**Fall**
*Fall*, el thriller psicológico de 2022 de Scott Mann, es la única película que he tenido que pausar solo para que se me calmaran los nervios. Su genialidad reside en su simplicidad. Después de que el marido de Becky, Dan, muere repentinamente en un accidente de escalada, dejándola traumatizada y suicida, su amiga aventurera, Hunter, la convence para que enfrente sus miedos mediante una audaz escalada. Su objetivo es una torre de televisión fuera de servicio en el desierto de California, casi el doble de alta que la Torre Eiffel. Pero cuando la escalera que usaron se desploma, dejándolas varadas en una pequeña plataforma en la cima, se encuentran en una situación desesperada. La película ofrece una escena tensa y sudorosa tras otra, pero también profundiza en la compleja amistad entre Hunter y Becky, explorando cómo Becky redescubre lentamente su fuerza interior. Con noticias de una posible franquicia en desarrollo, no puedo esperar a la siguiente entrega para que mi adrenalina vuelva a bombear.
**Gaslight**
Solo un thriller ha causado tal impacto que su título se convirtió en un término común para la manipulación psicológica. Y nadie lo hace mejor que el personaje de Charles Boyer, Gregory, en *Gaslight*. Ambientada en el Londres victoriano, Gregory lleva a su nueva esposa, Paula (Ingrid Bergman), a una gran casa adosada donde su tía fue asesinada, un caso aún sin resolver. Allí, intenta metódicamente convencerla de que se está volviendo loca. Incluso después de 80 años, la película de combustión lenta de George Cukor sigue siendo intensamente frustrante, gracias a la actuación ganadora del Oscar de Bergman; ella retrata fuerza incluso mientras su personaje se desmorona. Nunca he visto *Gaslight* en un cine, y no estoy segura de poder hacerlo: mi último visionado me dejó tan perturbada que tuve que pausar cada diez minutos para caminar por mi apartamento. Asegúrate de tener tu consuelo de elección cerca cuando veas esta.
**The Vanishing (El desaparecido / Spoorloos)**
Olvida *The Ring*, *The Exorcist* o *127 Hours*: la película que realmente me sacudió fue *The Vanishing*, un sutil thriller holandés de 1988. Su poder y efecto perturbador se han visto algo eclipsados por el posterior remake hollywoodense del director con un final completamente diferente. La vi cuando se estrenó, sin conocimiento previo, como era común antes de internet. Sin revelar el clímax, la historia sigue a un hombre cuya novia desaparece en una gasolinera. Años después, conoce a alguien que se ofrece a revelar su destino si se toma una pastilla para dormir. Cuando se despierta y enciende su encendedor, yo, junto con toda la audiencia, perdí completamente el control. Normalmente no bebo, pero me tomó varios whiskys en el bar del cine para calmar mis nervios después.
