Lorsque Willem Dafoe a pris la direction artistique de la Biennale de théâtre de Venise l'année dernière, il a façonné le programme autour de ses propres centres d'intérêt. Il a choisi des compagnies de théâtre expérimental qui l'avaient influencé en tant que jeune acteur et a joué dans une pièce étrange et plutôt rigide de Richard Foreman, qui consistait à lire des notes aléatoires sur des fiches cartonnées. Cela semblait moins avant-gardiste que nostalgique.
L'édition de cette année, la 54e, est heureusement très différente. Le programme de Dafoe est vaste et tourné vers l'extérieur, avec une réelle variété culturelle et un mélange intéressant de traditions théâtrales. La programmation s'étend de l'Europe à l'Indonésie (incluant Sous le volcan de Yusril Katil) et à l'Inde (Mischief Dance de Sharmila Biswas). Des spectacles comme Mugen Noh Othello de Satoshi Miyagi, qui mêle le théâtre Nô à Shakespeare, et Cries de Christos Stergioglou et Alex Drakos Ktistakis, qui combine théâtre physique et narration musicale avec des thèmes modernes et le drame grec antique, sont pleins d'une hybridité audacieuse.
La seule chose rigide dans le programme de cette année est son titre, Alter Native, que Dafoe dit faire référence aux « rencontres entre les cultures – des moments où le familier entre en dialogue avec vous et devient un catalyseur de transformation ». Si cela semble pompeux et déroutant sur le papier, cela porte un véritable sens dans la pratique.
Un thème récurrent traverse le programme de Dafoe : donner une voix aux marginalisés et se concentrer sur des histoires moins entendues. Emma Dante, une dramaturge sicilienne célèbre qui a créé des œuvres sur les exclus et les marginaux sociaux, reçoit cette année le Lion d'or pour l'ensemble de sa carrière, ce qui devient en soi une déclaration audacieuse.
Et la dernière production de Davide Iodice incarne cette orientation de la manière la plus monumentale. Iodice est un dramaturge italien qui a déjà réalisé des spectacles dans un hôpital psychiatrique, une prison pour femmes et un refuge pour sans-abri. Sa nouvelle œuvre, Promemoria, est sans doute le point culminant de la programmation de cette année.
Elle emmène le public à l'intérieur du San Giobbe, une maison de retraite pour personnes âgées à Venise. Nous parcourons ses couloirs et interagissons avec 21 résidents souffrant de déclin cognitif, d'Alzheimer, ou qui ne sont plus totalement autonomes. Des soignants sont à leurs côtés, ainsi que neuf acteurs qui jouent autour d'eux. Nous écoutons leurs histoires et les regardons danser.
Le spectacle est le résultat d'un processus d'atelier d'un an et d'un projet d'une extrême tendresse – bien qu'il ne soit pas aussi inflexible que la pièce Care d'Alexander Zeldin, située dans une maison de retraite, actuellement au Young Vic à Londres.
Interrogé sur sa préférence pour le positif et l'espoir, Iodice dit que la douleur est toute présente de manière non dite : « Ce qui m'a le plus frappé chez ces acteurs extraordinaires, c'est leur incroyable attachement à la vie, un fort désir d'en faire partie même dans une condition de vulnérabilité extrême – une force qui donne de la force. J'ai cherché à rendre hommage à cette force douce et gentille. La fragilité, la douleur, la maladie, l'urgence sont présentes dans chaque coin du couloir, dans les odeurs, dans les bruits incessants des équipements médicaux en marche, dans les sonnettes qui appellent à l'aide, dans le mouvement constant des médecins et des infirmières, dans la vie quotidienne de cet endroit. Pourtant, même dans cet endroit, l'humanité parvient à maintenir avec acharnement sa beauté, aussi résiduelle soit-elle. C'est cette beauté qui m'intéresse toujours. »
Cries de Stergioglou et Ktistakis distille les voix des migrants et de ceux qui ont été réduits en esclavage ou déplacés à travers le temps, d'Hécube après le sac de Troie à nos jours. Il est présenté principalement à travers le chant et mis en scène par un groupe de six musiciens-interprètes au lieu en plein air Teatro Verde, qui ressemble à un amphithéâtre et est situé sur une île au large du continent. Il prend vie dans sa chanson la plus en colère sur l'expérience. Les migrants qui fuient à contrecœur leur foyer, souvent dans des circonstances désespérées, sont accueillis par l'hostilité et les préjugés en Occident. « Vous devez comprendre : personne ne met ses enfants sur un bateau à moins que l'eau ne soit plus sûre que la terre... personne ne choisit les camps de réfugiés ou les fouilles à nu », chante un interprète dans un morceau qui devient plutôt un cri puissant.
