En quête de réalisme, Timothée Chalamet savait ce que la scène exigeait. « Je me mets vraiment dans le visage du type et j'essaie vraiment de le mettre en colère contre moi », s'est récemment rappelé l'acteur principal à propos du tournage de Marty Supreme de Josh Safdie. « Je disais à Josh : "Il ne se met pas en colère contre moi, il ne se met pas en colère contre moi." »
Mais il s'est avéré que le figurant non nommé avait été attentif. Chalamet a ajouté : « J'ai fait une autre prise, et puis le type a dit : "Je viens de passer 30 ans en prison. Tu ne veux vraiment pas m'emmerder. Tu ne veux pas me voir en colère." J'ai dit à Josh : "Putain, en face de qui tu m'as mis, mec ?" »
La réponse était que Safdie avait engagé un non-acteur – l'un des nombreux qui ont des rôles dans Marty Supreme, un hommage fictif au joueur de tennis de table du milieu du XXe siècle Marty Reisman. De même, Paul Thomas Anderson a utilisé des personnes sans expérience préalable de jeu pour son thriller d'action comique One Battle After Another.
Safdie et Anderson s'inscrivent dans une longue tradition de réalisateurs utilisant des non-professionnels pour atteindre un niveau d'authenticité basé sur l'expérience vécue et la présence physique plutôt que sur la technique théâtrale. Cela a couvert tout le spectre, du cinéma soviétique précoce et du néoréalisme italien à une apparition fugace de Donald Trump dans Home Alone 2.
One Battle After Another compte de nombreuses têtes d'affiche – Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Benicio Del Toro, Teyana Taylor – mais aussi un caméo frappant de James Raterman, un agent spécial à la retraite du Secret Service et du Département des enquêtes de sécurité intérieure. Raterman a été repéré par Anderson après avoir participé à The Trade, une série documentaire sur la crise des opioïdes et la traite des êtres humains.
Malgré son manque d'expérience de jeu, il s'est entièrement investi dans le rôle du colonel Danvers. « C'est un travail et il faut y travailler », déclare Raterman au téléphone depuis Columbus, dans l'Ohio. « Le bon côté avec moi et Paul, c'est qu'il est tellement collaboratif. Il m'a permis, avec les autres acteurs, de l'improviser.
« C'est l'un des meilleurs conseils de jeu que j'ai reçus et je l'ai reçu de M. Anderson. Il a dit : Jim, quand tu lis le scénario, ne fais pas attention aux mots sur la page ; fais attention à ce que j'ai besoin que tu fasses à ce moment précis. Honnêtement, j'aurais probablement pu aller à l'école de cinéma et étudier pendant des années et des années et peut-être recevoir le même conseil, mais venant de quelqu'un comme Paul Thomas Anderson, cela te met dans un état d'esprit différent. »
Raterman n'a que des éloges pour la façon dont les acteurs professionnels de One Battle After Another l'ont accueilli dans leur cercle. « Ce sont des acteurs incroyables de premier plan qui n'ont aucun problème à te prendre sous leur aile et à te traiter comme un membre de la famille et à vouloir que tu t'élèves de telle manière que tout le projet s'élève.
« Tu ne t'es jamais senti comme un étranger, tu ne te sens jamais comme un intrus et cela a commencé au sommet. Cela a commencé avec Paul Thomas Anderson et c'est comme ça qu'il est, donc tout le monde suit son exemple. Je ne sais pas si tout le monde a la même expérience, mais ils m'ont traité comme un membre de la famille dès le premier jour et même encore aujourd'hui. C'était une expérience incroyable, amusante, agréable. Nous avons ri, nous avons créé des liens, nous nous sommes fait des amitiés incroyables. »
One Battle After Another met également en scène Paul Grimstad, un musicien, écrivain et professeur de sciences humaines à l'Université de Yale. Pendant des années, il a évité le travail devant la caméra après un premier rôle dans le film indépendant de son colocataire Ronald Bronstein, Frownland. Mais ensuite, Bronstein a transmis le nom de Grimstad à la directrice de casting Cassandra Kulukundis, qui a immédiatement vu une adéquation naturelle avec le personnage de Howard Sommerville.
