David Hockney, dünyaya sadece bakarak onu değiştirdi. Sanatı, saf görsel neşenin bir kutlamasıydı—uzun, keyifli bir görme şöleni. O, bir vazodaki çiçeklerde ve güneş ışığıyla aydınlanmış otoyollarda hayranlık bulan ve bu geçici hazineleri resimlerle yakalamanın sürekli yeni yollarını düşünen biriydi. Onun görme biçiminin devrim niteliğinde olduğu aklına hiç gelmemiş gibiydi. Tek önemsediği şey gerçeklikti. Ancak daha önce hiç kimse modern dünyanın görünüşünü ve hissini bu kadar kabullenerek yakalamamıştı. O, Beatles'ın sahip olduğu aynı yalın mükemmelliğe sahiptir—tıpkı onların modern dünyanın sesini yakalaması gibi, o da görünüşünü yakaladı.
Hockney hakkında en açıklayıcı şey, Los Angeles'ı sevmesidir. Başkalarının akılsız bir kaos görebileceği yerde, o, yargılamayan mavi bir gökyüzünün altında özgürlük ve olasılık gördü. Boş boş parıldayan teras kapıları olan alçak evler, minik tepeleri olan uzun, ince palmiye ağaçları, suya çarpan bir dalgıcın beyaz sıçrayışı—Hockney'in Kaliforniya'sı bir cennet vizyonudur. O, pop sanatının Matisse'idir ve **A Bigger Splash**, Matisse'in 1904 tarihli zevk manifestosu **Luxe, Calme et Volupté**'nin 1960'lardaki yanıtıdır.
Pop sanatı genellikle bir Chevrolet kadar geniş, kasvetli bir yanı vardı. Büyük figürlerinin çoğu—Richard Hamilton, Andy Warhol, Gerhard Richter—1960'a gelindiğinde şekillenmekte olan yeni Batı tüketim toplumunun hayranları değil, soğuk eleştirmenleriydi. Sonra Hockney geldi. Bradford'un isle kararmış endüstriyel manzarasında büyüyen o, hem nostaljiden hem de züppelikten arınmış genç bir sanatçı oldu. Londra'daki Kraliyet Sanat Koleji'nde öğrenciyken yaptığı ilk çalışmaları, modern hayatı ironi ya da ideolojiyle değil, sadece onun hayatı olduğu için kabul eder: masa lambalarından dans etmeye, duş almaya kadar, neden kendi neslinin nasıl yaşadığını göstermesin?
Eşcinsel olmak, yaşadığı ve resmettiği gerçeğin sadece bir parçasıydı. Bu büyük bir mesele değildi ve eğer onu "Britanya'nın açık eşcinsel ilk sanatçısı" olarak hatırlarsak üzülürdü. 1960'ların başındaki Britanya'da yasa dışı olan bir cinselliği bu kadar rahat ve sorunsuz bir şekilde tasvir etmesi, sanatını bu kadar zahmetsizce yıkıcı kılan şeydir. Cliff Richard'a olan tutkusunu itiraf eden gösterişli 1960–61 tarihli **Doll Boy** resminden ("çok çekici, çok seksi"), olgun ve kendine güvenen bir çift olan Christopher Isherwood ve Don Bachardy'nin sakin 1968 tarihli portresine kadar, Hockney'in o devrimci on yıl boyunca sanatsal gelişimi, büyük ölçüde eşcinsel hayatı olduğu gibi göstermek için doğru stili bulmakla ilgilidir.
Yine de Hockney, sallanan Londra'da aradığı ve Kaliforniya'da bulduğu yeni, özgür, tatmin olmuş dünyanın asla sadece bir katılımcısı değildir. O aynı zamanda bir gözlemcidir ve son derece öz-farkındalığı olan biridir. 1961'de ABD'yi ilk ziyaret ettiğinde, William Hogarth'ın **The Rake's Progress** eserini model alan bir dizi baskıda gezinin komik bir kaydını yaptı. Gözlüklü, sıska Rake, Hockney'in ta kendisidir; bir eşcinsel sahnesi olduğunu keşfederken Amerika'dan hem büyülenmiş hem de şaşkına dönmüş ve sonunda kulaklıkla pop müzik dinleyen kot giyen klonlarla çevrili bulmuştur kendini (bu neredeyse 60 yıl önceydi: Hockney, o zaman bile, şimdi nasıl yaşadığımızı resmediyordu).
