Kiedy Willem Dafoe objął stanowisko dyrektora artystycznego Biennale Teatru w Wenecji w zeszłym roku, ukształtował program wokół własnych zainteresowań. Wybrał eksperymentalne zespoły teatralne, które wpłynęły na niego jako młodego aktora, i wystąpił w dziwnej, dość sztywnej dwuosobowej sztuce Richarda Foremana, polegającej na czytaniu przypadkowych notatek z kart indeksowych. Całość sprawiała wrażenie mniej awangardowej, a bardziej nostalgicznej.
Na szczęście tegoroczna, 54. edycja jest zupełnie inna. Program Dafoe jest szeroki i otwarty na świat, z prawdziwą różnorodnością kulturową i interesującą mieszanką tradycji teatralnych. Linia programowa rozciąga się od Europy po Indonezję (w tym Pod wulkanem Yusriela Katila) i Indie (Taniec psot Sharmili Biswas). Spektakle takie jak Mugen Noh Otello Satoshiego Miyagiego, łączący teatr Noh z Szekspirem, oraz Krzyki Christosa Stergioglou i Aleksa Drakosa Ktistakisa, łączące teatr fizyczny z muzycznym opowiadaniem historii oraz współczesne tematy ze starożytnym dramatem greckim, pełne są śmiałej hybrydowości.
Jedyną sztywną rzeczą w tegorocznym programie jest jego tytuł, Alter Native, który – jak mówi Dafoe – odnosi się do „spotkań między kulturami – momentów, gdy to, co znajome, wchodzi z tobą w dialog i staje się katalizatorem przemiany”. Jeśli brzmi to górnolotnie i zagmatwanie na papierze, w praktyce niesie ze sobą realny cel.
Przez program Dafoe przewija się powracający motyw: dawanie głosu marginalizowanym i skupianie się na mniej znanych historiach. Emma Dante, ceniona sycylijska dramatopisarka, która tworzyła dzieła o wyrzutkach i outsiderach społecznych, otrzymuje w tym roku Złotego Lwa za całokształt twórczości, co samo w sobie staje się odważnym oświadczeniem.
Najnowsza produkcja Davide Iodice ucieleśnia to skupienie w najbardziej monumentalny sposób. Iodice to włoski dramaturg, który wcześniej realizował spektakle w szpitalu psychiatrycznym, więzieniu dla kobiet i schronisku dla bezdomnych. Jego nowe dzieło, Promemoria, jest z łatwością największym punktem tegorocznego programu.
Zabiera ono publiczność do wnętrza San Giobbe, domu opieki dla osób starszych w Wenecji. Przechodzimy przez jego korytarze i wchodzimy w interakcję z 21 mieszkańcami, którzy cierpią na pogorszenie funkcji poznawczych, chorobę Alzheimera lub nie są już w pełni samodzielni. Opiekunowie są przy nich, wraz z dziewięcioma aktorami występującymi wokół nich. Słuchamy ich historii i oglądamy, jak tańczą.
Spektakl jest efektem rocznego procesu warsztatowego i projektu o niezwykłej czułości – choć nie jest tak bezkompromisowy jak sztuka Alexandra Zeldina Opieka, rozgrywająca się w domu spokojnej starości, która obecnie grana jest w londyńskim Young Vic.
Zapytany o preferencję dla pogodnego i pełnego nadziei, Iodice mówi, że ból jest obecny w niewypowiedziany sposób: „To, co najbardziej uderzyło mnie w tych niezwykłych aktorach, to ich niesamowite przywiązanie do życia, silne pragnienie bycia jego częścią nawet w stanie skrajnej bezbronności – siła, która dodaje siły. Starałem się oddać hołd tej dobrej, łagodnej sile. Kruchość, ból, choroba, nagłe wypadki są obecne w każdym zakątku korytarza, w zapachach, w nieustannych dźwiękach pracującego sprzętu medycznego, w dzwonkach wzywających pomocy, w ciągłym ruchu lekarzy i pielęgniarek, w codziennym życiu tego miejsca. Jednak nawet w tym miejscu ludzkości udaje się wytrwale zachować swoje piękno, choćby szczątkowe. To właśnie to piękno zawsze mnie interesuje.”