Grimstad, 52 ans, a déclaré au journal New York Times que « jouer était incroyablement amusant » et a dit que ses années en tant que conférencier universitaire l'avaient aidé à se préparer pour le rôle. Le conférencier était une préparation idéale. « Il y a un élément de performance verbale dans l'enseignement. Je ne parle pas d'un showmanship exagéré, mais d'une certaine façon de donner vie à un livre. »
Grimstad apparaît également dans Marty Supreme, un film principalement situé à New York au début des années 1950. La distribution comprend des non-acteurs tels que le magnat de la grande distribution John Catsimatidis, les anciens joueurs de basket George Gervin et Tracy McGrady, l'essayiste et romancier Pico Iyer, le dramaturge David Mamet, le créateur de mode Isaac Mizrahi, le régulier de Shark Tank Kevin O'Leary, et le funambule français Philippe Petit.
Catsimatidis, 77 ans, déclare : « Josh Safdie dit qu'il m'a rencontré ou m'a vu quand je me présentais à la mairie en 2013 et que j'étais ce qu'on appelle un personnage new-yorkais, et il cherchait des personnages. Étant un personnage new-yorkais, je suppose que je remplis les conditions. Les répliques que j'ai utilisées sont des choses que je fais dans la vraie vie, donc je ne jouais pas : c'était moi. »
Il réfléchit : « J'ai aimé ça. Ils m'ont fait travailler jusqu'à minuit. Ils ont fait une scène 20 fois. Josh Safdie était un grand réalisateur. C'est un perfectionniste, et j'apprécie quelqu'un qui veut la perfection. »
Petit, qui a marché sur un fil entre les tours jumelles du World Trade Center à New York en 1974, déclare : « Beaucoup de réalisateurs sont intéressés par ce que j'appellerais la fraîcheur des non-acteurs. Très souvent, quand on prend un non-acteur au lieu d'une star de cinéma pour un film, ce non-acteur n'a pas la formation, et une partie de cela pourrait être négative. Mais j'aime aussi beaucoup qu'un parfait débutant fasse quelque chose d'important. C'est parfois une révélation. »
McGrady, 46 ans, qui a joué pour des équipes dont les Orlando Magic et les Houston Rockets, ajoute par e-mail : « Je pense que nous apportons quelque chose de réel. Il y a une authenticité qui vient des personnes qui ont vécu une vie différente et apportent cette énergie naturellement. Pour moi, je suis juste moi-même et j'apporte ma propre expérience au rôle. Parfois, cette crudité ajoute quelque chose de spécial (je l'espère). »
Gervin, 73 ans, un ancien joueur des San Antonio Spurs surnommé « l'homme de glace », déclare : « J'ai rencontré Josh, le réalisateur, il y a quelques années à un salon de cartes. Nous nous sommes serré la main et avons parlé, et la chose suivante que je sais, c'est que je reçois un appel du studio que Josh aimerait que je joue un rôle dans le film. »
Gervin joue Lawrence, le propriétaire d'un salon de tennis de table à Midtown Manhattan. Il dit de Safdie : « Il est très prudent dans ses choix. Il a dit : "Quand j'ai rencontré George Gervin, George était si chaleureux qu'il m'a fait sentir qu'il pourrait diriger un orphelinat." Il sait que j'ai deux écoles à charte, donc je suis avec des enfants tout le temps et je les éduque. A-t-il pris un risque ? Probablement, mais il contrôlait ce qui entrait et ce qui sortait, et je suis content qu'il ait eu ce genre de confiance en moi. »
Gervin a constaté que le tournage impliquait de longues heures. « Je suis arrivé sur le plateau à trois heures de l'après-midi et je n'ai pas fini avant environ quatre heures du matin. Je n'étais pas habitué à ce genre d'endurance, mais cela ne m'a pris qu'un jour pour faire le petit rôle que j'avais dans le film. Tu as un respect différent pour quelqu'un comme Timothée, qui est le personnage principal, et il est resté debout 12 heures avec moi. Il faut être mentalement et physiquement fort pour accomplir ce qu'il a fait. Je suis vraiment impressionné par ce qui entre dans la fabrication des films. »
Safdie envisageait le club de Lawrence comme un endroit sûr pour les marginaux, ce qui a donné à la directrice de casting Jennifer Venditti l'opportunité d'étudier des photographies des années 1950 et de raconter son histoire à travers les visages. Son travail sur Marty Supreme a été présélectionné pour la nouvelle catégorie des Oscars du meilleur casting.