**Uncut Gems**
Escuché sobre *Uncut Gems* por primera vez en Twitter, ese centro para ansiosos scrollers que buscan su próxima dosis de drama. Incluso después de leer innumerables tuits elogiando la tensión implacable de la película, todavía me pilló desprevenida la abrumadora ansiedad de la obra maestra de 2019 de los hermanos Safdie. En solo los primeros diez minutos (que Netflix destacó como prueba de que podría ser la película más estresante de la historia), el comerciante de diamantes Howard Ratner (Adam Sandler) se somete a una colonoscopia, hace una apuesta arriesgada, es confrontado por matones por una deuda de $100,000 y le grita a su prestamista como si fuera una negociación. Un personaje destroza irracionalmente un vestido y empeña un artículo de The Weeknd por $23,500, y aun así ese es el momento menos tenso de la película. El resto es un descenso implacable hacia malas decisiones, apuestas desesperadas, engaños de alto riesgo y el comportamiento persistentemente agresivo de Howie. Mis niveles de estrés se han visto afectados permanentemente. - Adrian Horton
**Full Time (A Tiempo Completo)**
Si los sonidos cotidianos como un despertador o el cierre de las puertas del tren desencadenan tu ansiedad, quizás quieras andar con cuidado con este relatable thriller urbano. Laure Calamy ofrece una actuación destacada como Julie, una madre soltera que apenas puede con todo, agudamente consciente de cada desafío que enfrenta. Su vida gira en torno a una rutina muy ajustada: llevar a los niños al colegio, tomar el tren a su trabajo de limpieza en la ciudad, todo mientras depende de sus magros ingresos y la pensión alimenticia. Pero todo se desmorona: los pagos se retrasan, su niñera renuncia y una huelga detiene todos los trenes justo cuando consigue una entrevista para un trabajo que podría cambiar su vida. El director Éric Gravel sumerge a la audiencia en el caos de Julie, usando una frenética banda sonora electrónica y un inquietante ruido de fondo para reflejar su desesperada carrera contra el tiempo. - Pamela Hutchinson
**Her Smell (Su Olor)**
En la apertura del intenso pero finalmente edificante drama rockero de Alex Ross Perry, Elisabeth Moss como la problemática cantante Becky Something irrumpe en una zona backstage, arremetiendo contra todos en una crisis mental inducida por las drogas. Es una escena desgarradora que te hace anhelar una ruta de escape, pero no la hay. Nos vemos forzados a presenciar cómo toca fondo. La película luego ofrece momentos de redención y ternura, pero esos minutos iniciales son casi insoportables. Lo que lo hace brillante es cómo Perry evita alienar completamente a la audiencia, y Moss, en su mejor papel, revela vislumbres de vulnerabilidad bajo el exterior destructivo de Becky. Es una película dura de ver, pero finalmente gratificante, sirviendo como una metáfora conmovedora sobre amar a alguien que lucha contra la adicción. - Richard Lawson
**Baby Boy**
No importa cuántas películas de Rápidos y Furiosos protagonice Tyrese Gibson o qué proyectos paralelos persiga, para muchos de nosotros, él siempre será Jody de la película de 2001 *Baby Boy*. Jody es un joven inmaduro con poca autoconciencia, que dice amar a su novia Yvette (Taraji P. Henson) mientras aún persigue a otras mujeres. Le molesta el nuevo novio de su madre (Ving Rhames) aunque, a los 20 años, no tiene derecho a seguir viviendo en casa. Actúa duro pero se desmorona cuando se enfrenta a una amenaza real como Rodney (Snoop Dogg). Comercializada como una historia de crecimiento, la película en cambio muestra a Jody siendo asustado para cambiar en lugar de madurar por sí mismo. El director John Singleton captura el ego inquebrantable de los aspirantes a gánsteres, haciendo de *Baby Boy* una visión incómoda pero perspicaz. - Andrew Lawrence
**Clockwise**
¿Por qué *Clockwise* —la impecable comedia de Michael Frayn con John Cleese como un director de escuela que corre para dar un discurso en Norwich— no es más agotadora de ver? Explora una pesadilla común de que las cosas salgan mal, pero Cleese carga con el estrés por la audiencia. Su personaje, Brian Stimpson, surgió seis años después de Basil Fawlty y, a pesar de algunas similitudes, es una figura relatable y creíble: un mártir tratando de mantener el orden en un mundo caótico. Bajo su bigote severo, el hombre intenta acallar sus propios arrebatos, un alma bienintencionada que cae víctima no solo de su propia agresiva eficiencia, sino de circunstancias beyond su control. Cleese ofrece una actuación sorprendentemente matizada y brillante. Ahora estoy convencido de que Daniel Day-Lewis tomó prestado el tono de su discurso del "batido" en *There Will Be Blood* del colapso final de Stimpson.
