David Hockney megváltoztatta a világot pusztán azzal, ahogyan nézett rá. Művészete a tiszta vizuális öröm ünnepe volt – a látás hosszú, gyönyörűséges lakomája. Olyan ember volt, aki csodát talált egy vázában álló virágokban és a napfényes autópályákban, és folyton új módokon gondolkodott, hogyan örökíthetné meg ezeket a mulandó kincseket képekben. Soha nem jutott eszébe, hogy az ő látásmódja forradalmi lett volna. Csak az igazság érdekelte. De előtte senki sem ragadta meg ilyen elfogadással a modern világ kinézetét és hangulatát. Ugyanaz az egyszerű tökéletesség jellemezte, mint a Beatlest – ahogy ők a modern világ hangját, úgy ő a modern világ kinézetét fogta meg.
A legjellemzőbb dolog Hockney-ról, hogy imádta Los Angelest. Ahol mások értelmetlen káoszt láttak, ő szabadságot és lehetőséget látott egy ítélkezésmentes kék ég alatt. Alacsony házak teraszajtókkal, amelyek üresen csillogtak, magas, vékony pálmafák apró koronákkal, egy vízbe csapódó búvár fehér fröccsenése – Hockney Kaliforniája a paradicsom víziója. Ő a pop-art Matisse-ja, és A nagyobb csobbanás az 1960-as évek válasza Matisse 1904-es, az élvezetről szóló manifesztumára, a Luxe, Calme et Volupté-re.
A pop-artnak gyakran volt egy komor oldala, olyan széles, mint egy Chevrolet. A legtöbb nagy alakja – Richard Hamilton, Andy Warhol, Gerhard Richter – nem rajongói, hanem hideg kritikusai voltak az 1960-ra formálódó új nyugati fogyasztói társadalomnak. Aztán jött Hockney. A füsttől fekete ipari tájban, Bradfordban felnőve olyan fiatal művész lett, aki mentes volt mind a nosztalgiától, mind a sznobizmustól. Korai művei, amelyeket a londoni Royal College of Art hallgatójaként készített, nem iróniával vagy ideológiával fogadják el a modern életet, hanem egyszerűen azért, mert ez volt az ő élete: az asztali lámpáktól a táncon át a zuhanyozásig, miért ne mutathatná meg, hogyan él az ő generációja?
A melegség csak része volt annak az igazságnak, amelyet élt és festett. Nem volt nagy ügy, és felháborodna, ha úgy emlékeznénk rá, mint „Nagy-Britannia első nyíltan meleg művésze”. Pontosan a szexualitásnak ez a laza és gondtalan ábrázolása – ami az 1960-as évek elején még illegális volt Nagy-Britanniában – teszi a művészetét olyan könnyedén felforgatóvá. A Cliff Richard iránti szenvedélyét bevalló, 1960–61-es, fröccsenő festményétől, a Doll Boy-tól egészen Christopher Isherwood és Don Bachardy érett, magabiztos párjának 1968-as nyugodt portréjáig Hockney művészi fejlődése abban a forradalmi évtizedben nagyrészt arról szólt, hogy megtalálja a megfelelő stílust a meleg élet olyannak való ábrázolásához, amilyen.
Mégis, Hockney soha nem csupán résztvevője annak az új, szabad, kiteljesedett világnak, amelyet a lüktető Londonban keresett – és Kaliforniában megtalált. Megfigyelő is, méghozzá rendkívül öntudatos. Amikor 1961-ben először járt az USA-ban, egy nyomatsorozatban, William Hogarth A tékozló fiú története című művét mintázva, készített egy komikus feljegyzést az útról. A szemüveges, vézna Tékozló maga Hockney, akit Amerika egyszerre lenyűgöz és zavarba ejt, amikor felfedezi, hogy létezik meleg színtér, és végül farmernadrágos klónok veszik körül, akik fejhallgatón popzenét hallgatnak (ez majdnem 60 évvel ezelőtt volt: Hockney már akkor leképezte a mai életünket).
Az 1960-as évek végére kísérteties nyugalom vette át a festményeit, ahogy egyre nyíltabban lett megfigyelővé, szemlélővé. A nézés magánya a témája annak, ami talán a legnagyobb festménye, a Portrait of an Artist (Pool with Two Figures). Ez egyben a legdrágább is, 2018-ban 90,3 millió dollárért kelt el. Ezen a hatalmas, 1972-es vásznon – egy szinte misztikusan ragyogó művön – egy rózsaszín kabátos fiatalember áll egy szabadtéri medence mellett, és néz egy úszót, akinek halvány húsa vibrál az áttetsző türkizkék víz alatt. Hogy azt a pletykás részletet adjuk, amelyet Hockney később meggyűlölt, a medence melletti férfi Peter Schlesinger, és a festmény kapcsolatuk végét örökíti meg – egy trauma, amely fájdalmas hitelességet ad neki. Paradicsomi látomások… Hockney otthonában, Malibuban, Kaliforniában, 1991-ben. Fotó: Paul Harris/Getty Images
De bár a nézés lehet magányos cselekedet, egyben öröm is. Szinte kínos bevallani, hogy a festmény minden pszichológiai feszültsége ellenére a medencén túli, színes, naptól áztatott dombok ragyogó, olvadt tájképe éppoly lenyűgöző. Az ilyen látványok rabul ejtették Hockney-t, és művészete megosztja ezt a csodálatot. Néhány legemlékezetesebb műve egyszerű csendélet: az 1972-es Mount Fuji and Flowers című festménye, vagy a törékeny porcelán teáskanna gyönyörű tanulmánya a háborgó, hullámzó kék tenger előtt, a Breakfast at Malibu, Sunday 1989.
