Quando Willem Dafoe assumiu como diretor criativo da Bienal de Teatro de Veneza no ano passado, ele moldou o programa em torno de seus próprios interesses. Escolheu companhias de teatro experimental que o influenciaram quando era um jovem ator e atuou em uma peça estranha e bastante rígida para dois atores de Richard Foreman, que envolvia a leitura de anotações aleatórias de fichas de índice. Parecia menos vanguardista e mais nostálgico.
A 54ª edição deste ano é, felizmente, muito diferente. O programa de Dafoe é amplo e voltado para o exterior, com verdadeira variedade cultural e uma mistura interessante de tradições teatrais. A programação se estende da Europa à Indonésia (incluindo Sob o Vulcão, de Yusril Katil) e à Índia (Dança Travessa, de Sharmila Biswas). Espetáculos como Mugen Noh Othello, de Satoshi Miyagi, que mescla o teatro Noh com Shakespeare, e Gritos, de Christos Stergioglou e Alex Drakos Ktistakis, que combina teatro físico com narrativa musical e temas modernos com drama grego antigo, são repletos de uma hibridização ousada.
A única coisa rígida no programa deste ano é seu título, Alter Native, que Dafoe diz se referir a "encontros entre culturas – momentos em que o familiar entra em diálogo com você e se torna um catalisador para a transformação". Se isso parece pretensioso e confuso no papel, na prática carrega um propósito real.
Um tema recorrente percorre o programa de Dafoe: dar voz aos marginalizados e focar em histórias menos ouvidas. Emma Dante, uma celebrada dramaturga siciliana que criou trabalhos sobre párias e excluídos sociais, recebe este ano o Leão de Ouro pelo conjunto da obra, o que por si só se torna uma declaração ousada.
E a mais recente produção de Davide Iodice incorpora esse foco da maneira mais monumental. Iodice é um dramaturgo italiano que já fez espetáculos em um hospital psiquiátrico, uma prisão feminina e um abrigo para sem-teto. Seu novo trabalho, Promemoria, é facilmente o destaque da programação deste ano.
Ele leva o público para dentro do San Giobbe, um lar de idosos em Veneza. Caminhamos por seus corredores e interagimos com 21 residentes que têm declínio cognitivo, Alzheimer ou não são mais totalmente autossuficientes. Cuidadores estão ao lado deles, junto com nove atores que atuam ao redor. Ouvimos suas histórias e os vemos dançar.
O espetáculo é o resultado de um processo de oficina de um ano e um projeto de extrema ternura – embora não seja tão inflexível quanto a peça Care, de Alexander Zeldin, ambientada em um asilo, que está atualmente no Young Vic, em Londres.
Quando questionado sobre sua preferência pelo otimista e esperançoso, Iodice diz que a dor está toda ali de maneiras não ditas: "O que mais me impressionou nesses atores extraordinários foi seu incrível apego à vida, um forte desejo de fazer parte dela, mesmo em uma condição de extrema vulnerabilidade – uma força que dá força. Busquei prestar homenagem a essa força gentil e bondosa. Fragilidade, dor, doença, emergência estão presentes em cada canto do corredor, nos cheiros, nos sons incessantes dos equipamentos médicos em funcionamento, nas campainhas que pedem assistência, no movimento constante de médicos e enfermeiros, na vida cotidiana deste lugar. No entanto, mesmo neste lugar, a humanidade consegue manter tenazmente sua beleza, por mais residual que seja. É essa beleza que sempre me interessa."
Gritos, de Stergioglou e Ktistakis, destila as vozes de migrantes e daqueles escravizados ou deslocados ao longo do tempo, desde Hécuba após o saque de Troia até os dias atuais. É apresentado principalmente através de canções e encenado por uma banda de seis performers no local ao ar livre Teatro Verde, que se assemelha a um anfiteatro e está localizado em uma ilha fora do continente. Ele ganha vida em sua canção mais irada sobre a experiência. Migrantes que fogem relutantemente de suas casas, muitas vezes em circunstâncias desesperadoras, são recebidos com hostilidade e preconceito no Ocidente. "Você tem que entender: ninguém coloca seus filhos em um barco a menos que a água seja mais segura que a terra... ninguém escolhe campos de refugiados ou revistas íntimas", canta um performer em uma peça que se torna mais um grito enérgico.
Miyagi dá voz a um personagem shakespeariano marginalizado em Mugen Noh Othello, que reimagina a peça para centrar-se em Desdêmona, a esposa assassinada de Otelo. Um artista experimental japonês que já adaptou vários clássicos ocidentais, ele usa o ritual do teatro Mugen-Noh, que remonta ao século XIII.
Miyagi explica que o personagem principal no Mugen-Noh é sempre um fantasma preso em uma história repetitiva. O objetivo desse ritual dramático é libertar essa figura sofredora de seu purgatório, em parte através do próprio ato de contar histórias: "Contar histórias ajuda a resolver sua angústia." Para Miyagi, isso liga a tradição Noh aos fantasmas de Shakespeare e seu desejo de vingança em peças como Hamlet.
Um coro Noh reconhecível, com tambores e percussão, conta a história de fundo de Otelo, incluindo seus feitos heroicos na guerra. Mas o foco está no fantasma de Desdêmona—um espírito para sempre indignado por ter sido morta por seu marido acusador por um caso que nunca teve. Como ela mal fala na peça original de Shakespeare, essa adaptação muda completamente o foco da história. Não é mais sobre um herói de guerra profundamente falho e seu ciúme violento, instigado pelos truques astutos de Iago. Em vez disso, é sobre uma esposa fiel e um espírito injustiçado, consumido por um senso de injustiça e preso em sua própria história dolorosa. Ela, não Otelo, torna-se o coração trágico da peça.