Krzyki Stergioglou i Ktistakisa destylują głosy migrantów oraz tych zniewolonych lub przesiedlonych na przestrzeni wieków – od Hekuby po złupieniu Troi po dzień dzisiejszy. Spektakl prezentowany jest głównie poprzez śpiew i wystawiany przez sześcioosobowy zespół wykonawców na plenerowym miejscu Teatro Verde, które przypomina amfiteatr i znajduje się na wyspie oddzielonej od stałego lądu. Ożywa on w swojej najbardziej gniewnej piosence o tym doświadczeniu. Migranci, którzy niechętnie opuszczają swoje domy, często w rozpaczliwych okolicznościach, spotykają się na Zachodzie z wrogością i uprzedzeniami. „Musicie zrozumieć: nikt nie wsadza swoich dzieci na łódź, chyba że woda jest bezpieczniejsza niż ląd… nikt nie wybiera obozów dla uchodźców ani rewizji osobistych” – śpiewa jedna z wykonawczyń w utworze, który przeradza się w gwałtowny krzyk.
Miyagi daje głos marginalizowanej szekspirowskiej postaci w Mugen Noh Otello, które reinterpretuje sztukę, koncentrując się na Desdemonie, zamordowanej żonie Otella. Japoński artysta eksperymentalny, który wcześniej przerabiał kilka zachodnich klasyków, wykorzystuje rytuał teatru Mugen-Noh, sięgającego XIII wieku.
Miyagi wyjaśnia, że główna postać w Mugen-Noh jest zawsze duchem uwięzionym w powtarzającej się historii. Celem tego dramatycznego rytuału jest uwolnienie tej cierpiącej postaci z jej czyśćca, częściowo poprzez sam akt opowiadania historii: „Opowiadanie historii pomaga im rozwiązać ich udrękę”. Dla Miyagiego łączy to tradycję Noh z szekspirowskimi duchami i ich pragnieniem zemsty w sztukach takich jak Hamlet.
Rozpoznawalny chór Noh, z bębnami i perkusją, opowiada historię Otella, w tym jego bohaterskie czyny na wojnie. Jednak uwaga skupia się na duchu Desdemony – duchu wiecznie oburzonym tym, że została zabita przez oskarżającego ją męża za romans, którego nigdy nie miała. Ponieważ w oryginalnej sztuce Szekspira prawie się nie odzywa, ta przeróbka całkowicie przesuwa punkt ciężkości opowieści. Nie chodzi już o głęboko wadliwego bohatera wojennego i jego gwałtowną zazdrość, podsycaną przez przebiegłe sztuczki Jaga. Zamiast tego jest to opowieść o wiernej żonie i skrzywdzonym duchu, pochłoniętym poczuciem niesprawiedliwości i uwięzionym we własnej bolesnej historii. To ona, a nie Otello, staje się tragicznym sercem sztuki.
Miyagi nie jest jedynym, który przywraca zmarłych do życia. List do nieobecnych Dorcy’ego Rugamby jest adaptacją jego książki Hewa Rwanda, poświęconej jego rodzinie, która zginęła w ludobójstwie w Rwandzie w 1994 roku. Sugeruje on, że teatr jest medium, w którym zmarli mogą się odrodzić, i chciał przywrócić tych, którzy zginęli, w sposób niezdefiniowany przez ich morderców. „Ludobójstwo zabija ludzi dwukrotnie: najpierw zabija ciało, ale potem ich samo istnienie może zniknąć w sposobie, w jaki opowiada się ich historię. Jeśli spojrzeć na filmy i książki [o ludobójstwie], przemoc jest tak dramatyczna, że staje się historią mordercy. Dla mnie konieczne jest znalezienie sposobu, aby dać ofiarom ich pełną historię. Aby mogły stać się głównymi bohaterami opowieści i przestać być tylko cierpiącymi, widzianymi wyłącznie przez pryzmat okropnych okoliczności ich śmierci.”
Kilka dzieł ma elementy immersyjne. W spektaklu Iodice maksymalnie 30 widzów na przedstawienie przemieszcza się po pokojach i ogrodach domu. Stają się aktywnymi uczestnikami, zaproszonymi do warsztatu artystycznego, aby posłuchać, co stworzyli mieszkańcy, lub siadają z grupą starszych kobiet, które częstują herbatą i dzielą się wspomnieniami ze swojego dawnego życia zawodowego i rodzinnego.
Na mniejszą skalę jest Ragada Maria Banushiego, pierwsza część bezsłownej trylogii o stracie rodzinnej, pamięci i rytuałach pogrzebowych. Banushi, grecki dramaturg albańskiego pochodzenia, postrzegany jest przez wielu jako nowa twarz greckiego teatru i jest zdobywcą tegorocznego Srebrnego Lwa na biennale. Trylogia, zatytułowana Romance Familiare (która obok tej pierwszej części obejmuje Goodbye, Lindita i Taverna Miresia), jest pokazywana razem po raz pierwszy na festiwalu. Ragada rozgrywa się w czymś, co wygląda jak rodzinny salon, a widzowie siedzą w przestrzeni otaczającej pokój, niektórzy na podłodze obok aktorów. Byłem całkowicie pochłonięty intensywnym dramatem emocjonalnym rozgrywającym się w tak małej, intymnej przestrzeni.