Miyagi donne une voix à un personnage shakespearien marginalisé dans Mugen Noh Othello, qui réimagine la pièce pour se concentrer sur Desdémone, la femme assassinée d'Othello. Artiste expérimental japonais ayant déjà retravaillé plusieurs classiques occidentaux, il utilise le rituel du théâtre Mugen-Noh, qui remonte au 13e siècle.
Miyagi explique que le personnage principal du Mugen-Noh est toujours un fantôme piégé dans une histoire qui se répète. Le but de ce rituel dramatique est de libérer cette figure souffrante de son purgatoire, en partie par l'acte même de raconter une histoire : « Raconter des histoires les aide à résoudre leur angoisse. » Pour Miyagi, cela relie la tradition Nô aux fantômes de Shakespeare et à leur désir de vengeance dans des pièces comme Hamlet.
Un chœur Nô reconnaissable, avec tambours et percussions, raconte l'histoire d'Othello, y compris ses actes héroïques à la guerre. Mais l'accent est mis sur le fantôme de Desdémone – un esprit éternellement indigné d'avoir été tuée par son mari accusateur pour une liaison qu'elle n'a jamais eue. Comme elle parle à peine dans la pièce originale de Shakespeare, ce remaniement déplace complètement le centre d'intérêt de l'histoire. Il ne s'agit plus d'un héros de guerre profondément imparfait et de sa jalousie violente, attisée par les ruses astucieuses d'Iago. Il s'agit plutôt d'une épouse fidèle et d'un esprit lésé, consumé par un sentiment d'injustice et coincé dans sa propre histoire douloureuse. C'est elle, et non Othello, qui devient le cœur tragique de la pièce.
Miyagi n'est pas le seul à ramener les morts à la vie. Letter to the Absent de Dorcy Rugamba est une adaptation de son livre Hewa Rwanda, dédié à sa famille morte lors du génocide rwandais de 1994. Il suggère que le théâtre est un médium où les morts peuvent renaître, et il voulait ramener ceux qui sont morts d'une manière qui ne soit pas définie par leurs meurtriers. « Le génocide tue les gens deux fois : d'abord il tue le corps, mais après cela, leur existence même peut disparaître dans la façon dont vous racontez leur histoire. Si vous regardez des films et des livres [sur le génocide], la violence est si dramatique qu'elle devient l'histoire du meurtrier. Pour moi, il est nécessaire de trouver un moyen de donner aux victimes leur histoire complète. Pour qu'elles puissent devenir les personnages principaux de l'histoire et cesser d'être simplement des souffrants vus uniquement à travers les conditions horribles de leur mort. »
Plusieurs œuvres comportent des éléments immersifs. Dans la pièce d'Iodice, un maximum de 30 spectateurs par représentation se déplacent dans les pièces et les jardins de la maison. Ils deviennent des participants actifs, invités dans un atelier d'art pour entendre ce que les résidents ont créé, ou s'asseyant avec un groupe de femmes âgées qui offrent du thé et partagent des souvenirs de leur ancienne vie professionnelle et de leur famille.
À plus petite échelle, Ragada de Mario Banushi, la première partie d'une trilogie sans paroles sur la perte familiale, la mémoire et les rituels funéraires. Banushi, un dramaturge grec d'origine albanaise, est considéré par beaucoup comme le nouveau visage du théâtre grec et est le lauréat du Lion d'argent de cette année à la Biennale. La trilogie, intitulée Romance Familiare (qui inclut Goodbye, Lindita et Taverna Miresia aux côtés de cette première partie), est présentée ensemble pour la première fois au festival. Ragada se déroule dans ce qui ressemble à un salon familial, les spectateurs étant assis dans un espace qui entoure la pièce, certains par terre près des acteurs. J'ai été complètement emporté par le drame émotionnel intense se déroulant dans un espace si petit et intime.
