Oubliez l'idée que la jeunesse est l'apogée de la vie – vos plus beaux jours sont peut-être encore à venir. Ce fut certainement le cas pour Henri Matisse, et ce, même après avoir survécu de justesse à une opération chirurgicale au début de la soixantaine, alors que la guerre se répandait en France. Cloué dans un fauteuil roulant, la main tremblante et faible, le corps trop frêle pour se tenir debout et peindre, il se réinventa et, ce faisant, transforma l'art moderne.
La vaste exposition du Grand Palais sur les dernières années de Matisse – de son opération en 1941 à sa mort en 1954 – est une célébration éblouissante et joyeuse de la couleur, de la forme, de la ligne, de la lumière et encore de la couleur. Elle est brillante, magnifique et totalement renversante. Avec Matisse pour sujet et la vaste collection française de ses œuvres à sa disposition, le succès de cette exposition était inévitable.
L'exposition commence de manière intime, presque claustrophobique. Dans son atelier niçois, Matisse peint des natures mortes : des tulipes rouges, des huîtres à la chair mauve, des citrons, des mimosas, et des éclats de vert, de rouge et de jaune. La guerre planait sur la Riviera. En 1944, sa femme et sa fille, qui avaient secrètement rejoint la Résistance, furent arrêtées par la Gestapo. Les avions allemands vrombissaient au-dessus de sa tête. Bien que ces peintures semblent légères et aériennes, elles sont de petit format, à la composition serrée et sans cesse retravaillées. Matisse peint le même groupe de modèles, les réarrangeant dans la pièce, ajustant les lattes des fenêtres pour la lumière, déplaçant des paravents pour créer des ombres. C'est obsessionnel, répétitif et délibérément cinématographique, comme s'il créait des dizaines de photogrammes à partir d'une seule scène.
Mais cette répétition, associée à une passion retrouvée pour le dessin, a fait naître quelque chose en lui. Sa série **Thèmes et Variations** présente la même femme allongée, le même vase de fleurs, le même visage, dessinés encore et encore. À chaque fois, il affine le trait, simplifie l'image, réduisant tout à l'essentiel. « J'ai atteint une forme filtrée à l'essentiel », disait-il.
Cela marque la première révolution artistique ici. La seconde est survenue lorsqu'il a complètement mis de côté pinceaux et plumes pour saisir des ciseaux. C'est le Matisse tardif que nous connaissons tous – aux compositions radicales, aux formes déchiquetées et à l'audace technicolor éclatante – et cela commence ici. En 1944, chargé de créer un livre sur la couleur, il a largement dépassé le cadre de la commande. Les maquettes de ce livre sont remplies de feuilles tourbillonnantes, de corps plongeants, de cieux outremer, de funérailles violettes, d'éléphants blancs et de son étonnant Icare noir tombant à travers un tourbillon d'étoiles jaunes. Il a intitulé le livre **Jazz**, comme s'il composait des accords avec la couleur. C'est un moment remarquable dans l'art, magnifiquement présenté ici – bien que la bande-son d'improvisation jazz contemporaine m'ait donné envie de devenir sourd.
Après un raid aérien sur Nice, Matisse déménagea à Vence, dans les collines derrière la ville. Il recouvrit les murs de sa chambre du sol au plafond avec des découpages. C'est comme si son monde s'était élargi alors qu'il explorait les possibilités de cette nouvelle approche. Il revint aussi à la peinture – plus légère, plus aérienne et plus simple qu'auparavant, les formes de ses natures mortes intérieures étant réduites et épurées. Puis il supprima complètement la couleur, et même en noir et blanc, les œuvres semblent lumineuses et saisissantes.
Mais les découpages sont à un autre niveau : audacieusement graphiques, directs, vifs et décoratifs. On peut presque sentir la brise dans ses collages bleu et blanc de paysages polynésiens, ou sentir l'odeur des algues dans ses vastes frondes balancées.
