**Fall**
*Fall*, le thriller psychologique de Scott Mann sorti en 2022, est le seul film que j'aie jamais dû mettre en pause juste pour laisser mes nerfs se calmer. Son génie réside dans sa simplicité. Après que le mari de Becky, Dan, meurt subitement dans un accident d'escalade, la laissant traumatisée et suicidaire, son amie avide de sensations fortes, Hunter, la persuade d'affronter ses peurs en entreprenant une ascension audacieuse. Leur objectif est un ancien pylône de télévision dans le désert californien, presque deux fois plus haut que la tour Eiffel. Mais lorsque l'échelle qu'elles ont utilisée s'effondre, les piégeant sur une petite plateforme au sommet, elles se retrouvent dans une situation désespérée. Le film enchaîne les scènes tendues à vous faire transpirer les mains, tout en explorant en profondeur l'amitié complexe entre Hunter et Becky, montrant comment Becky redécouvre peu à peu sa force intérieure. Avec les nouvelles d'une franchise potentielle en préparation, j'attends avec impatience le prochain volet pour faire à nouveau monter mon adrénaline.
**Gaslight**
Un seul thriller a eu un tel impact que son titre est devenu un terme courant pour désigner la manipulation psychologique. Et personne ne le fait mieux que le personnage de Charles Boyer, Gregory, dans *Gaslight*. Situé dans le Londres victorien, Gregory installe sa nouvelle épouse, Paula (Ingrid Bergman), dans un grand hôtel particulier où sa tante a été assassinée — une affaire jamais résolue. Là, il tente méthodiquement de la convaincre qu'elle perd la raison. Même après 80 ans, le film à suspense de George Cukor reste intensément frustrant, grâce à la performance oscarisée de Bergman ; elle dépeint la force même alors que son personnage se défait. Je n'ai jamais vu *Gaslight* au cinéma, et je ne suis pas sûr de pouvoir le supporter — ma dernière visionnage m'a tellement perturbé que je devais faire une pause toutes les dix minutes pour marcher dans mon appartement. Assurez-vous d'avoir votre réconfort à portée de main lorsque vous regarderez celui-ci.
**The Vanishing**
Oubliez *The Ring*, *The Exorcist* ou *127 Hours* — le film qui m'a vraiment secoué est *The Vanishing*, un subtil thriller néerlandais de 1988. Sa puissance et son effet perturbateur ont été quelque peu éclipsés par le remake hollywoodien ultérieur du réalisateur avec une fin complètement différente. Je l'ai vu à sa sortie, sans aucune connaissance préalable, comme c'était courant avant Internet. Sans révéler le climax, l'histoire suit un homme dont la petite amie disparaît dans une station-service. Des années plus tard, il rencontre quelqu'un qui propose de lui révéler son sort s'il prend un somnifère. Quand il se réveille et allume son briquet, moi — ainsi que tout le public — avons complètement perdu les pédales. Je ne bois généralement pas, mais il a fallu plusieurs whiskies au bar du cinéma pour calmer mes nerfs ensuite.
