1. **V&A East Storehouse, autorstwa Diller Scofidio + Renfro, Londyn**
W V&A East Storehouse to sama kolekcja przyciąga uwagę. To muzeum narodowe otwiera świat skarbów – od porcelany i zatrutych strzał po tkaniny i tiary – zapraszając zwiedzających do bliskiego kontaktu. Umiejętnie ulokowane w ogromnym hangarze, który niegdyś służył jako centrum transmisyjne Igrzysk Olimpijskich 2012, przypomina magazyn Amazona wypełniony globalnymi cudami. Goście wyruszają tu w podróż „kuratorskiego przekroczenia” przez immersyjny gabinet osobliwości.
2. **Centrum Ismailickie, autorstwa Farshid Moussavi, Houston, USA**
To nowe społeczno-kulturalne centrum dla społeczności ismailickiej w Houston – otwarte dla wszystkich – na nowo interpretuje architekturę islamską dla współczesności. Tworzy spokojną, opartą na doświadczeniu przestrzeń, przywodzącą na myśl sztukę minimalistyczną. Pięknie wykonane i gościnne, architektka Farshid Moussavi opisuje je jako „odnowienie, a nie reprodukcję”. Projekt wnikliwie bada geometrię i przestrzeń, osadzone w bujnym krajobrazie ogrodowym.
3. **Hans Hollein Przekształca, Centrum Pompidou, Paryż**
Gdy Centrum Pompidou zamyka się na pięcioletni remont, jego ostatnia wystawa architektoniczna uhonorowała austriackiego architekta Hansa Holleina. Jako postmodernistyczny prowokator, Hollein przez pięćdziesiąt lat działał w awangardzie, projektując wszystko od sklepów z biżuterią po struktury pneumatyczne. Sławnie wyobrażał sobie architekturę sprowadzoną do pigułek, które mogłyby tworzyć doświadczenia przestrzenne i sensoryczne – bez konieczności budowania czegokolwiek.
4. **Space House: Squire & Partners, Londyn**
Niegdyś uważany za architektonicznego złoczyńcę, Richard „Pułkownik” Seifert był znany z monumentalnych budynków biurowych, takich jak londyńskie Centre Point czy Tower 42. Teraz jego bezkompromisowo modernistyczne dzieła zyskują nowe uznanie. Przebudowa Space House na Kingsway ożywia jedną z jego charakterystycznych „kolb kukurydzianych”, zachowując i odnawiając 90% oryginalnej struktury.
5. **Rzemiosło ciesielskie, Japan House, Londyn**
Narzędzia i techniki japońskiego ciesielstwa zamieniły galerię piwniczną londyńskiego Japan House w drewniany świat cudów dłut, pił, połączeń i misternych wsporników. Wystawa celebrowała mistrzów ciesielskich z niemal religijną czcią, ukazując umiejętności stojące za wiekami architektury drewnianej. Metody łączenia nosiły poetyckie nazwy, takie jak „głowa mrówki”, „usta muszli” czy „wygięta szyja gęsia”.
6. **Gradel Quadrangles, New College, Oxford, autorstwa Davida Kohna**
Niezwykle eklektyczne budynki mieszkalne Davida Kohna dla New College w Oxfordzie mieszają wpływy od Tolkiena, Gaudíego po nawet Teletubisiów. Z kamieniarstwem w kolorze rabarbaru i budyniu, wijącym się dachem z wielokątnych łusek i pulchną wieżą zdobioną wizerunkami pangolinów, kretów i ćm, to projekt, który się kocha lub nienawidzi – choć studenci zdają się go kochać. Rzeźby to coś więcej niż dekoracja; podkreślają one te zagrożone gatunki, jednocześnie dodając charakteru oksfordzkiej panoramie.
