeño e íntimo.
Más allá del programa principal, hay una actuación de seis horas de Cómo Es de Samuel Beckett. El público puede verla de una sola vez o tomar descansos a lo largo del día. Es una puesta en escena palabra por palabra de la novela en tres partes de Beckett, publicada por primera vez en francés en 1961. Conocida por ser desconcertante, el texto está escrito en versos sin puntuación y presenta una figura solitaria en un paisaje fangoso que escucha voces tanto dentro como fuera de sí mismo.
[Imagen: Vista de pantalla completa]
A por todas... Stephen Dillane en Cómo Es de Beckett. Fotografía: Grant Gee
Aunque no es parte de la bienal de Dafoe, encaja bien con la sensación práctica e inmersiva de su programa. Este "evento de arte en vivo", una colaboración entre Gare St Lazare Ireland y Berggruen Arts & Culture, tiene lugar en el último piso del Palazzo Diedo. Dirigido por Judy Hegarty Lovett, con diseño del artista Michael Craig Martin, está protagonizado por Stephen Dillane y Conor Lovett. "Es un texto muy oral – funciona bien en el escenario", dice Hegarty Lovett. Gare St Lazare ha estado trabajando en esto durante diez años, y el próximo año pondrán en escena Esperando a Godot con Gary Oldman.
Con esta bienal, Dafoe completa el mandato mínimo de dos años requerido de su director artístico. La pregunta ahora es si se quedará otros dos años o más. Dado el programa de este año, parece que realmente está encontrando su ritmo. ¿Observamos este espacio vacío? La Bienal de Teatro de Venecia se celebra hasta el 21 de junio. El viaje de Arifa Akbar fue proporcionado por el festival.
Preguntas Frecuentes
Aquí hay una lista de preguntas frecuentes sobre In
Preguntas de Nivel Principiante
1 ¿Qué es exactamente In en la tabla periódica
Respuesta In es el símbolo químico del Indio Es un metal blando de color blanco plateado que es muy raro en la corteza terrestre
2 ¿El Indio es sólido líquido o gas a temperatura ambiente
Respuesta Es un metal sólido pero muy blando tan blando que se puede cortar con un cuchillo También tiene un punto de fusión muy bajo para un metal
3 ¿Dónde se encuentra más comúnmente el Indio
Respuesta No se encuentra como pepita pura Generalmente es un subproducto de la minería de otros metales como el zinc el plomo y el estaño Los mayores productores son China Corea del Sur y Canadá
4 ¿Para qué se usa el Indio en la vida cotidiana
Respuesta Probablemente lo usas cada vez que tocas un teléfono inteligente o una pantalla de computadora Es un ingrediente clave en el Óxido de Indio y Estaño que hace que las pantallas táctiles sean conductoras y transparentes
Preguntas Avanzadas y Técnicas
5 ¿Por qué es tan importante el Indio para las pantallas táctiles y los paneles solares
Respuesta Cuando mezclas Indio con Estaño obtienes Óxido de Indio y Estaño Este material es tanto transparente como eléctricamente conductor También se usa en células solares de película delgada por la misma razón
6 ¿El Indio es tóxico o peligroso de manipular
Respuesta El metal de Indio puro generalmente se considera no tóxico y seguro de manipular Sin embargo algunos de sus compuestos son tóxicos y pueden causar daño pulmonar si se inhalan como polvo
7 ¿Por qué el Indio es tan caro y difícil de encontrar
Respuesta No es que sea increíblemente raro en la corteza terrestre sino que está disperso lo que significa que está repartido en cantidades diminutas Es muy difícil de extraer económicamente por sí solo El suministro también está fuertemente controlado por unos pocos países lo que hace que los precios sean volátiles