Venditti, qui a commencé le casting de rue il y a 25 ans dans l'industrie de la mode, est une collaboratrice de longue date avec Josh Safdie et son frère cinéaste, Benny. Elle a choisi l'ancien joueur de basket Kevin Garnett pour jouer son propre rôle dans le thriller criminel des Safdie de 2019, Uncut Gems.
Elle déclare au téléphone : « L'une de nos signatures est cette idée que nous cherchons à recréer le cinéma de la vie. Parfois, nous... J'aime les acteurs et les personnages, mais parfois dans le bassin d'acteurs, nous ne pouvons pas trouver la texture spécifique nécessaire pour construire l'authenticité du monde que nous explorons. Venditti ajoute : « Nous essayons toujours de créer cette alchimie entre des acteurs incroyables qui savent où va une scène et ces personnes sauvages, non formées qui peuvent ajouter de la texture et du mystère parce qu'elles ne savent pas où va la scène. C'est la tension entre ces deux choses qui crée l'excitation dans les films de Josh. C'est ainsi que nous voyons le monde et comment nous voulons le voir à l'écran. »
Comment les acteurs établis réagissent-ils généralement ? « Au début, si tu es un acteur très formé, cela peut être alarmant – comme, attends, cette personne ne suit pas les règles ou me coupe la parole. Mais Josh est un réalisateur tellement incroyable qui crée un environnement si sûr qu'ils lui font confiance, et ils réalisent alors que ce genre de sauvagerie améliore en fait leur performance. »
Le processus fonctionne dans les deux sens, note Venditti. « Le partenaire de scène rend ces vraies personnes bonnes. Timothée est dans chaque scène, se présentant avec son dévouement, sa concentration et son niveau de maîtrise. Ils deviennent si bons parce qu'ils sont dans une scène avec quelqu'un qui exige cela d'eux, et ils s'élèvent pour se rencontrer mutuellement. »
L'utilisation de non-acteurs remonte aux premiers films soviétiques comme Le Cuirassé Potemkine et Octobre de Sergei Eisenstein dans les années 1920. Les films néoréalistes italiens comme Le Voleur de bicyclette de Vittorio De Sica utilisaient fréquemment des non-acteurs pour représenter la classe ouvrière, doublant souvent leurs dialogues avec des acteurs vocaux professionnels en post-production pour assurer la clarté et le contrôle émotionnel.
Des exemples notables aux États-Unis et au Royaume-Uni incluent Les Plus Belles Années de notre vie, avec Harold Russell, un vétéran de la Seconde Guerre mondiale qui a perdu les deux mains ; La Déchirure avec Haing S. Ngor, un médecin cambodgien et survivant du génocide sans expérience de jeu ; et Vol 93, dans lequel de vrais membres d'équipage, contrôleurs aériens et personnel militaire ont joué leur propre rôle.