7. **Projektowanie i niepełnosprawność w V&A, Londyn**
Ta barwna wystawa w V&A (do 15 lutego) pokazuje, że projektowanie prowadzone przez osoby z niepełnosprawnością wykracza daleko poza podjazdy. Prezentuje pomysłowe, skupione na przyjemności kreacje, takie jak samo-zaciskające się buty czy wibrator bez użycia rąk, celebrując pomysłowość i radość. Projektowanie dla osób z niepełnosprawnością często traktowane jest jako uniwersalne, odhaczane z listy zadanie. Jednak ta przemyślana wystawa podkreśla zróżnicowany i rozległy charakter tej dziedziny, ze wskazanym i długo wyczekiwanym naciskiem na projekty tworzone przez samych osób z niepełnosprawnością – które mają nam wszystkim wiele do nauczenia.
8. **Przewodnik architektoniczny po Charkowie, autorstwa Ievgenii Gubkiny**
Charków ewoluował z kozackiej twierdzy wojskowej w legendarnie modernistyczne miasto. Obecnie leży na linii ognia rosyjskiej agresji w toczącej się wojnie przeciwko Ukrainie, z 8000 budynków uszkodzonych lub zniszczonych w ciągu ostatnich trzech lat. Ukończona zaledwie dwa miesiące przed inwazją, ta „anty-książka przewodnikowa” łączy osobistą refleksję z analityczną rygorem. Utrzymuje architektoniczne skarby Charkowa – w tym konstruktywistyczne arcydzieło, budynek Derzhprom – żywe w umysłach ludzi jako wizję powojennej przyszłości miasta.
9. **Prototypowe domy Khudi Bari, Bangladesz, autorstwa Mariny Tabassum**
W odpowiedzi na przesiedlenia klimatyczne w Bangladeszu, Marina Tabassum współpracowała z dotkniętymi społecznościami, aby stworzyć praktyczny, przystępny cenowo modułowy system mieszkaniowy. Projekt charakteryzuje się solidną, wytrzymałą ramą bambusową ze stalowymi łącznikami, zbudowaną, aby wytrzymać uderzenia wiatru i wody. Dachy z blachy falistej upraszczają transport i konserwację, podczas gdy elewacje mogą być wykonane z materiałów pozyskiwanych lokalnie. Cały moduł może być szybko zmontowany lub rozebrany przez zaledwie trzy osoby przy użyciu podstawowych narzędzi.
10. **Intelligens: 19. Biennale Architektury**
Ta edycja Biennale Architektury w Wenecji, kuratorowana przez włoskiego architekta i entuzjastę technologii Carlo Rattiego, była mieszanką – jak to często bywa na takich wydarzeniach. Wśród chaotycznego zbioru pomysłów i instalacji – od druku 3D z bakteriami po przyszłość skafandrów kosmicznych – trudno było wyróżnić wybitne prace. Mimo to, krytyka tandetnych okładzin z Estonii, badanie przesądów w architekturze z Polski i argument Bahrajnu, że komfort klimatyczny jest formą sprawiedliwości społecznej, zrobiły wrażenie. —Catherine Slessor
**Najlepszy projekt roku, wybrany przez projektantów**
**Kusheda Mensah x Hem: Palma Pouf**
Wybrane przez Shawna Adamsa, współzałożyciela POoR Collective
Podczas festiwalu 3daysofdesign w Kopenhadze Hem zaprezentował długo wyczekiwany puf projektu Kushedy Mensah – znaczący kamień milowy dla szwedzkiej marki meblowej. To pierwsza współpraca Hem z czarnoskórym projektantem, podkreślająca zarówno rosnący wpływ Mensah, jak i zaangażowanie marki w większą reprezentację we współczesnym designie. Puf wzbudzał już wcześniej zainteresowanie dzięki przemyślanej formie i znaczeniu kulturowemu, czyniąc jego debiut jednym z najgłośniejszych momentów festiwalu.
