David Hockney veränderte die Welt, indem er sie einfach nur ansah. Seine Kunst war eine Feier der reinen visuellen Freude – ein langes, entzücktes Fest des Sehens. Er war jemand, der Wunder in Blumen in einer Vase und sonnenbeschienenen Schnellstraßen fand und ständig über neue Wege nachdachte, solche flüchtigen Schätze in Bildern festzuhalten. Es schien ihm nie in den Sinn zu kommen, dass seine Art zu sehen revolutionär war. Alles, was ihm wichtig war, war die Wahrheit. Aber niemand hatte zuvor den Anblick und das Gefühl der modernen Welt mit solcher Akzeptanz eingefangen. Er hat dieselbe schlichte Perfektion wie die Beatles – so wie sie den Klang der modernen Welt einfingen, hielt er ihr Aussehen fest.
Das Aussagekräftigste an Hockney ist, dass er Los Angeles liebte. Wo andere ein sinnloses Chaos sehen mochten, sah er Freiheit und Möglichkeit unter einem vorurteilsfreien blauen Himmel. Niedrige Häuser mit Terrassentüren, die leer glitzerten, hohe, dünne Palmen mit winzigen Kronen, der weiße Aufprall eines Springers, der ins Wasser eintaucht – Hockneys Kalifornien ist eine Vision des Paradieses. Er ist der Matisse der Pop-Art, und **A Bigger Splash** ist die Antwort der 1960er-Jahre auf Matisses Manifest der Freude von 1904, **Luxe, Calme et Volupté**.
Pop-Art hatte oft eine düstere Seite, so breit wie ein Chevrolet. Die meisten ihrer großen Figuren – Richard Hamilton, Andy Warhol, Gerhard Richter – waren keine Fans, sondern kalte Kritiker der neuen westlichen Konsumgesellschaft, die sich um 1960 herausbildete. Dann kam Hockney. Aufgewachsen in der rußgeschwärzten Industrielandschaft von Bradford, wurde er ein junger Künstler, der frei von Nostalgie und Snobismus war. Seine frühen Werke, die er als Student am Royal College of Art in London schuf, akzeptieren das moderne Leben nicht mit Ironie oder Ideologie, sondern einfach, weil es sein Leben war: von Schreibtischlampen über Tanzen bis zum Duschen – warum sollte er nicht zeigen, wie seine Generation lebte?
Schwul zu sein war nur ein Teil der Wahrheit, die er lebte und malte. Es war keine große Sache, und er wäre verärgert, wenn man sich an ihn als „Großbritanniens ersten offen schwulen Künstler“ erinnern würde. Es ist genau seine entspannte und ungetrübte Darstellung einer Sexualität, die im Großbritannien der frühen 1960er-Jahre illegal war, die seine Kunst so mühelos subversiv macht. Von seinem ausdrucksstarken Gemälde **Doll Boy** von 1960–61, das seine Leidenschaft für Cliff Richard gesteht („sehr attraktiv, sehr sexy“), bis zu einem ruhigen Porträt eines reifen und selbstbewussten Paares von 1968, Christopher Isherwood und Don Bachardy, geht es in Hockneys künstlerischer Entwicklung während dieses revolutionären Jahrzehnts sehr darum, den richtigen Stil zu finden, um das schwule Leben so zu zeigen, wie es ist.
Dennoch ist Hockney nie nur ein Teilnehmer der neuen, freien, erfüllten Welt, die er im Swinging London suchte – und in Kalifornien fand. Er ist auch ein Beobachter, und zwar ein sehr selbstbewusster. Als er 1961 zum ersten Mal die USA besuchte, fertigte er eine komische Aufzeichnung der Reise in einer Reihe von Drucken an, die William Hogarths **A Rake's Progress** nachempfunden waren. Der bebrillte, dürre Rake ist Hockney selbst, sowohl fasziniert als auch verwirrt von Amerika, als er entdeckt, dass es eine schwule Szene gibt, und schließlich von jeans-tragenden Klonen umgeben ist, die Popmusik über Kopfhörer hören (das war vor fast 60 Jahren: Hockney stellte sich bereits damals die Art und Weise vor, wie wir heute leben).