Poza głównym programem znajduje się sześciogodzinny występ Jak to jest Samuela Becketta. Publiczność może go obejrzeć w całości lub robić przerwy w ciągu dnia. Jest to dosłowna inscenizacja trzyczęściowej powieści Becketta, opublikowanej po raz pierwszy po francusku w 1961 roku. Znany z zagadkowości tekst jest napisany wierszem bez interpunkcji i przedstawia samotną postać w błotnistym krajobrazie, która słyszy głosy zarówno wewnątrz, jak i na zewnątrz siebie.
[Obraz: Widok pełnoekranowy]
Na dobre i na złe… Stephen Dillane w Jak to jest Becketta. Fotografia: Grant Gee
Mimo że nie jest to część biennale Dafoe, dobrze wpisuje się w praktyczny, immersyjny charakter jego programu. To „wydarzenie sztuki na żywo”, będące współpracą Gare St Lazare Ireland i Berggruen Arts & Culture, odbywa się na najwyższym piętrze Palazzo Diedo. Wyreżyserowane przez Judy Hegarty Lovett, z pomocą projektową artysty Michaela Craiga Martina, występują w nim Stephen Dillane i Conor Lovett. „To bardzo ustny tekst – dobrze sprawdza się na scenie” – mówi Hegarty Lovett. Gare St Lazare pracuje nad tym od dziesięciu lat, a w przyszłym roku wystawią Czekając na Godota z Garym Oldmanem.
Z tym biennale Dafoe kończy minimalną dwuletnią kadencję wymaganą od dyrektora artystycznego. Pytanie brzmi teraz, czy zostanie na kolejne dwa lata lub dłużej. Sądząc po tegorocznym programie, wydaje się, że jest w doskonałej formie. Obserwować to puste miejsce? Biennale Teatru w Wenecji trwa do 21 czerwca. Podróż Arify Akbar została sfinansowana przez festiwal.
Często zadawane pytania
Oto lista często zadawanych pytań dotyczących In
Pytania dla początkujących
1 Czym dokładnie jest In w układzie okresowym
Odpowiedź In to symbol chemiczny indu Jest to miękki srebrzystobiały metal, który jest bardzo rzadki w skorupie ziemskiej
2 Czy ind jest ciałem stałym, cieczą czy gazem w temperaturze pokojowej
Odpowiedź Jest stałym metalem, ale bardzo miękkim – tak miękkim, że można go ciąć nożem Ma również bardzo niską temperaturę topnienia jak na metal
3 Gdzie najczęściej występuje ind
Odpowiedź Nie występuje w postaci czystej bryłki Zwykle jest produktem ubocznym wydobycia innych metali, takich jak cynk, ołów i cyna Największymi producentami są Chiny, Korea Południowa i Kanada
4 Do czego ind jest używany w życiu codziennym
Odpowiedź Prawdopodobnie używasz go za każdym razem, gdy dotykasz smartfona lub ekranu komputera Jest kluczowym składnikiem tlenku indu i cyny, który sprawia, że ekrany dotykowe są przewodzące i przezroczyste
Zaawansowane pytania techniczne
5 Dlaczego ind jest tak ważny dla ekranów dotykowych i paneli słonecznych
Odpowiedź Kiedy zmieszasz ind z cyną, otrzymujesz tlenek indu i cyny Materiał ten jest zarówno przezroczysty, jak i przewodzący elektrycznie Z tego samego powodu jest również używany w cienkowarstwowych ogniwach słonecznych
6 Czy ind jest toksyczny lub niebezpieczny w obsłudze
Odpowiedź Czysty metaliczny ind jest ogólnie uważany za nietoksyczny i bezpieczny w obsłudze Jednak niektóre jego związki są toksyczne i mogą powodować uszkodzenie płuc w przypadku wdychania pyłu
7 Dlaczego ind jest tak drogi i trudny do znalezienia
Odpowiedź Nie chodzi o to, że jest niewiarygodnie rzadki w skorupie ziemskiej, ale jest rozproszony – co oznacza, że występuje w niewielkich ilościach Bardzo trudno go wydobywać ekonomicznie samodzielnie Podaż jest również silnie kontrolowana przez kilka krajów, co powoduje zmienność cen