**Wuka Wearable Hot-Water Bottle**
Wybrane przez Anoushkę Roddę, współzałożycielkę Templo Branding Agency
Chciałabym wyróżnić nowy, noszony termofor Wuka, ponieważ odzwierciedla on, jak wiele zmienia się w zdrowiu kobiet. Dziś jest więcej praktycznych produktów, które naprawdę ułatwiają nam życie. Pamiętam noszenie dużych, swędzących podpasek i okropny ból, gdy dostałam pierwszą miesiączkę. To dalekie od przemyślanych, celowych produktów dostępnych obecnie.
**Kolekcja ceramiki Frances Priest: Motif | Line | Colour**
Wybrane przez Adama Nathaniela Furmana, projektanta i autora
Nowa kolekcja naczyń Frances Priest, prezentowana na jej indywidualnej wystawie w Blackwell House w Kumbrii, składa się z eterycznych kolumn ściśniętych u góry i dołu. Zdobią je gęste, półprzezroczyste motywy, które dryfują po ceramicznych powierzchniach jak upiorne pozostałości jesiennych liści. Wydają się być w ruchu, a jednocześnie są tak delikatne, że niemal zlewają się z półprzezroczystością. Od dawna podziwiam prace Priest i obiecuję, że każdy, kto się z nimi zetknie, będzie oczarowany. Każdy, kto zobaczy jej naczynia na żywo, głęboko się w nich zakocha.
**Wystawa Noaha Davisa w Barbican, Londyn**
Wybrane przez Lewisa Daltona Gilberta, kuratora i dyrektora kreatywnego A Vibe Called Tech
Miałem szczęście zobaczyć obrazy Noaha Davisa w galerii, którą stworzył, The Underground Museum w LA. Na co nie byłem przygotowany, to przemyślany projekt tej wystawy (autorstwa studiów Freehaus i A Practice for Everyday Life). Ożywił on prace Davisa i subtelnie ukazał jego idee, przygody i sztukę. Zawsze będę go wychwalał pod niebiosa, ale mniej mówi się o sile świetnego projektowania wystaw.
**Muzeum Showtown, Blackpool**
Wybrane przez Amber Butchart, kuratorkę i historyczkę mody
Jestem wielką fanką wybrzeża, a Blackpool to jedno z moich ulubionych miejsc. W tym roku odwiedziłam Showtown – muzeum celebrujące dziedzictwo rozrywkowe tego uwielbiającego przepych miasta. To świetna wizyta dla każdego zainteresowanego bogatą historią Blackpool w zakresie magii, cyrku, iluminacji i tańca, szczególnie dobra dla rodzin. Projekt muzeum pozwala zwiedzającym zajrzeć za kulisy wszystkiego, od przedstawień lalkowych Punch i Judy po słynny drag cabaret miasta, Funny Girls. Jestem zakochana w ich kolekcji kostiumów klaunów, która zawiera przykłady autorstwa renomowanego francuskiego kostiumiera Gérarda Vicaire'a.
**Archiwum tekstyliów Alice Gomme w Twos, Londyn**
Wybrane przez Tamsin Clark, dyrektorkę księgarni i przestrzeni eventowej Tenderbooks
Przez trzy dni w kwietniu mała przestrzeń sklepowa Twos na Hackney Road wystawiła na sprzedaż wybór niezwykłych ubrań z archiwum tekstyliów Alice Gomme. Jej kolekcja rzadkich ubrań i naprawianych tekstyliów została znaleziona w europejskich szmatniach, a oglądanie tych uratowanych ubrań z bliska było niezwykłe. Zaczęłam zauważać drobne szczegóły, takie zużycie kołnierza czy spłowienie wzoru. To była okazja, by spojrzeć na to, co pomijane. Jak wyjaśniła Gomme w towarzyszącej publikacji: „Patrzenie na te elementy pomaga nam połączyć się z przeszłością. Każdy kawałek, każda naprawa niesie ze sobą wspomnienie”.