1960'ların sonuna doğru, daha açık bir şekilde gözlemci, seyirci haline geldikçe resimlerine ürkütücü bir durgunluk hakim oldu. Bakmanın yalnızlığı, belki de en büyük resmi olan **Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)**'ın temasıdır. Kesinlikle en pahalısıdır ve 2018'de 90,3 milyon dolara satılmıştır. Bu devasa 1972 tuvalinde—neredeyse mistik bir şekilde ışıldayan bir eser—pembe ceketli genç bir adam açık havuzun kenarında durmakta, soluk teni yarı saydam turkuaz suyun altında titreşen bir yüzücüyü izlemektedir. Hockney'in nefret etmeye başladığı türden dedikodu detayını vermek gerekirse, havuz kenarındaki adam Peter Schlesinger'dır ve resim, ilişkilerinin sonunu—ona acı verici bir otorite kazandıran bir travmayı—yakalar.
Ancak bakmak yalnız bir eylem olsa da, aynı zamanda bir neşedir. Bu resimdeki tüm psikolojik gerilime rağmen, havuzun ötesindeki renkli, güneşten kavrulmuş tepelerin parlayan, erimiş manzarasının da aynı derecede büyüleyici olduğunu itiraf etmek neredeyse utanç vericidir. Bu tür manzaralar Hockney'i büyülemişti ve sanatı bu hayranlığı paylaşır. En unutulmaz eserlerinden bazıları basit natürmortlardır: 1972 tarihli **Mount Fuji and Flowers** resmi ya da çalkantılı, kabaran mavi bir denizin karşısına yerleştirilmiş kırılgan bir porselen çaydanlığın güzel çalışması olan **Breakfast at Malibu, Sunday 1989**.
Bu iki parçada da, narin natürmort sahneleri, doğanın engin, hayranlık uyandıran görüntülerinin yanına yerleştirilmiştir. Bu, Hockney'in sanat tarihinin değişen stillerinin dünyayı görme biçimimizi nasıl şekillendirdiğine dair çok meraklı olması nedeniyle zahmetsizce başarabildiği türden bir sanat tarihi oyunudur—burada Chardin'i Turner ya da Hokusai ile karşı karşıya getirmek gibi. Gerçekçiliğinde safça hiçbir şey yoktu. En büyük kahramanlarından biri Picasso'ydu. Sadece ikisi arasındaki bir buluşmayı Picasso'nun kendi grafik stilinin parlak bir taklidiyle hayal etmekle kalmadı, aynı zamanda şövaleinden uzak bir deneyde, Picasso'nun değişen kübist perspektiflerini fotoğrafçılığa uygulamaya çalıştı. Dünyayı gerçekten görme biçimimiz olan sayısız bakışı ve parçalanmış görüntüleri yakalamayı amaçlayan katmanlı fotoğraf dizileri, en anında tanınan eserleri arasındadır.
Hockney bir keresinde beni National Gallery'deki bir Caravaggio sergisinde gezdirerek ressamın bir tür erken dönem kamera kullanmış olması gerektiğine neden inandığını açıklamıştı. Ardından, Londra'daki evinde, Doğu manzara sanatının, Batı sanatını saplantı haline getiren tek nokta perspektifinden çok daha fazla dünyanın ölçeğini kucaklayan, değişen, açılan bakış açıları kullandığını göstermek için bir Japon parşömeni çıkardı. Argümanı büyüleyiciydi ve parşömen de öyleydi—ki bu orijinal değil bir kopyaydı. Başka bir deyişle, ona nadirliği için değil, kullanışlılığı için değer veriyordu.