**Uncut Gems**
J'ai d'abord entendu parler d'*Uncut Gems* sur Twitter, ce centre névralgique pour les défileurs anxieux en quête de leur prochaine dose de drame. Même après avoir lu d'innombrables tweets faisant l'éloge de la tension incessante du film, j'ai été pris au dépourvu par l'anxiété écrasante du chef-d'œuvre de 2019 des frères Safdie. Rien que dans les dix premières minutes (que Netflix a mises en avant comme preuve que c'est peut-être le film le plus stressant jamais réalisé), le marchand de diamants Howard Ratner (Adam Sandler) subit une coloscopie, place un pari risqué, est confronté à des voyous pour une dette de 100 000 dollars et crie sur son prêteur comme s'il s'agissait d'une négociation. Un personnage détruit irrationnellement une robe et met en gage un objet de The Weeknd pour 23 500 dollars, mais c'est le moment le moins tendu du film. Le reste est une descente incessante dans les mauvaises décisions, les paris désespérés, les tromperies à haut risque et le comportement constamment agressif de Howie. Mon niveau de stress en a été affecté de façon permanente. - Adrian Horton
**Full Time**
Si les bruits du quotidien comme une alarme matinale ou la fermeture des portes du train déclenchent votre anxiété, vous devriez peut-être être prudent avec ce thriller urbain si relatable. Laure Calamy livre une performance remarquable en Julie, une mère célibataire qui tient à peine le coup, parfaitement consciente de chaque défi qu'elle affronte. Sa vie tourne autour d'une routine minutieuse — emmener les enfants à l'école, prendre le train pour son travail de nettoyage en ville — tout en comptant sur son maigre revenu et la pension alimentaire. Mais tout s'effondre : les paiements sont retardés, sa baby-sitter démissionne, et une grève arrête tous les trains juste au moment où elle décroche un entretien pour un emploi qui pourrait changer sa vie. Le réalisateur Eric Gravel plonge le public dans le chaos de Julie, utilisant une bande-son électronique frénétique et des bruits de fond inquiétants pour refléter sa course désespérée contre la montre. - Pamela Hutchinson
**Her Smell**
Dans l'ouverture du drame rock intense mais finalement édificateur d'Alex Ross Perry, Elisabeth Moss en chanteuse tourmentée, Becky Something, fait irruption dans les coulisses, s'en prenant à tout le monde lors d'une crise mentale sous l'emprise de la drogue. C'est une scène déchirante qui donne envie de fuir, mais il n'y a pas d'échappatoire. Nous sommes forcés de la voir toucher le fond. Le film offre plus tard des moments de rédemption et de tendresse, mais ces premières minutes sont presque insupportables. Ce qui le rend brillant, c'est la façon dont Perry évite d'aliéner complètement le public, et Moss, dans son plus beau rôle, révèle des aperçus de vulnérabilité sous la façade destructrice de Becky. C'est une vision difficile, mais finalement gratifiante, servant de métaphore poignante pour aimer une personne aux prises avec une addiction. - Richard Lawson
**Baby Boy**
Peu importe le nombre de films *Fast & Furious* que tourne Tyrese Gibson ou les projets parallèles qu'il poursuit, pour beaucoup d'entre nous, il restera toujours Jody du film de 2001 *Baby Boy*. Jody est un jeune homme immature et peu conscient de lui-même, prétendant aimer sa petite amie Yvette (Taraji P. Henson) tout en courtisant d'autres femmes. Il en veut au nouveau petit ami de sa mère (Ving Rhames) alors qu'à 20 ans, il n'a pas le droit de vivre encore chez elle. Il joue les durs mais s'effondre face à une vraie menace comme Rodney, joué par Snoop Dogg. Commercialisé comme une histoire de passage à l'âge adulte, le film montre plutôt Jody être effrayé pour changer, plutôt que de mûrir par lui-même. Le réalisateur John Singleton capture l'ego inébranlable des aspirants gangsters, faisant de *Baby Boy* une vision inconfortable mais perspicace. - Andrew Lawrence
**Clockwise**
Pourquoi *Clockwise* — la comédie impeccable de Michael Frayn avec John Cleese dans le rôle d'un directeur d'école se précipitant pour donner un discours à Norwich — n'est-elle pas plus épuisante à regarder ? Elle puise dans un cauchemar commun où tout va de travers, mais Cleese porte le stress pour le public. Son personnage, Brian Stimpson, est apparu six ans après Basil Fawlty et, malgré quelques similitudes, est une figure relatable et crédible : un martyr essayant de maintenir l'ordre dans un monde chaotique. Sous sa moustache sévère, l'homme essaie de calmer ses propres emportements — une âme bien intentionnée qui succombe non seulement à sa propre efficacité agressive mais aussi à des circonstances indépendantes de sa volonté. Cleese livre une performance étonnamment nuancée et brillante. Je suis maintenant convaincu que Daniel Day-Lewis a emprunté le ton de son discours "milkshake" dans *There Will Be Blood* à la crise finale de Stimpson.