Mindkét darabban finom csendéleti jelenetek állnak a természet hatalmas, ámulatba ejtő képei mellett. Ez az a fajta művészettörténeti játék – itt Chardint Turnerrel vagy Hokuszajjal szembeállítva –, amelyet Hockney könnyedén meg tudott csinálni, mert annyira kíváncsi volt arra, hogy a művészet változó stílusai hogyan formálják a világlátásunkat. Semmi naiv nem volt a realizmusában. Az egyik legnagyobb hőse Picasso volt. Nemcsak elképzelt egy találkozást kettejük között Picasso saját grafikai stílusának zseniális utánzásában, hanem egy, a festőállványától távol eső kísérletben megpróbálta Picasso változó kubista perspektíváit a fényképezésre alkalmazni. Réteges fotósorozatai, amelyek azt a sok pillantást és töredezett nézőpontot hivatottak megragadni, ahogyan valójában látjuk a világot, a legismertebb művei közé tartoznak.
Hockney egyszer körbevezetett egy Caravaggio-kiállításon a National Galleryben, hogy elmagyarázza, miért gondolja, hogy a festőnek valamilyen korai kamerát kellett használnia. Aztán a londoni otthonában elővett egy japán tekercset, hogy megmutassa, a keleti tájképfestészet hogyan használ változó, kibontakozó nézőpontokat, amelyek sokkal inkább átfogják a világ méreteit, mint az egypontos perspektíva, amely megszállottja volt a nyugati művészetnek. Az érvelése lenyűgöző volt, és a tekercs is – amely nem eredeti, hanem másolat volt. Más szóval, nem a ritkasága miatt értékelte, hanem a hasznossága miatt.
Teljes képernyős nézet
Foglaljon helyet… Hockney két mű mellett dohányzik. Fotó: J-P/Photo Credit: Jean-Pierre Gonçalves de Lima
Hockney bridlingtoni háza is gyönyörűen, de egyszerűen volt berendezve. Nem arra használta a vagyonát, hogy fényűzően éljen, hanem hogy dolgozzon és kutasson. Volt benne egy szerénység és közvetlenség, ami mélyen megható volt. Híressé vált makacs vonakodásáról, hogy leszokjon a dohányzásról, de nemdohányzóként igazolhatom, hogy amikor egyszer átvitt Yorkshire-n, egy csúcstechnológiás hamutálcát használt, amely magában tartotta a füstjét. Udvarias libertariánus volt.
Ez a jellem a nyilvánosság előtt is megmutatkozott, és Hockney-t híressé tette. Olyan népszerűséget ért el, amilyet a fiatalabb brit művészek nem értek el, inkább David Attenborough-éhoz vagy a királynőéhez hasonlót. David Hockney az igazi volt – nagy művész és nagy ember.
Gyakran Ismételt Kérdések
Itt található egy lista a David Hockney-ról és arról, hogy munkássága hogyan ragadta meg a modern világ lényegét, természetes hangnemben, egyértelmű válaszokkal megírva.
Kezdő Szintű Kérdések
1 Ki David Hockney
David Hockney egy híres brit művész, aki leginkább élénk színű festményeiről, rajzairól és fotókollázsairól ismert. Az 1960-as évek óta a pop-art meghatározó alakja.
2 Miért mondják, hogy Hockney megragadta a modern világ lényegét
Azokra a dolgokra összpontosított, amelyek meghatározzák a modern életet: csillogó úszómedencék, elegáns kaliforniai építészet, a fényképezés térnyerése, és az, ahogyan a képernyőkön és a technológián keresztül látjuk a világot. Munkái frissek és korukat tükrözik.
3 Mi Hockney leghíresebb festménye
A Portrait of an Artist a legikonikusabb műve. Egy rózsaszín kabátos férfit ábrázol, aki egy medencében úszóra néz le. Tökéletesen megragadja az 1970-es évek Kaliforniájának szabadidős stílusát.
4 Hockney csak medencéket festett
Nem, de a medence visszatérő téma. Festett tájképeket, portrékat, csendéleteket is, és új technológiákat használt, mint a fénymásolók, faxgépek és iPad-ek a művészetalkotáshoz.
5 Mit jelent ebben a kontextusban a „lakoma a szemnek”
Azt jelenti, hogy a művészete vizuálisan gazdag, színes és örömteli nézni. Élénk, merész színeket és okos perspektívákat használ, amelyek arra késztetnek, hogy folyamatosan fedezz fel minden részletet.
Középhaladó Szintű Kérdések
6 Hogyan használta Hockney a fényképezést a modern világ megragadására
Fotókollázsokat készített, ahol egy jelenetről több Polaroid fotót készített különböző szögekből, majd ezeket egy rácsba rendezte. Ez utánozza, ahogy a szemünk valójában mozog és látja a világot – nem egyetlen pillanatfelvételként, hanem pillantások sorozataként.
7 Milyen szerepet játszott a technológia Hockney művészetében
Hockney felkarolta az új eszközöket. Fénymásolót használt réteges nyomatokhoz, faxgépet rajzok világ körüli küldéséhez, később pedig iPad-et a közvetlen képernyőn való festéshez. Ez mutatja, hogyan válnak a modern eszközök a teremtés és a látás részévé.
8 Hogyan változott Hockney stílusa, amikor Kaliforniába költözött
Angliából a napfényes Kaliforniába költözve