Au début des années 1950, on demanda à Matisse de concevoir une chapelle à Vence, et il se consacra pleinement au projet. Il créa des vêtements sacerdotaux verts et jaunes, et des vitraux ornés de motifs végétaux symbolisant sa renaissance tardive. L'œuvre est spirituelle et religieuse, mais pas ouvertement divine. Assis ici, entouré de ses créations, on ressent l'impact profond de sa dernière et intrépide réinvention. En levant les yeux vers les maquettes et les vitraux étincelants, je ne pense pas à des divinités. C'est avec l'art que je communie.
J'ai vu les œuvres de la chapelle pour la première fois enfant, ayant grandi à proximité. Elles sont l'une des principales raisons pour lesquelles je me suis intéressé à l'histoire de l'art. Les revoir ici est si émouvant que je ne veux jamais partir. Elles m'affectent d'une manière que seul le grand art peut le faire.
Les célèbres – et très objectivantes – **Nus bleus** viennent plus tard, distillant en quelque sorte toute l'histoire de la peinture du nu en quatre des images les plus simples que vous puissiez voir. Elles sont présentées aux côtés d'un dernier autoportrait à la gouache, qui est, bien sûr, lui aussi parfait.
Mais pour moi, cette immense exposition culmine avec une seule peinture d'un visage : de l'encre noire sur papier jaune. Comptez les traits – il n'y en a que sept. Le strict minimum dont il avait besoin pour transmettre un visage, pour peindre une vie. À 80 ans, malade et frêle, il avait vraiment tout compris.
Au Grand Palais, Paris, du 24 mars au 26 juillet.
Foire Aux Questions
Foire Aux Questions sur l'exposition Matisse 1941-1954
Questions Générales & Débutants
Q : De quoi parle cette exposition ?
R : Elle se concentre sur la dernière période de la vie d'Henri Matisse, incroyablement vibrante et innovante, de 1941 jusqu'à sa mort en 1954. Elle présente les chefs-d'œuvre qu'il a créés durant cette période.
Q : Pourquoi cette période de son œuvre est-elle si spéciale ?
R : Malgré le vieillissement et la maladie, Matisse a connu une énorme poussée créative. Il a inventé sa célèbre technique des découpages, créant de grandes compositions audacieuses et joyeuses, considérées comme certains de ses plus grands accomplissements.
Q : Je ne connais que les premières peintures de Matisse. Vais-je quand même apprécier cette exposition ?
R : Absolument. Cette exposition révèle l'évolution passionnante de son génie. Vous verrez comment son amour de la couleur, de la forme et de l'art de l'équilibre a atteint son apogée éblouissante.
Q : Que sont ces "découpages" dont j'entends toujours parler ?
R : C'est la technique révolutionnaire de Matisse. Il peignait des feuilles de papier avec des couleurs pures, puis découpait des formes à main levée et les arrangeait en compositions à grande échelle. C'est comme dessiner avec des ciseaux.
Préparer Votre Visite
Q : Combien de temps dois-je prévoir pour visiter l'exposition ?
R : Pour pleinement apprécier le détail et l'impact des œuvres, prévoyez au moins 1h30 à 2 heures. Elle est remplie de pièces majeures, cela vaut donc la peine de prendre votre temps.
Q : L'exposition est-elle adaptée aux enfants ?
R : Oui, le grand format et les couleurs vives et audacieuses des découpages peuvent captiver les enfants. C'est un excellent moyen de les initier à l'art moderne.
Q : Y a-t-il des œuvres célèbres à ne pas manquer ?
R : Oui, vous pourrez voir des pièces iconiques comme *L'Escargot*, les *Nus bleus* et les dessins pour la Chapelle du Rosaire de Vence. L'exposition est décrite comme présentant un chef-d'œuvre glorieux après l'autre.
Q : Y a-t-il un audioguide ou un catalogue disponible ?
R : La plupart des grandes expositions les proposent. Consultez le site web de l'institution pour les détails sur les audioguides, les catalogues d'exposition et les visites guidées pour enrichir votre visite.
Approfondissements & Contexte
Q : La critique parle d'œuvre "qui célèbre la vie". Que signifie cela dans le contexte de sa vie ?
R : Matisse
