David Hockney zmienił świat, po prostu na niego patrząc. Jego sztuka była celebracją czystej wizualnej radości – długą, zachwycającą ucztą patrzenia. Był kimś, kto odnajdywał zachwyt w kwiatach w wazonie i nasłonecznionych autostradach, i nieustannie wymyślał nowe sposoby, by uchwycić takie ulotne skarby na obrazach. Nigdy nie przyszło mu do głowy, że jego sposób patrzenia jest rewolucyjny. Jedyne, na czym mu zależało, to prawda. Ale nikt wcześniej nie uchwycił wyglądu i odczucia nowoczesnego świata z taką akceptacją. Ma tę samą prostą doskonałość co Beatlesi – tak jak oni uchwycili brzmienie nowoczesnego świata, on uchwycił jego wygląd.
Najbardziej wymowną rzeczą w Hockneyu jest to, że kochał Los Angeles. Tam, gdzie inni widzieli bezmyślny chaos, on widział wolność i możliwości pod nieoceniającym, błękitnym niebem. Niskie domy z patio, których drzwi błyszczały pustką, wysokie, cienkie palmy z maleńkimi koronami, biały plusk nurka uderzającego o wodę – Kalifornia Hockneya to wizja raju. Jest Matisse’em pop-artu, a **A Bigger Splash** to odpowiedź lat 60. na manifest przyjemności Matisse’a z 1904 roku, **Luxe, Calme et Volupté**.
Pop-art często miał ponurą stronę, szeroką jak Chevrolet. Większość jego wielkich postaci – Richard Hamilton, Andy Warhol, Gerhard Richter – nie była fanami, ale chłodnymi krytykami nowego zachodniego społeczeństwa konsumpcyjnego, które kształtowało się około 1960 roku. Potem pojawił się Hockney. Dorastając w poczerniałym od dymu przemysłowym krajobrazie Bradford, stał się młodym artystą wolnym zarówno od nostalgii, jak i snobizmu. Jego wczesne prace, stworzone, gdy był studentem Royal College of Art w Londynie, akceptują współczesne życie nie z ironią czy ideologią, ale po prostu dlatego, że było to jego życie: od lamp biurkowych, przez taniec, po branie prysznica – dlaczego nie miałby pokazać, jak żyje jego pokolenie?
Bycie gejem było tylko częścią prawdy, którą żył i malował. Nie było to wielkie wydarzenie, a on byłby zmartwiony, gdybyśmy zapamiętali go jako „pierwszego otwarcie gejowskiego artystę Wielkiej Brytanii”. To właśnie jego swobodne i nieskrępowane przedstawienie seksualności, która na początku lat 60. w Wielkiej Brytanii była nielegalna, sprawia, że jego sztuka jest tak bezwysiłkowo wywrotowa. Od jego efektownego obrazu **Doll Boy** z lat 1960–61, który wyznaje jego pasję do Cliffa Richarda („bardzo atrakcyjny, bardzo seksowny”), po spokojny portret dojrzałej i pewnej siebie pary, Christophera Isherwooda i Dona Bachardy’ego z 1968 roku, rozwój artystyczny Hockneya w tej rewolucyjnej dekadzie w dużej mierze polega na znalezieniu odpowiedniego stylu, by pokazać gejowskie życie takim, jakie jest.
Jednak Hockney nigdy nie jest tylko uczestnikiem nowego, wolnego, spełnionego świata, którego szukał w swingującym Londynie – i znalazł w Kalifornii. Jest także obserwatorem, i to bardzo samoświadomym. Kiedy po raz pierwszy odwiedził USA w 1961 roku, stworzył komiksowy zapis tej podróży w serii grafik wzorowanych na **Karierze rozpustnika** Williama Hogartha. Okularnik, chudy Rozpustnik to sam Hockney, zarówno zafascynowany, jak i zdezorientowany Ameryką, odkrywając, że istnieje scena gejowska, i kończąc otoczony klonami w dżinsach słuchającymi muzyki pop na słuchawkach (to było prawie 60 lat temu: Hockney już wtedy obrazował sposób, w jaki żyjemy teraz).
Pod koniec lat 60. jego obrazy ogarnęła niesamowita cisza, gdy coraz bardziej otwarcie stawał się obserwatorem, widzem. Samotność patrzenia jest tematem tego, co może być jego najwspanialszym obrazem, **Portret artysty (Basen z dwiema postaciami)**. Jest to z pewnością jego najdroższe dzieło, sprzedane w 2018 roku za 90,3 miliona dolarów. Na tym ogromnym płótnie z 1972 roku – niemal mistycznie promiennym dziele – młody mężczyzna w różowej kurtce stoi przy odkrytym basenie, patrząc na pływaka, którego blada skóra migocze pod przejrzystą, turkusową wodą. By podać szczegół z plotkarskich kręgów, który Hockney znienawidził, mężczyzna przy basenie to Peter Schlesinger, a obraz uchwyci koniec ich związku – traumę, która nadaje mu bolesną autorytatywność.
Ale nawet jeśli patrzenie może być samotnym aktem, jest także radością. Prawie wstyd przyznać, że pomimo całego napięcia psychologicznego w tym obrazie, świetliste, roztopione krajobrazy kolorowych, zalanych słońcem wzgórz za basenem są równie hipnotyzujące. Takie widoki fascynowały Hockneya, a jego sztuka dzieli się tym zachwytem. Niektóre z jego najbardziej zapadających w pamięć dzieł to proste martwe natury: jego obraz **Góra Fuji i kwiaty** z 1972 roku lub piękne studium kruchego porcelanowego czajnika na tle wzburzonego, falującego błękitnego morza, **Śniadanie w Malibu, niedziela 1989**.