Gegen Ende der 1960er-Jahre zog eine unheimliche Stille in seine Gemälde ein, als er offener zum Beobachter, zum Zuschauer wurde. Die Einsamkeit des Betrachtens ist das Thema dessen, was vielleicht sein größtes Gemälde ist, **Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)**. Es ist sicherlich sein teuerstes, das 2018 für 90,3 Millionen Dollar verkauft wurde. In dieser riesigen Leinwand von 1972 – einem fast mystisch strahlenden Werk – steht ein junger Mann in einer rosa Jacke neben einem Swimmingpool im Freien und beobachtet einen Schwimmer, dessen blasse Haut unter durchscheinendem türkisfarbenem Wasser flackert. Um die Art von klatschhaftem Detail zu nennen, das Hockney zu hassen begann: Der Mann am Pool ist Peter Schlesinger, und das Gemälde hält das Ende ihrer Beziehung fest – ein Trauma, das ihm schmerzhafte Autorität verleiht.
Aber auch wenn das Betrachten ein einsamer Akt sein kann, ist es auch eine Freude. Es ist fast peinlich zuzugeben, dass trotz aller psychologischen Spannung in diesem Gemälde die leuchtende, geschmolzene Landschaft der bunten, sonnenüberfluteten Hügel jenseits des Pools genauso faszinierend ist. Solche Anblicke fesselten Hockney, und seine Kunst teilt dieses Staunen. Einige seiner denkwürdigsten Werke sind einfache Stillleben: sein Gemälde **Mount Fuji and Flowers** von 1972 oder seine wunderschöne Studie einer zerbrechlichen Porzellan-Teekanne vor einer wogenden, schweren blauen See, **Breakfast at Malibu, Sunday 1989**.
In beiden Werken werden zarte Stillleben-Szenen neben gewaltigen, ehrfurchtgebietenden Bildern der Natur platziert. Es ist die Art von kunsthistorischem Spiel – hier Chardin gegen Turner oder Hokusai antreten zu lassen – das Hockney mühelos gelingen konnte, weil er so neugierig war, wie die sich ändernden Stile der Kunst die Art und Weise prägen, wie wir die Welt sehen. Es gab nichts Naives an seinem Realismus. Einer seiner größten Helden war Picasso. Er stellte sich nicht nur ein Treffen zwischen ihnen beiden in einer brillanten Nachahmung von Picassos eigenem grafischen Stil vor, sondern versuchte auch, in einem Experiment fernab seiner Staffelei, Picassos wechselnde kubistische Perspektiven auf die Fotografie anzuwenden. Seine geschichteten Fotoanordnungen, die die vielen Blicke und fragmentierten Ansichten einfangen sollen, durch die wir die Welt wirklich sehen, gehören zu seinen bekanntesten Werken.
Hockney führte mich einmal durch eine Caravaggio-Ausstellung in der National Gallery, um zu erklären, warum er glaubte, der Maler müsse eine Art frühe Kamera verwendet haben. Dann holte er in seinem Londoner Haus eine japanische Schriftrolle hervor, um zu zeigen, wie die östliche Landschaftskunst wechselnde, sich entfaltende Blickwinkel verwendet, die den Maßstab der Welt weit mehr umfassen als die Ein-Punkt-Perspektive, die die westliche Kunst besessen hat. Sein Argument war faszinierend, und die Schriftrolle war es auch – die kein Original, sondern eine Kopie war. Mit anderen Worten: Er schätzte sie nicht wegen ihrer Seltenheit, sondern wegen ihrer Nützlichkeit.