**Monografia „Oríkì: Material Affirmations in Three Acts” autorstwa Nifemiego Marcus-Bello**
Wybrana przez Andu Masebo, projektanta produktu
Nazwana **Oríkì** na cześć praktyki poezji pochwalnej w języku joruba, pierwsza monografia urodzonego w Nigerii artysty Nifemiego Marcus-Bello zbiegła się w czasie z jego indywidualną wystawą w Tiwani Contemporary w Nigerii. Kanon głównego nurtu świata designu od dawna koncentrował się na „Zachodzie” – jego ruchach, narracjach i wpływie na naszą zbiorową wyobraźnię. W pracy Nifemiego znajduję głębokie znaczenie w jego skupieniu na kraju urodzenia. Dla mnie jego praca sygnalizuje zmianę w kulturze: moment, w którym oczy świata zwracają się ku nowym centrom kreatywności, poszerzając samą ideę, skąd może pochodzić przywództwo w designie i zmieniając sposób, w jaki historia designu będzie pisana w przyszłości.
**Biurko wykonawcze Le Corbusiera na wystawie The Electric Kiln, Londyn**
Wybrane przez Emmę Glynn, dyrektor kreatywną Wedgwood
Ta „zamieszkana” wystawa zajęła budynek, który niegdyś był studiem i domem brytyjskiego garncarza Emmanuela Coopera, obecnie odrestaurowany, będący własnością i zamieszkiwany przez kuratora Rajana Bijlaniego. Każdy obiekt miał swoją cichą błyskotliwość, od Lucie Rie po Franka Auerbacha, ale biurko wykonawcze Le Corbusiera pozostało ze mną długo po wizycie. Inżynieria jest tak doskonale wyważona, że kotwiczy całą przestrzeń; jego spokojny autorytet, precyzja i czystość celu to prawdziwy wyczyn projektowy. Niezwykłe prace na tej wystawie były tak celowo wybrane, że czuło się je jak część żyjącej przestrzeni. Całe doświadczenie było przywilejem – intymnym i inspirującym spotkaniem.
Ibraaz, nowa instytucja kulturalna w Londynie, otworzyła tej jesieni z dużym uznaniem. Założona przez Fundację Kamela Lazara – organizację non-profit o korzeniach w Tunezji i na całym Bliskim Wschodzie i w Afryce Północnej – zapewnia bardzo potrzebną w mieście przestrzeń dla sztuki i idei z Globalnej Większości. Mieści się w budynku z listy zabytków II kategorii w Fitzrovii, przebudowanym przez architektkę Sumayyę Vally, która czerpała inspirację z diasporycznych przestrzeni w Londynie. Pierwotnie zbudowany na początku XX wieku, budynek służył jako synagoga, rezydencja, klub, a teraz jako centrum kulturalne. Oferuje miejsce dla artystów i myślicieli do spotkań, wymiany idei i budowania więzi. Ibraaz rozpoczął działalność pracą artysty Ibrahima Mahamy, opartą na jego badaniach nad historią Ghany po odzyskaniu niepodległości, a nadchodzący program obejmuje rozmowy, pokazy, muzykę i rezydencje.
Podczas tegorocznego Tygodnia Designu w Mediolanie Loewe oczarowało publiczność wystawą 25 czajników zamówionych u czołowych artystów z całego świata. Jeden, autorstwa japońskiego ceramika Takayukiego Sakiyamy, wyglądał, jakby został wylany z miękkiego lodów. Inny, autorstwa hiszpańskiej projektantki Patricii Urquioli, przypominał krępą wiewiórkę, którą miało się trzymać za ogon. Trzeci, autorstwa laureata Nagrody Pritzkera Wang Shu, był miętowo-zielonym prostopadłościanem z odciętym narożnikiem służącym jako dzióbek. Te kapryśne i zagadkowe naczynia były konsekwentnie genialne, ukazując talent byłego dyrektora kreatywnego Jonathana Andersona do łączenia współczesnego