W obu tych pracach delikatne sceny martwej natury są umieszczone obok ogromnych, budzących podziw obrazów natury. To rodzaj gry historią sztuki – tutaj przeciwstawienie Chardina Turnerowi lub Hokusaiowi – którą Hockney potrafił wykonać bez wysiłku, ponieważ był tak ciekawy, jak zmieniające się style w sztuce kształtują sposób, w jaki postrzegamy świat. W jego realizmie nie było nic naiwnego. Jednym z jego największych bohaterów był Picasso. Nie tylko wyobraził sobie spotkanie ich obu w genialnej imitacji własnego stylu graficznego Picassa, ale także, w eksperymencie dalekim od jego sztalugi, próbował zastosować zmienne, kubistyczne perspektywy Picassa do fotografii. Jego warstwowe układy fotograficzne, które mają na celu uchwycenie wielu spojrzeń i fragmentarycznych widoków, przez które naprawdę postrzegamy świat, należą do jego najbardziej rozpoznawalnych dzieł.
Hockney kiedyś oprowadził mnie po wystawie Caravaggia w National Gallery, aby wyjaśnić, dlaczego wierzy, że malarz musiał użyć jakiegoś rodzaju wczesnego aparatu. Następnie, w swoim londyńskim domu, wyciągnął japoński zwój, aby pokazać, jak wschodnia sztuka krajobrazu wykorzystuje zmienne, rozwijające się punkty widzenia, które obejmują skalę świata w znacznie większym stopniu niż perspektywa zbieżna, która fascynowała sztukę zachodnią. Jego argumentacja była fascynująca, podobnie jak zwój – który nie był oryginałem, ale kopią. Innymi słowy, cenił go nie ze względu na jego rzadkość, ale na użyteczność.
Dom Hockneya w Bridlington był również pięknie, ale prosto urządzony. Nie używał swojego bogactwa do luksusowego życia, ale do pracy i badań. Była w nim skromność i bezpośredniość, które były głęboko poruszające. Stał się sławny dzięki swojemu upartemu odmawianiu rzucenia palenia, ale jako niepalący mogę potwierdzić, że kiedy kiedyś przewiózł mnie przez Yorkshire, używał zaawansowanej technologicznie popielniczki, która zatrzymywała jego dym przy nim. Był uprzejmym libertarianinem.
Ta cecha przebijała się w życiu publicznym i uczyniła Hockneya celebrytą. Osiągnął rodzaj popularności, jakiej młodsi brytyjscy artyści nie osiągnęli, bardziej podobnej do popularności Davida Attenborough czy królowej. David Hockney był prawdziwy – wielkim artystą i wielkim człowiekiem.
**Często zadawane pytania**
Oto lista często zadawanych pytań o Davida Hockneya i o to, jak jego twórczość uchwyciła esencję współczesnego świata, napisana naturalnym tonem z jasnymi odpowiedziami.
**Pytania dla początkujących**
1. **Kim jest David Hockney?**
David Hockney to słynny brytyjski artysta, najbardziej znany ze swoich żywych obrazów, rysunków i fotokolaży. Jest ważną postacią pop-artu od lat 60. XX wieku.
2. **Dlaczego ludzie mówią, że Hockney uchwycił esencję współczesnego świata?**
Skupił się na rzeczach, które definiują współczesne życie: jasnych basenach, eleganckiej kalifornijskiej architekturze, rozwoju fotografii i sposobie, w jaki postrzegamy świat przez ekrany i technologię. Jego prace wydają się świeże i osadzone w swoich czasach.
3. **Jaki jest najsłynniejszy obraz Hockneya?**
**Portret artysty (Basen z dwiema postaciami)** to jego najbardziej ikoniczne dzieło. Przedstawia mężczyznę w różowej kurtce patrzącego w dół na pływaka w basenie. Doskonale oddaje wypoczynek i styl Kalifornii lat 70.
4. **Czy Hockney malował tylko baseny?**
Nie, ale baseny są powracającym motywem. Malował także krajobrazy, portrety, martwe natury i używał nowych technologii, takich jak kopiarki, faksy i iPady, do tworzenia sztuki.
5. **Co oznacza w tym kontekście „uczta dla oczu”?**
Oznacza to, że jego sztuka jest bogata wizualnie, kolorowa i radosna w oglądaniu. Używa jasnych, odważnych kolorów i sprytnych perspektyw, które sprawiają, że chce się odkrywać każdy szczegół.
**Pytania dla średniozaawansowanych**
6. **Jak Hockney wykorzystał fotografię, by uchwycić współczesny świat?**
Tworzył fotokolaże, robiąc wiele zdjęć Polaroidem jednej sceny z różnych kątów, a następnie układając je w siatkę. Naśladuje to sposób, w jaki nasze oczy faktycznie się poruszają i widzą świat – nie jako pojedyncze ujęcie, ale jako serię spojrzeń.
7. **Jaką rolę w sztuce Hockneya odegrała technologia?**
Hockney chętnie korzystał z nowych narzędzi. Używał kopiarki do tworzenia warstwowych wydruków, faksu do wysyłania rysunków na drugi koniec świata, a później iPada do malowania bezpośrednio na ekranie. To pokazuje, jak nowoczesne narzędzia stają się częścią tego, jak tworzymy i postrzegamy.
8. **Jak zmienił się styl Hockneya, gdy przeprowadził się do Kalifornii?**
Przeprowadzka z Anglii do słonecznej Kalifornii przyniosła dramatyczną zmianę. Jego paleta kolorów stała się jaśniejsza i bardziej żywa, a on zaczął malować sceny z życia na świeżym powietrzu, baseny i nowoczesną architekturę, które stały się jego znakiem rozpoznawczym.