Une mention également à Penelope Wilton, qui subit des tensions subtiles en tant que victime de kidnapping en pleurs, piégée dans une voiture dans un champ, et à Alison Steadman et Geoffrey Palmer, luttant parfois pour gérer trois femmes âgées atteintes de démence. Le glissement progressif de Palmer de l'endurance patiente vers une quasi-hystérie est particulièrement magistral. Et des éloges aux actrices incarnant ces femmes : Constance Chapman, qui ne veut que trouver des toilettes ou un hôpital ; Joan Hickson, racontant sans cesse une querelle à propos de verres à sherry ; et la délicieuse Ann Way, qui reste joyeuse quoi qu'il arrive. J'avais oublié le moment où Steadman doit gérer une femme en colère à sa porte en banlieue, et Way apparaît pour demander : « Pouvons-nous visiter la maison ? Est-elle ouverte aujourd'hui ? » Je n'oublierai jamais son joyeux chant de « This Is My Lovely Day » sur l'accident de voiture culminant. *Clockwise* transforme le stress en quelque chose d'élégant — une crise de nerfs vraiment sous-estimée.
Catherine Shoard
**Good Time**
Avant de se séparer, les frères Safdie (Benny et Josh) sont devenus connus pour des films qui évoquent la panique et l'anxiété, se concentrant sur des personnages piégés par leurs propres choix destructeurs. Leur thriller de jeu à haut risque *Uncut Gems* est l'entrée plus tape-à-l'œil et divertissante — grâce à son style, son humour et la présence d'Adam Sandler. Mais *Good Time*, mettant en scène un Robert Pattinson intrépide et superbe en Connie, un petit criminel, est celui qui vous pénètre vraiment sous la peau. Les combines de Connie — braquer une banque, arnaquer des dealers — sont toutes des tentatives désespérées pour empêcher son frère atteint d'un retard de développement (joué par le co-réalisateur Benny) d'être interné ou emprisonné. Nous sympathisons avec Connie, mais ce qui rend *Good Time* si tendu et dérangeant, c'est la façon dont il exploite cette sympathie. Il supplie et marchande, parfois poliment, masquant toujours son sentiment de droit par le désespoir. Dans ce portrait troublant de la descente aux enfers, les difficultés de Connie éclipsent les épreuves des personnages noirs qui l'entourent, qu'il victimise ou utilise comme boucs émissaires — s'accrochant à son privilège blanc quand il n'a plus rien d'autre.
Radheyan Simonpillai
**Punch-Drunk Love**
Avec le recul, il est clair que Paul Thomas Anderson n'aime pas vraiment tourmenter ses personnages — plus de ses films se terminent sur une note d'espoir que l'inverse. Mais en 2002, avec moins de films à son actif, ce n'était pas si évident. Sa comédie romantique *Punch-Drunk Love* capture parfaitement la sensation d'un cauchemar éveillé ou d'une crise de panique montante. Lors de ma première vision, j'ai regardé avec les poings serrés et moites, craignant qu'il n'arrive quelque chose de terrible à Barry Egan (Adam Sandler), le héros timide mais volatile, ou à Lena Leonard (Emily Watson), son intérêt romantique improbable. Anderson utilise la capacité de Sandler pour la violence — généralement utilisée pour faire rire dans ses comédies — comme une menace sous-jacente constante. On ne craint pas vraiment qu'il fasse du mal à Lena, mais qu'il puisse perdre le contrôle sans le filet de sécurité d'un film Sandler typique et feel-good. Malgré cette tension, le film reste souvent drôle et même romantique — un numéro d'équilibriste qui fonctionne toujours comme une comédie romantique. Les visionnages répétés, une fois qu'on sait où cela mène, sont différents. Mais cette première fois en 2002 était une expérience unique. Sandler, bien sûr, jouerait plus tard dans le stressant *Uncut Gems*, que je suis sûr que quelqu'un d'autre a choisi pour cette liste. Qui l'aurait cru ? Qui aurait pensé que le type derrière la Chanukah Song deviendrait un tel maître de la tension cinématographique ? Jesse Hassenger réfléchit à cela dans son article, "Guardian writers on their ultimate feelgood movies: 'Radical in its own way'."