Hockney'in Bridlington'daki evi de güzel ama sade bir şekilde dekore edilmişti. Zenginliğini lüks yaşamak için değil, çalışmak ve araştırma yapmak için kullanırdı. Onda derinden etkileyici bir alçakgönüllülük ve doğrudanlık vardı. Sigarayı bırakmayı inatla reddetmesiyle ünlendi, ancak sigara içmeyen biri olarak, bir keresinde beni Yorkshire boyunca gezdirdiğinde, dumanını kendine saklayan yüksek teknolojili bir kül tablası kullandığını doğrulayabilirim. Kibar bir özgürlükçüydü.
Bu karakter, kamuoyunda kendini gösterdi ve Hockney'i bir ünlü yaptı. Daha genç İngiliz sanatçıların ulaşamadığı, daha çok David Attenborough ya da kraliçeninkine benzer bir popülerlik elde etti. David Hockney gerçek olan şeydi—büyük bir sanatçı ve büyük bir insan.
**Sıkça Sorulan Sorular**
İşte David Hockney ve çalışmalarının modern dünyanın özünü nasıl yakaladığı hakkında, doğal bir tonda ve net cevaplarla yazılmış SSS listesidir.
**Başlangıç Seviyesi Sorular**
1. **David Hockney kimdir?**
David Hockney, canlı resimleri, çizimleri ve fotoğraf kolajlarıyla tanınan ünlü bir İngiliz sanatçıdır. 1960'lardan beri pop sanatının önemli bir figürüdür.
2. **İnsanlar neden Hockney'in modern dünyanın özünü yakaladığını söylüyor?**
Modern hayatı tanımlayan şeylere odaklandı: parlak yüzme havuzları, şık Kaliforniya mimarisi, fotoğrafçılığın yükselişi ve dünyayı ekranlar ve teknoloji aracılığıyla görme biçimimiz. Çalışmaları taze ve kendi zamanına ait hissettirir.
3. **Hockney'in en ünlü tablosu hangisidir?**
**Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)** en ikonik eseridir. Havuzdaki bir yüzücüye bakan pembe ceketli bir adamı gösterir. 1970'ler Kaliforniya'sının boş zamanını ve stilini mükemmel bir şekilde yansıtır.
4. **Hockney sadece havuzlar mı çizdi?**
Hayır, ancak havuzlar tekrar eden bir temadır. Ayrıca manzaralar, portreler, natürmortlar çizdi ve sanat yaratmak için fotokopi makineleri, faks makineleri ve iPad'ler gibi yeni teknolojiler kullandı.
5. **Bu bağlamda "gözlere şölen" ne anlama geliyor?**
Sanatının görsel olarak zengin, renkli ve bakması keyifli olduğu anlamına gelir. Her detayı keşfetmek isteyeceğiniz parlak, cesur renkler ve zeki perspektifler kullanır.
**Orta Seviye Sorular**
6. **Hockney modern dünyayı yakalamak için fotoğrafçılığı nasıl kullandı?**
Bir sahnenin farklı açılardan birçok Polaroid fotoğrafını çekip bunları bir ızgarada düzenlediği foto-kolajlar yarattı. Bu, gözlerimizin aslında nasıl hareket ettiğini ve dünyayı nasıl gördüğünü taklit eder—tek bir kare fotoğraf olarak değil, bir dizi bakış olarak.
7. **Hockney'in sanatında teknolojinin rolü neydi?**
Hockney yeni araçları benimsedi. Katmanlı baskılar yapmak için fotokopi makinesi, çizimleri dünyanın öbür ucuna göndermek için faks makinesi ve daha sonra doğrudan ekranda resim yapmak için bir iPad kullandı. Bu, modern araçların nasıl yaratma ve görme biçimimizin bir parçası haline geldiğini gösterir.
8. **Hockney'in stili Kaliforniya'ya taşındığında nasıl değişti?**
İngiltere'den güneşli Kaliforniya'ya taşınmak, sanatında derin bir etki yarattı.