Au-delà du programme principal, il y a une performance de six heures de Comment c'est de Samuel Beckett. Le public peut la regarder d'un seul coup ou faire des pauses tout au long de la journée. C'est une mise en scène mot pour mot du roman en trois parties de Beckett, publié pour la première fois en français en 1961. Connu pour être déroutant, le texte est écrit en vers sans ponctuation et met en scène une figure solitaire dans un paysage boueux qui entend des voix à la fois à l'intérieur et à l'extérieur de lui-même.
[Image: Vue plein écran]
Pour la durée... Stephen Dillane dans Comment c'est de Beckett. Photographie : Grant Gee
Même si cela ne fait pas partie de la Biennale de Dafoe, cela s'intègre bien avec l'aspect pratique et immersif de son programme. Cet « événement d'art vivant », une collaboration entre Gare St Lazare Ireland et Berggruen Arts & Culture, a lieu au dernier étage du Palazzo Diedo. Mis en scène par Judy Hegarty Lovett, avec l'aide du design de l'artiste Michael Craig Martin, il met en vedette Stephen Dillane et Conor Lovett. « C'est un texte très oral – il fonctionne bien sur scène », dit Hegarty Lovett. Gare St Lazare travaille dessus depuis dix ans, et l'année prochaine, ils mettront en scène En attendant Godot avec Gary Oldman.
Avec cette Biennale, Dafoe termine le mandat minimum de deux ans requis pour son directeur artistique. La question est maintenant de savoir s'il restera deux ans de plus ou plus. Vu le programme de cette année, il semble qu'il soit vraiment en pleine forme. Regarder cet espace vide ? La Biennale de théâtre de Venise se déroule jusqu'au 21 juin. Le voyage d'Arifa Akbar a été pris en charge par le festival.
Foire aux questions
Voici une liste de FAQ sur In
Questions de niveau débutant
1 Qu'est-ce que In exactement dans le tableau périodique
Réponse In est le symbole chimique de l'Indium C'est un métal mou blanc argenté très rare dans la croûte terrestre
2 L'Indium est-il un solide un liquide ou un gaz à température ambiante
Réponse C'est un métal solide mais très mou si mou qu'on peut le couper avec un couteau Il a également un point de fusion très bas pour un métal
3 Où trouve-t-on le plus couramment l'Indium
Réponse On ne le trouve pas sous forme de pépite pure C'est généralement un sous-produit de l'extraction d'autres métaux comme le zinc le plomb et l'étain Les plus grands producteurs sont la Chine la Corée du Sud et le Canada
4 À quoi sert l'Indium dans la vie quotidienne
Réponse Vous l'utilisez probablement chaque fois que vous touchez un smartphone ou un écran d'ordinateur C'est un ingrédient clé de l'oxyde d'indium et d'étain qui rend les écrans tactiles conducteurs et transparents
Questions avancées et techniques
5 Pourquoi l'Indium est-il si important pour les écrans tactiles et les panneaux solaires
Réponse Lorsque vous mélangez l'Indium avec de l'étain vous obtenez de l'oxyde d'indium et d'étain Ce matériau est à la fois transparent et électriquement conducteur Il est également utilisé dans les cellules solaires à couches minces pour la même raison
6 L'Indium est-il toxique ou dangereux à manipuler
Réponse L'Indium métal pur est généralement considéré comme non toxique et sûr à manipuler Cependant certains de ses composés sont toxiques et peuvent causer des lésions pulmonaires s'ils sont inhalés sous forme de poussière
7 Pourquoi l'Indium est-il si cher et difficile à trouver
Réponse Ce n'est pas qu'il soit incroyablement rare dans la croûte terrestre mais il est dispersé c'est-à-dire qu'il est présent en quantités infimes Il est très difficile à exploiter de manière économique seul L'offre est également fortement contrôlée par quelques pays ce qui rend les prix volatils