Catherine O'Rawe, auteure de The Non-Professional Actor: Italian Neorealist Cinema and Beyond et professeure de cinéma et de culture italienne à l'Université de Bristol, déclare : « Le non-professionnel est une figure tellement intéressante. Cela nous oblige à regarder la question de savoir ce qu'est le jeu, ce qu'est la performance. Est-ce juste se lever et dire une réplique ? Qu'est-ce qu'un bon jeu apporte ? Certains des non-acteurs dans les films italiens d'après-guerre n'étaient pas nécessairement ce que nous considérerions comme des acteurs brillants mais avaient un visage incroyable que le réalisateur aimait. »
Mais la pratique a également été controversée. Victoire Thivisol, quatre ans, a remporté le prix de la meilleure actrice à la Mostra de Venise en 1996 pour son rôle dans Ponette, un film sur un enfant qui a perdu sa mère. O'Rawe déclare : « Sa performance était si touchante qu'elle a remporté ce prix. Le réalisateur l'a récupéré en son nom et a été hué par les critiques et le public parce que cela était considéré comme un affront à la profession : si un enfant de quatre ans peut faire cela, alors à quoi vaut le métier de jeu ? »
En 2018, Yalitza Aparicio a fait ses débuts d'actrice dans le drame d'Alfonso Cuarón Roma, obtenant une nomination aux Oscars pour la meilleure actrice. O'Rawe commente : « C'était une non-actrice totale, et cela a été une source de grande fascination dans la presse. Mais parfois, les gens sont un peu mal à l'aise que quelqu'un sans formation puisse être nommé pour des prix parce que, pour les acteurs professionnels, cela peut donner l'impression : "Pourquoi avons-nous passé notre vie à nous former et à étudier la performance si quelqu'un peut simplement descendre de la rue et gagner un Oscar ?" »
Cependant, ces stars accidentelles trouvent souvent impossible de construire une carrière durable. Elles peuvent être propulsées sous les projecteurs aux Oscars, pour se retrouver sans filet de sécurité une fois le cycle de production terminé. L'industrie peut tomber amoureuse d'un visage « non gâté » pour un seul projet, mais elle offre rarement l'infrastructure ou le soutien continu nécessaires pour une carrière soutenue. O'Rawe observe : « Ces débats ont refait surface à différentes époques, mais il y a toujours cette tension sous-jacente – à la fois un sentiment de ressentiment et la réalité que l'industrie pourrait embrasser quelqu'un brièvement, mais ne le soutiendra pas.
Nous avons vu tant de cas où des acteurs, après un moment de percée – parfois même après avoir remporté un prix – se retrouvent incapables de trouver du travail parce qu'ils manquent de formation formelle, n'ont pas de relations dans l'industrie cinématographique, ou n'ont pas d'agents ou de managers pour les soutenir. Il peut être incroyablement difficile de construire ou de maintenir une carrière durable. »
Foire Aux Questions
FAQ Je ne jouais pas, c'était moi : Des personnes réelles volent la vedette
Q1 Que signifie même « Je ne jouais pas, c'était moi » ?
R C'est une phrase mettant en lumière lorsque des non-acteurs livrent des performances si authentiques et puissantes dans des films ou des émissions de télévision qu'ils deviennent des prétendants majeurs aux prix, rivalisant souvent avec des acteurs professionnels formés.
Q2 Pourquoi cela arrive-t-il autant cette saison des prix ?
R Quelques raisons clés : 1) Les services de streaming et les studios investissent dans des histoires audacieuses basées sur la réalité. 2) Les directeurs de casting recherchent une authenticité ultime pour des rôles spécifiques. 3) Le public et les critiques réagissent fortement à ces performances brutes, non filtrées.
Q3 N'est-il pas plus facile de simplement jouer son propre rôle ? Pourquoi est-ce un gros problème ?
R C'est souvent plus difficile. Revivre des expériences personnelles traumatisantes ou intenses devant la caméra nécessite une immense vulnérabilité émotionnelle. Ils manquent également de formation de jeu formelle sur laquelle s'appuy