Un reconocimiento también para Penelope Wilton, que soporta tensiones sutiles como una víctima de secuestro llorosa atrapada en un coche en un campo, y para Alison Steadman y Geoffrey Palmer, ambos luchando a veces para manejar a tres ancianas con demencia. El cambio gradual de Palmer de la paciencia estoica a la casi histeria es particularmente magistral. Y elogios a las actrices que interpretan a esas mujeres: Constance Chapman, que solo quiere encontrar un baño o un hospital; Joan Hickson, relatando sin fin una disputa por copas de jerez; y la encantadora Ann Way, que se mantiene alegre pase lo que pase. Había olvidado el momento en que Steadman lidia con una mujer enfadada en la puerta de su casa suburbana, y Way aparece para preguntar: "¿Podemos visitar la casa? ¿Está abierta hoy?". Nunca olvidaré su alegre canto de "This Is My Lovely Day" sobre el accidente automovilístico climático. *Clockwise* convierte el estrés en algo elegante: una crisis de nervios realmente infravalorada.
Catherine Shoard
**Good Time**
Antes de separarse, los hermanos Safdie (Benny y Josh) se hicieron conocidos por películas que evocan pánico y ansiedad, centrándose en personajes atrapados por sus propias elecciones destructivas. Su thriller de apuestas de alto riesgo *Uncut Gems* es la entrada más llamativa y entretenida, gracias a su estilo, humor y la presencia de Adam Sandler. Pero *Good Time*, con un valiente y excelente Robert Pattinson como Connie, un criminal de poca monta, es la que realmente se te mete bajo la piel. Los planes de Connie —robar un banco, estafar a traficantes de drogas— son todos intentos desesperados por mantener a su hermano con discapacidad intelectual (interpretado por el codirector Benny) fuera de instituciones o la cárcel. Simpatizamos con Connie, pero lo que hace que *Good Time* sea tan tensa e inquietante es cómo explota esa simpatía. Suplica y negocia, a veces con educación, siempre enmascarando su sentido de derecho con desesperación. En este retrato perturbador de tocar fondo, las luchas de Connie eclipsan las dificultades de los personajes negros a su alrededor, a quienes victimiza o usa como chivos expiatorios, aferrándose a su privilegio blanco cuando no le queda nada más.
Radheyan Simonpillai
**Punch-Drunk Love**
Mirando atrás, está claro que Paul Thomas Anderson en realidad no disfruta atormentando a sus personajes —más de sus películas terminan con una nota esperanzadora que no. Pero en 2002, con menos películas en su haber, eso no era tan obvio. Su comedia romántica *Punch-Drunk Love* capta expertamente la sensación de una pesadilla despierto o un ataque de pánico creciente. Durante mi primer visionado, la vi con los puños apretados y sudorosos, temiendo que algo terrible le pasara a Barry Egan (Adam Sandler), el héroe tímido pero volátil, o a Lena Leonard (Emily Watson), su improbable interés romántico. Anderson usa la capacidad de Sandler para la violencia —usualmente usada para risas en sus comedias— como una amenaza latente constante. No es que realmente temas que le haga daño a Lena, sino que podría descontrolarse sin la red de seguridad de una típica película Sandler feel-good. A pesar de esta tensión, la película sigue siendo frecuentemente divertida e incluso romántica: un acto de equilibrismo que aún funciona como comedia romántica. Los visionados repetidos, una vez que sabes hacia dónde va, se sienten diferentes. Pero esa primera vez en 2002 fue una experiencia única. Sandler, por supuesto, luego protagonizaría la desquiciante *Uncut Gems*, que estoy segura de que alguien más ha elegido para esta lista. ¿Quién lo hubiera pensado? ¿Quién hubiera pensado que el tipo detrás de la Canción de Janucá se convertiría en tal maestro de la tensión cinematográfica? Jesse Hassenger reflexiona sobre esto en su artículo, "Guardian writers on their ultimate feelgood movies: 'Radical in its own way'".
