Parece que estás invadiendo. Entrar en la vasta retrospectiva de Tracey Emin en la Tate Modern es como encontrarla llorando, desnuda, sollozando y deshecha, como si hubieras tropezado con algo dolorosamente privado.
No es fácil lograr eso en los espacios cavernosos de nuestra principal institución de arte contemporáneo, pero eso es lo que hace a Tracey —no se siente bien llamarla Emin, te acerca tanto que es como si la conocieras, es Tracey, ¿verdad?— una artista tan especial, importante y definitoria de una era.
Es un icono, la artista más famosa de Gran Bretaña. Dio forma a una generación, escandalizó a una nación y cambió lo que el arte podía ser. Desde principios de los años 90, ha estado haciendo un arte tan crudo, tan visceral, tan emocionalmente honesto, que te obliga a sentir lo que ella siente.
Tracey simboliza la cima de los 90 —su sexo, drogas y alcohol, éxitos y excesos— pero esta exposición no trata de eso. Trata de cómo ella ha expuesto su vida, se ha desnudado y nos ha empujado a todos a enfrentarnos a nuestras propias emociones en el proceso.
No es una gran celebración fría de su obra, con paredes blancas; es mucho más íntima, oscura y claustrofóbica. En la brutal y desgarradora película de 1995 Why I Never Became a Dancer, Tracey habla de dejar la escuela a los 13 años, de tener sexo degradante y abusivo con hombres mayores y de caminar por Margate mientras los chicos le gritaban "zorra". Pero al final, convierte todo este dolor en algo alegre. "Shane, Eddie, Tony, Doug, Richard, esta es para ustedes", dice, y baila al ritmo del himno disco de Sylvester (You Make Me Feel) Mighty Real. Esa es nuestra Trace: vive, siente, ama, sufre y luego lo convierte todo en arte.
Es una ecuación simple que se repite una y otra vez de diferentes maneras a lo largo de su carrera. Convierte burlas crueles en colchas, desamores en pinturas e insultos gritados a su madre —por haberse casado con un hombre turcochipriota— en poesía.
Un aborto que la artista tuvo a principios de los 90 proyecta una enorme sombra. En una película, habla de la miseria que soportó y de cómo la trató la gente después. En la siguiente sala, hay una estantería con su brazalete de hospital y un pequeño frasco del analgésico ácido mefenámico junto a una exhibición de zapatos infantiles. Es casi demasiado, demasiado angustiante.
Sin embargo, el aborto fue su "suicidio emocional", un momento sísmico que lo cambió todo. Destruyó todas sus pinturas de la escuela de arte, se encerró en un estudio durante tres semanas y media y empezó desde cero. Ese estudio está recreado aquí, cubierto de pinturas garabateadas, latas vacías de cerveza lager europea y ropa sucia.
My Bed también está aquí —¿cómo podría no estarlo? Pero para algo tan icónico, no se siente monumental o grandioso, ni como una pieza que ha dominado el discurso del arte popular durante décadas. Simplemente se siente como si te dejaran entrar, como si te dieran acceso a otro momento privado de dolor. Nunca tuvo la intención de acaparar titulares o cambiar el mundo; era solo la verdad, la realidad de alguien viviendo su vida.
Vivir esa vida se ha vuelto más difícil recientemente. Le diagnosticaron cáncer de vejiga no hace mucho, y un pasillo oscuro aquí está lleno de fotos de su estoma sangrando. No hay límites con Tracey; la tienes a ella por completo, pase lo que pase. Su recuperación del cáncer marca la segunda vida del título de la exposición, un renacimiento.
Las colchas, películas e instalaciones son las obras más famosas aquí, pero la exposición también está llena de pinturas. Autorretratos toscos y caóticos en negro, rojo y gris —el cuerpo de Tracey está desplegado y sangrando, yaciendo roto en la cama o de pie, frágil y fantasmal, al borde del colapso. Muchos de ellos están cubiertos de media poesía diarística... No son todas grandes pinturas, pero son conmovedoras en toda su cruda y tempestuosa desorden.
Lo que realmente no es genial es su trabajo escultórico. Cada bronce parece un bulto metálico mal hecho colocado por la galería. Y podría pasar felizmente el resto de mi vida sin ver nunca otro de sus letreros de neón, todos los cuales parecen pertenecer a los vestíbulos de los peores hoteles de la Tierra.
Pero incluso cuando es mala, al menos es real y sincera. Partes de esta exposición me dejaron hecho pedazos. La pintura de ella cargando las cenizas de su madre me destrozó por completo y me dejó extrañando a mi propia madre, que murió justo antes de la pandemia. Era un desastre lloroso; fue abrumador. Debe ser agotador ser Tracey. No podría sentir con esta intensidad todo el tiempo —tengo que funcionar, enviar correos electrónicos e ir al Tesco.
No vengas aquí buscando pasar un buen rato —no lo encontrarás. Pero si vienes buscando amor, dolor, desamor y tristeza puros, sin disculpas, sin diluir y de frente, terminarás sintiendo más de lo que probablemente has sentido en años.
Preguntas Frecuentes
Por supuesto. Aquí hay una lista de preguntas frecuentes sobre la reseña titulada "Tracey Emin: A Second Life review – esta cruda exposición de amor, desamor y dolor me dejó en lágrimas", diseñada para cubrir una variedad de perspectivas.
Preguntas Generales / Para Principiantes
P: ¿Quién es Tracey Emin?
R: Tracey Emin es una famosa artista contemporánea británica, parte del grupo Young British Artists. Es conocida por su obra profundamente personal y confesional que explora temas como el amor, el sexo, el trauma y la memoria, utilizando medios como texto en neón, bordado, dibujo y escultura.
P: ¿De qué trata la exposición "A Second Life"?
R: Es una gran exposición que muestra el trabajo de Emin de la última década, creado después de su recuperación de una cirugía mayor por cáncer. El título se refiere a su renovado enfoque en la vida, el amor y la energía artística, aunque la obra aún lidia con su dolor y desamor pasados.
P: ¿Por qué dijo el reseñista que lo dejaron en lágrimas?
R: El reseñista se sintió emocionalmente abrumado por la honestidad cruda y la vulnerabilidad en la obra de Emin. El arte comunica directamente sentimientos intensos de amor, pérdida y dolor físico de una manera que puede sentirse muy inmediata y personal para el espectador.
P: ¿Es la exposición adecuada para alguien que no sabe mucho de arte?
R: Sí, absolutamente. La obra de Emin a menudo se basa en texto y trata emociones humanas universales. No necesitas un título en historia del arte para conectar con sentimientos de desamor, anhelo o alegría. La reseña sugiere que su poder está en su impacto emocional directo.
P: ¿Qué tipo de arte veré allí?
R: Puedes esperar esculturas de bronce a gran escala, mantas bordadas íntimas, pinturas figurativas crudas y sus icónicos letreros de neón con frases manuscritas sobre amor y deseo. Los materiales y la escala varían ampliamente.
Preguntas Avanzadas / Contextuales
P: La reseña la llama "cruda". ¿Qué significa eso en el contexto de la obra de Emin?
R: "Crudo" se refiere a la naturaleza sin pulir, sin filtrar y profundamente personal de su arte. Ella no oculta sus cicatrices emocionales o físicas; las presenta directamente a través de líneas de dibujo frenéticas, texto confesional y temas que se sienten privados y expuestos.
P: ¿En qué se diferencia esta exposición de su obra anterior, más controvertida?
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