Hockneys Haus in Bridlington war ebenfalls schön, aber schlicht eingerichtet. Er nutzte seinen Reichtum nicht, um luxuriös zu leben, sondern um zu arbeiten und zu forschen. Es lag eine Bescheidenheit und Direktheit an ihm, die zutiefst bewegend war. Er wurde berühmt für seine hartnäckige Weigerung, mit dem Rauchen aufzuhören, aber als Nichtraucher kann ich bestätigen, dass er, als er mich einmal durch Yorkshire fuhr, einen High-Tech-Aschenbecher benutzte, der seinen Rauch bei ihm behielt. Er war ein höflicher Libertärer.
Dieser Charakter kam in der Öffentlichkeit durch und machte Hockney zu einer Berühmtheit. Er erreichte eine Art von Popularität, die jüngere britische Künstler nicht erreicht haben, eher wie die von David Attenborough oder der Königin. David Hockney war das Original – ein großartiger Künstler und ein großartiger Mensch.
**Häufig gestellte Fragen**
Hier ist eine Liste von FAQs über David Hockney und wie seine Arbeit die Essenz der modernen Welt eingefangen hat, geschrieben in einem natürlichen Ton mit klaren Antworten.
**Fragen für Anfänger**
1. **Wer ist David Hockney?**
David Hockney ist ein berühmter britischer Künstler, der vor allem für seine lebendigen Gemälde, Zeichnungen und Fotocollagen bekannt ist. Seit den 1960er-Jahren ist er eine bedeutende Figur der Pop-Art.
2. **Warum sagt man, Hockney habe die Essenz der modernen Welt eingefangen?**
Er konzentrierte sich auf die Dinge, die das moderne Leben ausmachen: helle Schwimmbecken, schlanke kalifornische Architektur, den Aufstieg der Fotografie und die Art und Weise, wie wir die Welt durch Bildschirme und Technologie sehen. Seine Werke wirken frisch und zeitgemäß.
3. **Was ist Hockneys berühmtestes Gemälde?**
**Portrait of an Artist** ist sein bekanntestes Werk. Es zeigt einen Mann in einer rosa Jacke, der auf einen Schwimmer in einem Pool hinunterblickt. Es fängt die Muße und den Stil Kaliforniens der 1970er-Jahre perfekt ein.
4. **Hat Hockney nur Pools gemalt?**
Nein, aber Pools sind ein wiederkehrendes Thema. Er malte auch Landschaften, Porträts, Stillleben und nutzte neue Technologien wie Fotokopierer, Faxgeräte und iPads, um Kunst zu schaffen.
5. **Was bedeutet „ein Fest für die Augen“ in diesem Zusammenhang?**
Es bedeutet, dass seine Kunst visuell reichhaltig, farbenfroh und freudig anzusehen ist. Er verwendet helle, kräftige Farben und clevere Perspektiven, die einen dazu bringen, jedes Detail weiter zu erkunden.
**Fragen für Fortgeschrittene**
6. **Wie nutzte Hockney die Fotografie, um die moderne Welt einzufangen?**
Er schuf Fotocollagen, bei denen er viele Polaroidfotos einer Szene aus verschiedenen Blickwinkeln aufnahm und sie dann in einem Raster anordnete. Dies ahmt nach, wie sich unsere Augen tatsächlich bewegen und die Welt sehen – nicht als einzelne Momentaufnahme, sondern als eine Reihe von Blicken.
7. **Welche Rolle spielte Technologie in Hockneys Kunst?**
Hockney nahm neue Werkzeuge an. Er benutzte einen Fotokopierer, um geschichtete Drucke anzufertigen, ein Faxgerät, um Zeichnungen um die Welt zu schicken, und später ein iPad, um direkt auf einem Bildschirm zu malen. Dies zeigt, wie moderne Werkzeuge Teil dessen werden, wie wir erschaffen und sehen.
8. **Wie veränderte sich Hockneys Stil, als er nach Kalifornien zog?**
Der Umzug vom sonnigen Kalifornien... (Der Satz ist im Original unvollständig, daher wird er hier nicht übersetzt.)