Je me souviens être allé à un rendez-vous pour voir le film palme d'or de Cristian Mungiu, "4 Months, 3 Weeks and 2 Days". Je n'avais qu'une vague idée de l'intrigue, mais je l'ai choisi pour impressionner un universitaire plus âgé, un peu prétentieux mais très beau, en prétendant que je n'étais pas du tout intéressé par "Alien vs Predator: Requiem". Avant le début du film, nous nous tenions la main dans le noir, complètement inconscients de ce qui allait suivre. Puis cela a commencé avec un tic-tac d'horloge et un saignement de nez, et nous avons été plongés dans l'intensité.
Ce que je m'attendais à être un drame d'auteur réfléchi s'est transformé progressivement en l'un des thrillers les plus captivants et dérangeants que j'aie jamais vus. Son réalisme cru le rendait encore plus difficile à regarder. L'histoire suit une jeune femme, Otilia, qui aide son amie Găbița à obtenir un avortement illégal dans la Roumanie des années 1980, chaque étape de leur dangereux périple étant remplie de suspense. Bien que la scène d'avortement elle-même soit déchirante, c'est l'après qui m'a vraiment affecté. Otilia laisse Găbița seule dans la chambre d'hôtel pour qu'elle se rétablisse selon les instructions sévères de l'avorteur et doit subir une conversation de dîner triviale avec la famille de son petit ami, son esprit tourbillonnant de peur. C'est alors que j'ai remarqué que mes paumes transpiraient — et gênant, celles de mon rendez-vous aussi, qui a doucement retiré sa main pour l'essuyer. Benjamin Lee
**Foire Aux Questions**
Bien sûr, voici une liste de FAQ utiles et claires sur les critiques du Guardian et les films qu'ils ont trouvés les avoir poussés à bout.
**Questions Générales / Débutant**
1. **Que signifie "poussé à bout" dans ce contexte ?**
Cela signifie que le film était si intense, perturbant, émotionnellement éprouvant ou graphiquement difficile que le critique a trouvé difficile de le supporter, même dans le cadre de son travail.
2. **Pourquoi un critique de cinéma regarderait-il des films si durs à supporter ?**
C'est leur travail de vivre et de critiquer tout le spectre du cinéma, y compris les films conçus pour provoquer des réactions fortes et inconfortables. Ils les regardent pour que le public puisse faire un choix éclairé.
3. **Ces films "test d'endurance" sont-ils uniquement des films d'horreur gore ?**
Pas toujours. Bien que certains soient graphiquement violents, d'autres sont émotionnellement dévastateurs, psychologiquement déstabilisants ou présentent un rythme lent et monotone qui teste la patience du spectateur.
4. **Pouvez-vous me donner un exemple de film cité ?**
Oui, un exemple couramment cité est *Requiem for a Dream*, connu pour sa représentation déchirante et sans concession de la toxicomanie qui laisse les spectateurs émotionnellement brisés.
5. **Y a-t-il une valeur à regarder ces films difficiles ?**
De nombreux critiques et spectateurs soutiennent que oui. Ces films peuvent offrir un commentaire social puissant, évoquer une empathie profonde et fournir une expérience cinématographique mémorable et stimulante, même si elle n'est pas agréable au sens traditionnel.
**Questions Approfondies / Avancées**
6. **Quelle est la différence entre un film "difficile" et un film simplement "mauvais" ?**
Un film difficile utilise son contenu complexe avec une intention artistique pour provoquer une réponse réfléchie spécifique. Un mauvais film peut être désagréable en raison d'une mauvaise exécution, d'un jeu d'acteur médiocre ou d'une histoire faible, sans but plus profond.
7. **Les critiques ont-ils des stratégies pour supporter ce genre de films ?