Recuerdo que fui a una cita para ver la película ganadora de la Palma de Oro de Cristian Mungiu, "4 Months, 3 Weeks and 2 Days". Solo tenía una vaga idea de la trama, pero la elegí para impresionar a un académico mayor algo pretencioso pero muy guapo, fingiendo que no me interesaba en absoluto ver "Alien vs Predator: Requiem" en su lugar. Antes de que comenzara la película, estábamos tomados de la mano en la oscuridad, completamente inconscientes de lo que venía. Luego comenzó con un tic-tac de reloj y un sangrado de nariz, y nos sumergimos en la intensidad.
Lo que esperaba que fuera un drama art-house reflexivo se convirtió gradualmente en uno de los thrillers más absorbentes e inquietantes que he visto. Su crudo realismo lo hizo aún más difícil de ver. La historia sigue a una joven, Otilia, mientras ayuda a su amiga Găbița a conseguir un aborto ilegal en la Rumanía de los 80, con cada paso de su peligroso viaje lleno de suspense. Si bien la escena del aborto en sí es desgarradora, fue el desenlace lo que realmente me afectó. Otilia deja a Găbița sola en la habitación del hotel para que se recupere bajo las duras instrucciones del abortista y debe sentarse a una cena trivial con la familia de su novio, con la mente acelerada por el miedo. Fue entonces cuando noté que mis palmas sudaban, e incómodamente, también las de mi cita, quien gentilmente retiró su mano para secársela. Benjamin Lee
Preguntas Frecuentes
Por supuesto. Aquí tienes una lista de Preguntas Frecuentes útiles y claras sobre los críticos de Guardian y las películas que los llevaron al límite de su resistencia.
Preguntas Generales Para Principiantes
1. ¿Qué significa "llevado al límite de la resistencia" en este contexto?
Significa que la película fue tan intensa, perturbadora, emocionalmente agotadora o gráficamente desafiante que el crítico encontró difícil sentarse a verla, incluso como parte de su trabajo.
2. ¿Por qué un crítico de cine vería películas tan difíciles de soportar?
Es su trabajo experimentar y reseñar todo el espectro del cine, incluidas las películas diseñadas para provocar reacciones fuertes e incómodas. Las ven para que el público pueda tomar una decisión informada.
3. ¿Estas películas que ponen a prueba la resistencia son solo películas de terror sangrientas?
No siempre. Si bien algunas son gráficamente violentas, otras son emocionalmente devastadoras, psicológicamente inquietantes o presentan un ritmo lento y monótono que prueba la paciencia del espectador.
4. ¿Puedes darme un ejemplo de una película mencionada?
Sí, un ejemplo comúnmente citado es *Requiem for a Dream*, conocida por su desgarradora y descarnada representación de la adicción que deja a los espectadores emocionalmente destrozados.
5. ¿Hay algún valor en ver estas películas difíciles?
Muchos críticos y espectadores argumentan que sí. Estas películas pueden ofrecer poderosos comentarios sociales, evocar una profunda empatía y proporcionar una experiencia cinematográfica que es memorable y reflexiva, incluso si no es disfrutable en el sentido tradicional.
Preguntas Profundas Avanzadas
6. ¿Cuál es la diferencia entre que una película sea desafiante y que simplemente sea mala?
Una película desafiante utiliza su contenido difícil con intención artística para provocar una respuesta reflexiva específica. Una mala película puede ser desagradable debido a una ejecución deficiente, mala actuación o una historia débil sin ningún propósito más profundo.
7. ¿Los críticos tienen estrategias para sobrellevar este tipo de películas?
Sí, algunas estrategias comunes incluyen tomar descansos cortos, ver con un amigo para descomprimir después y enmarcar mentalmente la experiencia como un análisis de la artesanía del cineasta en lugar de solo un visionado pasivo.
8. ¿Cómo afectan los sesgos personales a la resistencia de un crítico?
Cada persona tiene umbrales diferentes. Las propias experiencias vitales, miedos y sensibilidades de un crítico influirán enormemente en qué películas encuentra más desafiantes. Uno