Miyagi não é o único a trazer os mortos de volta à vida. Carta aos Ausentes, de Dorcy Rugamba, é uma adaptação de seu livro Hewa Rwanda, dedicado à sua família que morreu no genocídio ruandês de 1994. Ele sugere que o teatro é um meio onde os mortos podem renascer, e ele queria trazer de volta aqueles que morreram de uma forma que não seja definida por seus assassinos. "O genocídio mata as pessoas duas vezes: primeiro mata o corpo, mas depois disso, sua própria existência pode desaparecer na maneira como você conta sua história. Se você olha para filmes e livros [sobre o genocídio], a violência é tão dramática que se torna a história do assassino. Para mim, é necessário encontrar uma maneira de dar às vítimas sua história completa. Para que elas possam se tornar os personagens principais da história e parar de ser apenas sofredoras vistas apenas através das condições horríveis de suas mortes."
Vários trabalhos têm elementos imersivos. Na peça de Iodice, um máximo de 30 membros da plateia por apresentação percorrem os cômodos e jardins do lar. Eles se tornam participantes ativos, convidados a uma oficina de arte para ouvir o que os residentes criaram, ou sentando-se com um grupo de idosas que oferecem chá e compartilham memórias de suas antigas vidas profissionais e famílias.
Em menor escala está Ragada, de Mario Banushi, a primeira parte de uma trilogia sem palavras sobre perda familiar, memória e rituais de enterro. Banushi, um dramaturgo grego de herança albanesa, é visto por muitos como a nova cara do teatro grego e é o vencedor do Leão de Prata deste ano na bienal. A trilogia, intitulada Romance Familiare (que inclui Adeus, Lindita e Taverna Miresia junto com esta primeira parte), está sendo exibida junta pela primeira vez no festival. Ragada acontece no que parece ser uma sala de estar familiar, com membros da plateia sentados em um espaço que rodeia a sala, alguns no chão perto dos atores. Fui completamente envolvido pelo intenso drama emocional que acontecia em um espaço tão pequeno e íntimo.
Além do programa principal, há uma apresentação de seis horas de Como É, de Samuel Beckett. O público pode assistir tudo de uma vez ou fazer pausas ao longo do dia. É uma encenação palavra por palavra do romance em três partes de Beckett, publicado pela primeira vez em francês em 1961. Conhecido por ser enigmático, o texto é escrito em versos sem pontuação e apresenta uma figura solitária em uma paisagem lamacenta que ouve vozes tanto dentro quanto fora de si.
[Imagem: Visão em tela cheia]
Na duração... Stephen Dillane em Como É, de Beckett. Fotografia: Grant Gee
Embora não faça parte da bienal de Dafoe, encaixa-se bem com a sensação prática e imersiva de seu programa. Este "evento de arte ao vivo", uma colaboração entre Gare St Lazare Ireland e Berggruen Arts & Culture, acontece no último andar do Palazzo Diedo. Dirigido por Judy Hegarty Lovett, com design do artista Michael Craig Martin, é estrelado por Stephen Dillane e Conor Lovett. "É um texto muito oral – funciona bem no palco", diz Hegarty Lovett. A Gare St Lazare trabalha nisso há dez anos, e no próximo ano encenarão Esperando Godot com Gary Oldman.
Com esta bienal, Dafoe completa o mandato mínimo de dois anos exigido de seu diretor artístico. A questão agora é se ele ficará por mais dois anos ou mais. Dado o programa deste ano, parece que ele está realmente no auge de sua forma. Fique de olho neste espaço vazio? A Bienal de Teatro de Veneza vai até 21 de junho. A viagem de Arifa Akbar foi fornecida pelo festival.
Perguntas Frequentes
Aqui está uma lista de perguntas frequentes sobre In
Perguntas de Nível Iniciante
1 O que exatamente é In na tabela periódica
Resposta In é o símbolo químico do Índio É um metal macio branco-prateado que é muito raro na crosta terrestre
2 O Índio é sólido líquido ou gasoso à temperatura ambiente
Resposta É um metal sólido mas muito macio tão macio que você pode cortá-lo com uma faca Também tem um ponto de fusão muito baixo para um metal
3 Onde o Índio é mais comumente encontrado
Resposta Não é encontrado como pepita pura Geralmente é um subproduto da mineração de outros metais como zinco chumbo e estanho Os maiores produtores são China Coreia do Sul e Canadá
4 Para que o Índio é usado na vida cotidiana
Resposta Você provavelmente o usa toda vez que toca em um smartphone ou tela de computador É um ingrediente chave no Óxido de Índio e Estanho que torna as telas sensíveis ao toque condutoras e transparentes
Perguntas Avançadas e Técnicas
5 Por que o Índio é tão importante para telas sensíveis ao toque e painéis solares
Resposta Quando você mistura Índio com Estanho obtém Óxido de Índio e Estanho Este material é tanto transparente quanto eletricamente condutor Também é usado em células solares de filme fino pela mesma razão
6 O Índio é tóxico ou perigoso de manusear
Resposta O metal Índio puro é geralmente considerado não tóxico e seguro de manusear No entanto alguns de seus compostos são tóxicos e podem causar danos pulmonares se inalados como poeira
7 Por que o Índio é tão caro e difícil de encontrar
Resposta Não é incrivelmente raro na crosta terrestre mas é disperso ou seja está espalhado em quantidades minúsculas É muito difícil de minerar economicamente por conta própria A oferta também é fortemente controlada por alguns países tornando os preços voláteis
